Cet ouvrage présente environ 500 photos et textes sur le mobilier moderne le plus exceptionnel à travers le monde, de la simple chaise aux installations et pièces les plus complexes représentant le travail des plus fameux designers du XX° siècle. Un guide des prix y est inclus.

De l'Art Nouveau aux sièges-sculptures, des ébénistes aux designers en passant par les ensembliers, le XX° siècle est celui de toutes les audaces dans le domaine du mobilier. Les innovations succèdent aux innovations, les nouveaux matériaux se multiplient et se perfectionnent, de nouvelles méthodes de fabrication permettent une meilleure diffusion.

Crée par l'artiste François Arnal en 1969, l'Atelier A a disparu en 1975. Il serait trop simple de réduire l'aventure de l'Atelier A à la simple création et à la production de meubles et d'objets imaginés par les artistes. Démarche artistique, elle fait autant partie de l'histoire de l'art que de celle du design, même si aucune de ces deux disciplines n'a vraiment su (ou pu) se l'approprier.

Cette exposition, organisée par le Fonds national d'art contemporain dans le cadre de la biennale du Design, présente 170 meubles contemporains d'une cinquantaine de créateurs missionnés par l'Atelier du Mobilier National afin de répondre à des besoins spécifiques.

Attention ce livre étant soldé au 01/03/2012 pas de commande prise en compte avant cette date.

Les manufactures nationales des Gobelins, de Beauvais et de la Savonnerie sont des lieux de création, répondant à des commandes de l’Etat. Elles sont le témoignage des liens qui unissent les artistes et l’Etat. Dans cet ouvrage, on découvre un choix de pièces qui reflètent la vitalité de la création des 10 dernières années en ce qui concerne le design et les textiles. C’est un témoignage intéressant sur le renouvellement de la création et sur la liberté accordée aux créateurs qui doivent renouveler les décors de l’Etat.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

William Morris and the Arts and Crafts home est un magnifique ouvrage consacré au travail complet de Wiliam Morris et à ses idées. De très nombreuses reproductions permettent de bien aborder et comprendre le style du mouvement Arts and Crafts dans toute sa diversité et sa complémentarité : mobilier, textile, papier peint…

Trop novateurs pour être appréciés à l'époque par tous les contemporains, les meubles 'Art Nouveau' sont pourtant remarquables. On ne peut qu'admirer leurs qualités diverses : recherche de commodité pour s'adapter à la vie moderne, esthétique étonnante d'invention. Les ébénistes 1900 ont su rendre vie au bois, dont ils exaltent la beauté. La perfection technique associée à la poésie de l'inspiration séduit chaque jour de nouveaux amateurs tant en France qu'à l'étranger.

Combinant de nobles matériaux, un savoir-faire et de l'inspiration, les très belles pièces présentées dans ce livre proviennent de la plus importante collection privée du style Art Nouveau. Des objets variés : peintures, vases, cheminées … signés par les grands maîtres tels que Gallé, Majorelle, Decorchement, Lalique, Mucha, Cross. Avec un historique de la collection.

Cette publication livre un premier aperçu vaste et complet du développement du mouvement Art Nouveau - Jugendstil en Bavière, à Nüremberg au début du 20e siècle, entre art et production industrielle. Plus de 250 objets offrent un aperçu du développement du mouvement Art Nouveau - Jugendstil dans les arts appliqués à Nuremberg. Le style Art Nouveau de Nuremberg est multiple dans l’emploi des matériaux et dans ses décors. Cet ouvrage aborde des sujets aussi variés que le travail des métaux, du bois, de l’ivoire, des bijoux, des textiles et de la céramique. 18 monographies d'entreprises montrent la diversité des produits réalisés à Nuremberg et au niveau international. Ouvrage recommandé à tous les amateurs de la période Art Nouveau - Jugendstil.

In 1902 the magazine ‘Documents of Modern Applied Arts’ was introduced for the first time. It was published until 1908, comprising five series divided by content, without exception in lavish quality and with numerous splendid illustrations. Because of the small circle of subscribers the ‘Documents’ remained widely unknown until today. However, they are a unique art nouveau resource, presenting famous as well as less well-known designers and manufacturers, and furthermore presenting unknown works by famous artists.
This new edition finally makes this work accessible. Around 1,200 illustrations present more than 1,500 individual artistic items from the German and international art nouveau era in a new constellation: furniture, metal, glass, ceramics, jewellery as well as textile, poster and book art. An index comprising artists’ biographies and company histories now enables easy reference: targeted searches, finding and identification of objects.
The editor and author was Heinrich Pudor (1865–1943), known today only as a national literary man and publicist. His ‘Documents of Modern Applied Arts’ are however characterised by thorough evaluations and an ideological neutrality. Heinrich Pudor’s comprehensive journalistic and social activities around the turn of the century comprised nudism, vegetarianism, nutritional physiology, social and cultural policies, sexual science, the history of music, and theories about the history of language and prehistory.
This new edition of the ’Documents of Modern Applied Arts‘ provides an indispensable standard reference work for all those interested in art nouveau. The wide choice of illustrations and texts, which encompass otherwise undocumented designers and creators as well as unknown works by famous artists, make this publication an essential resource for art nouveau applied arts.
 

Catalogue qui accompagne l’exposition qui se tient à Bordeaux (octobre 2008 – mars 2009). Chaque auteur apporte sa contribution pour mettre en évidence la grande effervescence artistique de cette période autour de personnages clé tels que le céramiste René Buthaud ou le peintre Jean Dupas.

Ouvrage à paraître

Ferronnerie en façade et au salon et Karin Blanc invitent à découvrir et redécouvrir l’usage de la ferronnerie aussi bien en intérieur qu’en extérieur. À la fin du XIX° siècle, le ferronnier Émile Robert prône le fer forgé, an lieu de la fonte, pour la ferronnerie d'architecture et d'art. La trentaine de ferronniers, des périodes Art nouveau et Art Déco, présentés dans cet ouvrage, sont ses disciples. Face aux importantes entreprises comme celles d'Edgar Brandt ou de Raymond Subes, les sociétés ayant seulement une vingtaine d'ouvriers produisent des œuvres tout aussi intéressantes.
Pendant une période brève mais intense d'une soixantaine d'années, traversée par les Expositions universelles et internationales de 1925, 1931 et 1937, ces artistes produisent des grilles, des rampes d'escalier, des portes d'ascenseurs, la décoration extérieure et intérieure des pavillons des Expositions ainsi que des objets de toutes formes et de toutes tailles pour les intérieurs privés.
Malgré les destructions et les disparitions, il reste de nombreuses œuvres pour évoquer cet art du métal et espérer que d'autres recherches sur ce thème suivront.
L’auteur, Karin Blanc, a dirigé pendant plusieurs années le bureau européen de la Fondation J. Paul Getty. Karin Blanc s'est également occupée de photographie pour le Centre culturel américain à Paris et a été attaché culturel de l'ambassade de France à Stockholm. Ferronnerie en façade et au salon témoigne des recherches techniques et artistiques du début du XXe siècle.
 

Cet ouvrage fait redécouvrir le mouvement moderne à Paris entre les deux guerres à travers les archives Bonney. Thérèse Bonney a photographié l'architecture et les intérieurs, les arts appliqués et la mode, dans les demeures privées, les salons et les expositions. Elle s'est intéressée aux vitrines et aux étalages, à la publicité et à l'art graphique, aux théâtres, aux restaurants, aux boîtes de nuit et aux bars. Les légendes de ses photos constituent un véritable catalogue des célébrités de l'Art Déco.

Articulé autour des ébénistes majeurs (Arbus, Alet, Soutiras, Rivière, Desclaux, Rigal, Gazelles, Fauré), cet ouvrage consacre aussi une large place aux ébénistes secondaires, aux collaborateurs des décorateurs, qu'ils soient sculpteurs ou céramistes. S'appuyant sur la chronologie — le livre s'ouvre avec les précurseurs de la fin du XIX° siècle pour se terminer sur la production des années 1960 —, cette étude propose également en annexe un choix d'écrits d'ébénistes, les signatures et estampilles des décorateurs, ainsi qu'une bibliographie fouillée sur le sujet.

Edifice inutile et irremplaçable, objet inimitable et sans cesse reproduit, la tour Eiffel est un symbole. Symbole d'une ville, d'un pays, mais aussi d'un style : celui de l'ère industrielle, du métal, des croisillons et des rivets, celui d'une architecture de verre et de fer tournée vers le ciel, élancé, graphique. Gustave Eiffel est le représentant majeur de la haute époque du mobilier industriel, le porte drapeau du style industriel qui est sorti des usines pour entrer dans nos maisons. Au XXe siècle : Le Corbusier, Charles Eames, Shigeki Fujisiro ou de manière plus excentrique Paco Rabanne se sont inspirés des constructions métalliques de Gustave Eiffel. Aujourd'hui, bibelots ou reproductions miniatures du XIXe siècle sont vendus aux enchères, tout comme les tronçons de l'escalier hélicoïdal, acheté par des designers qui en font des tables et des chaises très recherchées. Le style Eiffel est donc entré dans nos intérieurs par les meubles qui les habillent mais aussi par l'architecture : piliers métalliques et verrières définissent un nouvel art d'habiter qui, tout en s'inscrivant dans la génération des lofts recherche des lieux authentiques. Si le symbole de la tour Eiffel existe depuis des générations, le style est né.

Ce livre retrace l'étonnante aventure du mobilier du XX° siècle, depuis les virtuosités de l'Art Nouveau jusqu'au design des années cinquante. Il offre un vaste panorama sur l'ensemble de ces objets mobiliers créations d'auteur ou productions en série qui suscitent depuis quelque temps déjà l'intérêt des antiquaires et des amateurs de ventes aux enchères. Les auteurs se sont donnés pour tâche de mettre en lumière les qualités plastiques de ces meubles contemporains, d'analyser leurs formes et leurs styles, de les situer dans l'histoire des arts et des partis pris esthétiques. Car, indéniablement, le meuble est lié à la multiplicité des goûts, des identités nationales, des aspirations sociales et des grandes innovations technologiques. Il y a les guéridons et les dressoirs de l'Art Nouveau, aux lignes voluptueuses et insolites, inspirées de la nature et du monde végétal. Il y a les coiffeuses et les fauteuils Art Déco aux matériaux précieux et aux géométries stylisées. Il y a enfin les modules fonctionnels, sobres et rigoureux, conçus par les designers internationaux. Les auteurs ont porté leur attention sur la facture et les matériaux de ces différents meubles. Ils se sont attachés aussi au contexte historique et à l'environnement culturel, aux débats et aux polémiques, aux moyens de diffusion, aux revues d'art ainsi qu'aux expositions internationales des premières décennies du siècle. La richesse de la documentation et de l'iconographie illustre l'ampleur et l'effervescence de la création. Il est vrai qu'à l'aube du troisième millénaire, les technologies nouvelles ont apporté aux concepteurs des idées et des solutions inédites qui leur auront permis de renouveler le goût et de répondre aux exigences fluctuantes d'une société en pleine mutation.

Cet ouvrage bilingue propose le référencement et la cotation des grands classiques du design des années 50, 60 et 70. Plus de 1.800 Références. Vous trouverez dans cette édition 2010/2011 de “La Cote du Design”, non seulement les références actualisées des éditions 2004, 2007 et 2009 mais aussi et surtout de nouvelles références de créateurs déjà cités et de nouveaux venus. C’est ainsi que vous découvrirez de petits objets apparemment anodins mais signés de noms prestigieux. Les cotes pour les objets toujours édités aujourd'hui, sont données pour des produits d'occasion en état d'usage.

' LA COTE DU DESIGN 1980.1990.2000 ' rédigée par Jean Michel Homo est un ouvrage bilingue (français-anglais) qui offre aux collectionneurs et amateurs de design le référencement et la cotation des grands classiques du design des années 80, 90 et 2000. 500 références de créateurs des années 1980 à 2000 sont proposées. De nombreuses productions à découvrir ou redécouvrir avec un regard neuf. Information pour les collectionneurs, les cotes sont données pour des produits d'occasion en état d'usage.

Architecture, mobilier, décoration, mode, automobile, théâtre, musique, littérature… Chronologie détaillée.

Prévue en 1911, l'Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes n'aura lieu à Paris qu'en 1925 en raison de la situation politique tendue et de la Grande Guerre. Pensée comme une exposition d'avant-garde, elle sera finalement une manifestation bilan de l'évolution des arts décoratifs au cours du premier quart du XXe siècle. Aux tendances internationales de l'Art nouveau, les années 1910-1920 opposent un retour à la tradition nationale tout en s'inspirant des mouvements artistiques contemporains : la couleur orientale des Ballets russes, les formes esthétiques de l'art nègre, du cubisme et du suprématisme. L'Exposition de 1925 se fera le reflet des nombreuses tendances de l'époque : celle des contemporains qui se nourrissent de la tradition du bel ouvrage d'ébénisterie destiné à une élite Ruhlmann, Groult, Süe et Mare, celle des modernes qui transposent leur environnement quotidien Chareau, Dunand, et enfin celle des novateurs qui réfléchissent sur leur rôle social et utilisent les nouvelles possibilités techniques, annonçant ainsi la création de l'Union des Artistes Modernes en 1929. Les ouvrages de la collection ' Le mobilier français placée sous la direction de Claude Paule Wiegandt, ont été confiés à des auteurs dont la formation et les fonctions au sein des musées les ont amenés à se spécialiser dans ce domaine. Chaque ouvrage replace les meubles dans leur époque, évoque le cadre pour lequel ils avaient été conçus, étudie leur mode de fabrication ainsi que les influences venues d'ailleurs.

Redécouverte de la décennie des années 20 par la photographie : architecture, expo. 1925, mobilier & décoration, mode, automobile, graphisme, théâtre, ballets, musique, variétés, cinéma, littérature, photographie.

In 1920s Paris a new style was born.Turning his back on the curves and embellishments of Art Nouveau and Art Deco, iconic interior decorator Jean-Michel Frank allied the linear proportions of late eighteenth-century furniture to a twentieth-century perception, paring down superfluous detail to the essence of classic modernism. In order that nothing distract from the elegance of such a concept, Frank insisted on sparsely furnished interiors and the perfect finish of walls, denuded of floral mouldings, their plaster polished to a pale sheen or panelled in vellum or fine woods. On those walls he would have preferred nothing to be hung, conceding a Picasso or two, at most.
This new style would have been the first manifestation of minimalism and classic modernism had Frank's ideas not been advocated and practised, long before, by the woman to whom he said he owed more or less everything he knew. This 'Lady from Chile' as Cecil Beaton called her, was Eugenia Errâzuriz, early patron and lifelong friend of Picasso and Stravinsky, who both greatly admired her taste. As did John Singer Sargent, who said: 'I have never known anyone with the unfailing, uncanny taste of this woman.Whether in art, music, literature or interior decoration she sees, hears, feels, smells the real value, the real beauty.'
From Eugenia Errâzuriz, Frank learned to appreciate the gracefully balanced work of Louis XVI cabinet-makers, inspiring him to create modern design that did not plagiarise but elevated the originals. Also from her, he learned to eliminate excessive furnishings and to accentuate the senne of quiet luxury that well-finished wall surfaces can bring to a space.The colour brown had dominated for too long.VVith Errâzuriz, white took on its real value. She was the genesis of the style; Frank was its designer.
 

En 1930, le mobilier français est marqué soit par la pérennité classique, soit par le fonctionnalisme lié à la production en série. Après la guerre, la création oscille entre les modèles produits en grande quantité et les pièces uniques enracinées dans la grande tradition de l'ébénisterie du XVIII° siècle. Il s'agit des commandes du Mobilier National, de l'ameublement des paquebots et de quelques commandes émanant d'une clientèle aisée qui accepte de marier l'ancien et le moderne.

Editée il y a plus de 20 ans, Les Années 30 d’Anne Bony, connurent dès leur parution un vif succès éditorial et créèrent un réel phénomène de mode. Epuisées depuis 13 ans et constamment demandées, il été impossible de résister à cette réimpression en tout point semblable à la première si ce n’est qu’elle se présente en un seul volume sous coffret au lieu de deux. Les décennies sont rarement exactes au rendez-vous de l’Histoire et cachent souvent leur âge. Les années 30 s’inaugurent quant à elles avec ponctualité le vendredi 24 octobre 1929 alors que ferme la bourse de Wall Street et s’évanouissent le 3 septembre 1939 lors de la déclaration de guerre à l’Allemagne par la France et le Royaume-Uni. L’art en découd avec la réalité. La figuration creuse son sillon, les avant-gardes s’éclipsent et l’abstraction s’affirme. La musique s’étonne de l’atonalité en se marginalisant encore davantage. Au théâtre de boulevard, la société s’amuse de son propre spectacle, mais la création est ailleurs à Paris, Berlin ou Moscou pour quelques années encore. Le monde se fonde sur l’aléatoire alors que les architectes construisent pour l’éternité, et si l’époque cherche sa voix dans une incroyable cacophonie, le cinéma trouve la sienne dans des salles qui sont des temples.

Autour d'Emile Galle et de l'Ecole de Nancy. Verreries, mobilier, ceramiques

Le livre enfin disponible documente l'histoire du design du luminaire Art-Déco. Il montre, en reproductions bibliophiles, quatre œuvres sur carton réalisées par Charles Moreau et qui sont parues dans les plus importantes expositions à Paris : 1925 (les Arts Décoratifs et Industriels Modernes), 1930 ( entre autres le Werkbund allemand) et 1937 ( exposition internationale). Textes originaux et introduction de Raymond Guidot soulignent l'importance de ce développement du Design dans les 12 premières années. Tous les objets montrés sont accompagnés d'une documentation précise concernant le créateur: 144 designers et ateliers (essentiellement en France et en Allemagne), des descriptions d'objets et biographies détaillées d'artistes et de firmes font de ce livre un ouvrage capital sur les luminaires au vingtième siècle.Adnet Jacques et Jean Aeplund E.G. Alix Charlotte Andraud F Arrighi E. Astruc P. Ateliers du Bon Marché (voir Pomone) Baccarat (cristalleries) Bagues Barillet Louis Behne Adolf Bezault Frères Binquet Blanc Charles Boileau et Carrière Boileau et Saulnier-Duval Bonnet Bonvoisin L Bouvier E Brandt Edgar Bunte et Remmler Caillat Robert Capon Champion Georges Chareau Pierre Charles Albert Chaudières Jacques Chazelet (Atelier) Cheuret Albert Chevalier Compagnie des arts français Cottin et fils Damon (Etablissements) Daum Delisle Charles Desny Dilly D.I.M. (Décoration Intérieure Moderne) DJO-Bourgeois Dominique Droz Jacques et Sanlaville C. Ducret Dufrene Maurice Dunaime Dunaime et Corcket Dunand Jean, Etling Edmond Fabre G Fahrenkamp E. Fargette P. Favre Follot Paul Frechet André Gagneau Gagnon Galey Frères Ganeau F. Gate Simon Genet P. et Michon L. Gensoli Maurice Gerfaux Lucien Gigou Granet André Grange et Vallot Granger Groult André Guevrekian G. Guillard Marcel. Heinnigsen Paul Herbst René Herre Richard Herzog Oswald Hirschel – Protach Hold Edward Holophone Jonny et Leverrier Joubert et Petit Jourdain Francis Juget P. Kiss Paul Kohlmann E. Kotarbinski Koula J E. Kunstgewerbeschule Labouret A. Lacroix Boris Lahalle et Levard Lalique René La Maitrise (Ateliers) Laplanche E. Laprade Albert Le Bucheron Lecoq R. Lefevre et Saulnier Leleu Jules Lopienski Frères Maisonnier Mlle Malatre et Tonnelier Mallet-Stevens Robert Mallard, Vallenduck et Dubois. Marciniak A. Mare André Martin E. Martin E.H. Milde et Cie Charles Morand et cie Nics Frères Ort Karl Paul Francis Perzel Jean Poillerat Gilbert Pomone (Ateliers du bon marché) Pottier René, éditeur Preau J. et M. Printz Eugène Prou René Prouve Jean Quibel R. Ravesteyn S. von Remmler (voir Bünte et Remmler) Renaudot Lucie Renon Riphann Wilhelm Risch Hildegard Rosenthal Harry Ruhlmann Jacques-Emile Sabino Salomon André Schenck Edouard Schenck et Fils Schenck Marcel Section suisse Simonet Frères Socard Tony et Jacques Sognot Louis Sontag éditeur Straumer Heinrick Studium (Ateliers des Grands Magasins du Louvre) Stylus (Ateliers) Subes Raymond Sue et Mare (voir Sue Louis et Mare André) Tournon P. Tümpel Wolfgang Venini,Venise Zucker Paul

Le 26 décembre 1895, le marchand d'art Siegfried Bing (1838-1905) ouvre les portes de son magasin parisien, l'Art nouveau. 'Les origines de l'Art nouveau' est davantage qu'une monographie consacrée à Siegfried Bing, à son magasin et à son influence nationale et internationale dans le développement de l'Art nouveau. Cet ouvrage envisage la fusion des beaux-arts et des arts appliqués dans une nouvelle forme stylistique globale, en s'appuyant sur de nombreuses photos d'art inédites à ce jour.

A l'occasion du centenaire de l'Ecole de Nancy, la ville a organisé des manifestations dont une exposition au musée de l'Ecole de Nancy ayant pour thème l'étude de la flore, source d'inspiration des artistes de la dite école. A ce thème sont associés la méthode de travail des artistes et les dessins préparatoires.

Après l'exposition 1897 du verre au palais de Munich - quand l’art nouveau apparu en Allemagne. L’éditeur de Stuttgart Jules Hoffmann Jr a eu l'idée brillante d'assembler les illustrations les plus intéressantes des principaux journaux internationaux de spécialistes (y compris Art et Décoration, l'Art décoratif moderne, revue des arts Décoratifs, la Lorraine de l'artiste, le Magazine of Art, Art journal, The Artist, The studio, The house, De Woning, Tidskrift for Kunstindustri, Magyar Iparmüvészet) et de les publier comme un magazine depuis 1899. Il a également inclus des reproductions des objets exhibés aux salons de Paris, par La Maison Moderne et des galeries Bing d’Art Nouveau, mais également des artistes et des fabricants. L’éditeur a inclus l’ensemble des parutions dans un seul ouvrage, divisé en section sur le métal, la céramique, le verre, le mobilier et les bijoux. Avec plus de 2 500 photos représentant plus de 3500 objets. Chaque objet est présenté avec son designer et le nom du fabriquant. Un index complet présentant plus de 700 biographies d’artistes et de fabricants. Featuring 2,500 photos and with more than 3,500 objects reproduced, this book is a real treasure trove : authentic, mostly unpublished pictures from the heyday of European and American Jugenstil/ Art Nouveau, conveniently structured by material and genre : furniture, metal, glass, ceramics and jewellery. Each object is reproduced with the designer’s and / or maker’s name. A complete index of over 700 biographies of artists and manufactories makes research easy. Wit hits comprehensive, clearly presented pictures, this book is a complete documentation for scholars and an indispensable handbook for dealers, auctioneers, collectors and anyone interested in Jugendstil / Art Nouveau in the applied and decorative arts.

Acteur important de la vie artistique française à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle, Roger Marx (1859-1913) a été un critique d'art pertinent et audacieux. Collectionneur passionné et raffiné, il a également mené une carrière prestigieuse au sein de l'administration des Beaux-Arts. Né à Nancy et enterré dans sa ville natale, Roger Marx a gardé tout au long de sa vie des liens étroits avec la Lorraine. Aussi la Ville de Nancy lui rend-elle hommage à travers une exposition sur deux sites, au musée des Beaux-Arts et au musée de l'École de Nancy. L'événement est original à plusieurs points de vue : en étant consacrée à un critique d'art, l'exposition aborde les œuvres et les artistes par un angle inédit ; en rendant hommage à Roger Marx, dont la devise était ' Rien sans art', elle montre la création la plus novatrice de l'époque, que ce soit pour la peinture, la sculpture, les arts décoratifs, la médaille ou l'estampe. Réalisées en partenariat avec le musée d'Orsay, les expositions de Nancy renouvèlent notre approche des collections nationales et d'une partie des chefs-d’œuvre des années 1880-1914. Le catalogue, sous la direction de Catherine Méneux, doctorante à l'université de Paris-IV Sorbonne et spécialiste de Roger Marx, est un instrument de travail à la fois pour les historiens et les amateurs. Présentant les grandes lignes de l'action et de la vision de Roger Marx, le catalogue propose aux lecteurs de plonger dans l'univers d'un homme de l'art, qui a bataillé pour l'originalité et la reconnaissance des artistes indépendants et novateurs. De façon plus générale, il nous fait revivre une époque, particulièrement riche sur le plan de la création artistique.

Etude consacrée aux grandes expositions universelles du XIX° siècle qui permirent de présenter les révolutions techniques intervenues dans les arts décoratifs, et plus particulièrement dans les domaines de la céramique, de l'ameublement, des horloges, des textiles ou encore des cheminées.

Toutes les facettes de l’Art nouveau sont abordées dans ce catalogue d’exposition. ' JUGENDSTIL im Bayerischen Nationalmuseum München ' invite à découvrir la collection du musée de Munich. Plus de 500 pièces sont présentées à travers de nombreuses reproductions et des textes explicatifs. Michael Koch invite le lecteur à découvrir des pièces d’une grande qualité technique et esthétique. De nombreux arts (mobilier, céramique, bijou…) illustrent les propos de Michael Koch. Un grand nombre d’artistes et de firmes se sont exprimés au sein du mouvement Art nouveau et son représentés dans la collection du musée de Munich : Charles Robert Ashbee | Peter Behrens | Hans Christiansen | Wilhelm Lucas von Cranach | Pierre Adrien Dalpayrat | Daum Frères Verreries de Nancy | Christopher Dresser | August Endell | Lucien Gaillard | Emile Gallé | Léopold Gautrait | Archibald Knox | Max Laeuger | René Lalique | Johann Lötz Witwe, Klostermühle bei Unterreichenstein/West Bohemia | Clément Massier | Koloman Mose | Hermann Obrist | Bernhard Pankok | Bruno Paul | Michael Powolny | Richard Riemerschmid | Rörstrand Aktie Bolag, Stockholm | François Eugène Rousseau | Franz von Stuck | Louis Comfort Tiffany | Henry van de Velde | Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk, Munich | Heinrich Vogeler | Josef Wackerle | Philippe Wolfers.

„Die Jugend der Moderne Art Nouveau und Jugendstil Meisterwerke aus Münchner Privatbesitz“ répertorie les œuvres Art Nouveau conservées dans les collections privées de Munich. Cette étude exhaustive comprend une reproduction de qualité de chaque pièce, puis en fin d’ouvrage un catalogue reprenant une notice pour chaque pièce. Chacune des 355 pièces est ainsi étudiée en détail. Les œuvres sont présentées en fonction de leur pays de création. Mobilier, verre, métal, illustrations, affiches sont autant de domaines et de matériaux qui ont servi de mode d’expression au mouvement Art Nouveau. Cette étude coïncide avec la présentation de toutes ces pièces au musée de Munich. Publication pour la première fois d’œuvres jusqu’alors jamais présentées ni étudiées. En fin d’ouvrage, une notice biographique est consacrée à chaque artiste ou manufacture en activité durant cette période. Un index permet à chacun d’effectuer des recherches au sein de l’étude. „Die Jugend der Moderne Art Nouveau und Jugendstil Meisterwerke aus Münchner Privatbesitz“ est un magnifique ouvrage très agréable à consulter de par la qualité de ses reproductions et des différentes notes et notices rédigées par les auteurs : Margot Th. Brandlhuber, Graham Dry, Martin Eidelberg et Alfred Ziffer. Tous ces trésors témoignent d’un art d’une grande richesse artistique.

"Art Nouveau" est un magnifique ouvrage consacré à la période Art Nouveau. Norbert Wolf rassemble de très nombreuses repoductions faisant appel à différents domaines artistiques et différents pays afin de mettre en évidence l'aspect mondial et total de ce mouvement artistique. De nombreux thèmes à décourir et redécouvrir dans cet ouvrage.

Jules Cayette naît en 1882 à Paris d'un père lorrain. Arrivé à Nancy en 1888, il est élève puis membre de l'École de Nancy aux côtés des grands noms qui participèrent à ce courant artistique : Prouvé, Vallin, Grüber, Daum, Walter. Cayette s'installe à son compte en 1910 et commence immédiatement une carrière très riche, auréolée de gloire. Il explore tous les domaines : bois, bronze, cuir, ferronnerie, luminaire, ameublement, etc. Loin d'être figé dans un style, il chemine dès les années 1920 vers l'Art Décoratif et poursuit ses créations en perpétuelle évolution jusqu'à sa mort en 1953. Sa production, de grande qualité, est diversifiée. Cayette crée du mobilier : sièges, lits, armoires, vitrines, lustres, tapis, ou de nombreux éléments décoratifs pour des immeubles : ferronneries, portails..., le tout destiné à de riches particuliers, des commerces, des édifices publics ou religieux. Contrairement à celle d'autres artistes de cette époque, sa production ne fut jamais industrialisée. De nombreux témoignages sont toujours visibles en Lorraine, surtout à Nancy.

Art nouveau, Modern Style, Jugendstil, style Sécession, style Liberty : toutes ces appellations, parmi bien d'autres, désignent le mouvement qui, au tournant du XIXe et du XXe siècle, transforme et « modernise » le goût esthétique dominant. Le mouvement, qui est représenté dans toute l'Europe, inspire un style floral et linéaire, fortement décoratif, qui envahit non seulement les arts figuratifs, mais aussi toute la vie quotidienne : des arts graphiques au mobilier et à la décoration intérieure, de l'orfèvrerie à la céramique, de l'architecture au design industriel, et jusqu'aux objets les plus ordinaires. De l'Art nouveau, ce livre propose un parcours à travers les techniques et les matériaux. Un point de vue original, qui s'appuie sur la force des images et une sélection d'objets et d'artistes moins connus, mais souvent surprenants. Au fil des chapitres, le lecteur découvrira comment les artistes artisans de l'Art nouveau sont parvenus à traduire dans les matériaux les plus variés les formes élégantes et dynamiques de la nature.

Le temps semble venu de dresser un premier panorama des arts décoratifs des années 40. Une pléiade de décorateurs, de dessinateurs de meubles, de créateurs de luminaires, de céramistes, restent à découvrir. Les auteurs analysent le climat esthétique de cette période et les carrières contrastées de 21 décorateurs.

Art, théâtre, musique, variétés, cinéma, littérature, architecture, mobilier, photographie, mode, bijoux, automobile...

Après les périodes cubiste et Art Déco, les années 30 et leur engagement moderne, les années 40 offrent un inventif retour au décor empreint de styles néo-classiques, de style Louis XVI, retour au rustique, au style rocaille. De grands noms marquent ainsi une haute tradition d'ébénisterie. Une abondante iconographie composée d'images d'archives et de photographies contemporaines en couleur apporte un éclairage nouveau sur cette période transitoire, aussi bien en Europe qu'aux Etats-Unis.

Un grand moment de l'art français ; les maîtres du mobilier ; le décor des paquebots ; le meuble art déco dans les musées. Nouvelle version du 'Mobilier Art Déco' édition réactualisée et complétée. Par Pierre Kellberg bien connu pour ses autres livres aux éditions de l'Amateur sur le XX°: Le mobilier du XX° siècle, Dictionnaire des créateurs - les Bronzes du XIX° siècle Dictionnaire des sculpteurs - La pendule française du moyen-age au XX° siécle

De l'inventivité de l'école Martine fondée par Paul Poiret aux œuvres de Sonia Delaunay, d'Eileen Gray et de Jean Lurçat en France, en passant par la tradition folklorique scandinave de Märta Maas-Fjetterström, les créations innovantes des Américains Franck Lloyd Wright, Donald Deskey, ou encore les tapis tissés main de Gunta Stölzl en Allemagne, sans oublier les tissages en édition limitée réalisés d'aprés les oeuvres des grands maîtres du XX° siècles comme Picasso, Matisse, Klee ou Miro, ce livre montre la vitalité de la création du tapis moderne. Les biographies d'artistes, de fabricants et d'éditeurs, les signatures et les monogrammes ainsi qu'un glossaire font de ce livre, magnifiquement illustré de photographies d'époque et contemporaines, un ouvrage de référence.

Ni mouvement ni courant esthétique, l’Art déco est un état d’esprit, l’expression d’une volonté momentanée de définir le style d’une époque qui marque la France des années 1920. Préfigurant le futur, il apparaît comme le symptôme d’une modernité en mouvement, attaché en particulier aux arts décoratifs et industriels. Apparaissant à la suite des avancées plastiques du début du siècle – et en particulier le cubisme –, auxquelles il doit beaucoup, et à l’instar des deux décennies qui le précèdent, l’Art déco valorise le changement, tout en s’affirmant contre la modernité et les modernistes en particulier, contre le dogmatisme, la normalisation, le positionnement idéologique. Son principal mérite sera d’avoir suscité une prodigieuse fécondité de la création dans les domaines des arts visuels, avec une ampleur universelle. Ce livre ne prétend pas être un ouvrage théorique sur l’Art déco. Il tient en particulier à rendre hommage aux jeunes antiquaires qui, à l’orée des années 1970, l’ont redécouvert, soutenu et défendu avec une détermination formidable, en l’imposant sur le marché de l’antiquité. Nous regarderons ces oeuvres pour leur valeur esthétique, qui fut si difficile à imposer aux yeux des collectionneurs et des simples amateurs. Elles sont aujourd’hui l’objet, à l’égal de l’art en général, des jeux spéculatifs qu’anime un marché mondial. José Alvarez

Catalogue de l'exposition qiui c'est tenue au The Minneapolis Institute of Arts de juillet à septembre 1971 consacrée à l'Art Déco dans le monde.  1423 objets exposés et cités dans ce livre de nombreux sont représentés soit en couleur soit en noir et blanc. De trés nombreuses indications sont géénéralement indiquées pour ces objets. Ouvrage en bon état mais sans sa jaquette.

Le style Art Déco, extraordinaire foisonnement d'idées et d'audaces, a succédé aux floraisons lyriques qui, sous le nom d'Art Nouveau ou encore de Modem Style, ont marqué le passage du XIX° siècle au XX° siècle. Sans présumer' de l'avenir, on peut dire qu'il constitue la dernière expression vraiment originale de l'art français avant l'éclectisme et l'internationalisation on dirait aujourd'hui la mondialisation de la seconde moitié du siècle. Cette nouvelle version du Mobilier Art Déco publié pour la première fois en 1981 reprend l'essentiel des textes des éditions précédentes, y compris le chapitre sur les paquebots ajouté en 1990. Toutefois, nombre de notices ont été complétées et d'autres ajoutées concernant des créateurs qui n'y figuraient pas auparavant. L'illustration a fait l'objet d'une réactualisation grâce à l'apport de nombreuses photographies en couleur.

Une vue abondamment illustrée et détaillée du mobilier des années 1950. Crée par des designers réputés tels Charles et Ray Eames, George Nelson, Harry Bertoia, Isamu Noguqcchi et Eero Saarinen, il fut produit par des compagnies comme Herman Miller, Knoll et Heywood-Wekefield. Avec environ 400 photos couleur et photos d'époque et un guide des prix, cet ouvrage est une importante référence pour les collectionneurs.

Cet ouvrage, qui s'appuie sur une documentation considérable – plans, dessins, descriptifs, photographies, correspondances, procès-verbaux du Comité d'études pour la décoration et notes internes –, nous éclaire sur la réflexion des concepteurs confrontés à la volonté du maître d'œuvre, aux contraintes du cahier des charges et aux aspirations d'une clientèle nouvelle. Ainsi, nous voyons se dessiner, entre éclectisme et homogénéité, modernité et conservatisme, l'image d'un paquebot qui propose un style nouveau, dans lequel le métal, remplaçant pour des raisons de poids et de sécurité le bois et le marbre, devient l'élément principal du décor. Armelle Bouchet Mazas inscrit la décoration du France dans la grande tradition artisanale. De la salle de spectacle aux cabines, nous découvrons la multiplicité des intervenants : les maîtres d'avant-guerre néoclassiques ou modernistes André Arbus, Maxime Old, Leleu, Jean Pascaud et Jacques Dumond; les créateurs des années cinquante et soixante Renou et Génisset, Françoise Chimène, Micheline Willemetz; les peintres cartonniers Picart Le Doux, Gromaire et Wogenscky; Max Ingrand pour le travail du verre; Raymond Subes et Robert Pansart pour celui du métal. Au total, 132 artistes, décorateurs, céramistes, peintres et laqueurs, qui contribuent avec une inventivité étonnante à créer le style France. Un style fonctionnaliste, confortable et luxueux, dans lequel l'aluminium et la tapisserie omniprésents se marient au verre, aux laques et aux tissus synthétiques dans des harmonies de couleurs qui inscrivent résolument ce chef-d’œuvre de technique navale dans les années soixante.

Après un catalogue consacré à ' Alain Richard, Luminaires et mobilier 1950-1970 ', la Galerie Pascal Cuisinier présente le travail de l’éditeur : Meubles TV qui dès les années 50 a édité les premiers meubles de jeunes créateurs–designers : Janine Abraham, Gaetan Frontisi, Pierre Guariche, André Monpoix, Pierre Paulin, Alain Richard et André Simard. La présente publication accompagne l’exposition présentée à la galerie (17 avril – 31 mai 2010) mettant ainsi en avant le travail de ces jeunes créateurs alors inconnus. ' Meubles TV. Editeur d’avant-garde 1952-1959 ' retrace l’aventure, dans la période d’après-guerre d’un éditeur de mobilier et du travail de créateurs désireux de modernité stylistique (lignes épurées et rectilignes) et technique (recours à de nouveaux matériaux, production de masse). De très nombreuses reproductions, ainsi que des dessins offrent un aperçu visuel de la variété et de la modernité de ces productions.

La période de l'après-guerre en France est particulièrement féconde dans le domaine des arts décoratifs. Un long travail de recherche, d'identification des objets, de dépouillement d'archives a précédé la rédaction de cet ouvrage qui rassemble créateurs et éditeurs de mobilier, décorateurs, céramistes, orfèvres, créateurs de luminaires, de tissus et papiers peints. Trois cent notices organisées de façon alphabétique présentent ainsi un vaste panorama de la création en France entre 1945 et 1965. Abondamment illustré ce livre étudie le travail de créateurs emblématiques, mais également d'artistes et d'éditeurs moins connus dont les productions ont pourtant marqué cette époque.

Au début des années 60, le mobilier français bénéficie de l'intervention des peintres, des sculpteurs à la création mobilière, et de nouveaux matériaux. Le mobilier des années 80-90, produit industriel ou œuvre d'art artisanale ou manufacturée, présente une grande diversité stylistique.

Le but de ce livre est de faire redécouvrir cette époque par une évocation visuelle complète et précise de toutes les créations : architecture , mobilier, photographie, design industriel, mode, cinéma, art, musique, spectacles, littérature, bande dessinée, automobile... tant en France qu'à l'étranger, et par une restitution de l'atmosphère de la rue et de la vie de tous les jours.

Cet ouvrage présente des meubles et des intérieurs conçus dans les années 60. Il offre un large panorama sur l'ensemble de la création internationale à cette époque. Après la longue période de reconstruction qui a succédé à la guerre, on voit apparaître un nouveau style de vie, l'émergence d'une société de consommation.

Les années 60 et 70 sont indissociables dans l'histoire de la décoration et du mobilier. Elles marquent un tournant radical dans un monde jusqu'alors confiné à des expressions nationales et élitistes. Tout éclate au début des années 60. La mode est à la fois d'inspiration anglo-saxonne, scandinave, italienne et française. Composé d'une longue introduction qui en donne une vision synoptique et de trente-deux monographies qui décrivent ses multiples visages, ce livre rend intelligible une période exceptionnellement créative et révèle à travers une abondante iconographie, souvent inédite, sa formidable richesse esthétique.

Le but de ce livre est de faire redécouvrir cette époque par une évocation visuelle complète et précise de toutes les créations : architecture , mobilier, photographie, design industriel, mode, cinéma, art, musique, spectacles, littérature, bande dessinée, automobile... tant en France qu'à l'étranger, et par une restitution de l'atmosphère de la rue et de la vie de tous les jours.

Cet ouvrage présente des meubles et des intérieurs conçus dans les années 70. Il offre un large panorama sur l'ensemble de la création internationale à cette époque. Après la longue période de reconstruction qui a succédé à la guerre, on voit apparaître un nouveau style de vie, l'émergence d'une société de consommation.

Art, photographie, publicité, médias, théâtre, danse, musique, cinéma, littérature, architecture, design, mode, automobile…

Design-manifeste : Le Design des années 80 propose des manifestes, c’est un design bavard. C’est curieusement au style que le meuble doit sa survie, le design des années 80 pratique le collage et l’humour : Javier Mariscal. Le design anglais est à la croisée des chemins, une culture hybride entre le mouvement punk des années 70 et le mouvement post-moderne des années 80. Singuliers créateurs, Ron Arad, et extravagants Tom Dixon, Dany Lane, Philippe Starck… Hans Hollein L’Allemagne des années 80, propose une conception élargie du design qui remplace la théorie statique du fonctionnalisme et la tradition du Bauhaus. Il est développé sur de nombreux centres de production et de vente. Le groupe Kunstflug, Pentagon, des galeries de design à Berlin, Hambourg, Munich, Cologne… L’invention n’est plus seulement liée à une rupture radicale. Il existe un véritable engouement pour la réédition de mobilier de grands maîtres : Robert Mallet-Stevens, Eileen Gray…

Fondée en 1953 par les frères Borsani, Tecno est bien connu des amateurs de design pour sa chaise longue P40 et son canapé D70 au mécanisme astucieux. Ce livre retrace l’histoire de l’entreprise italienne d’édition de mobilier jusqu’à ces récentes contributions avec entre autres Jean-Michel Wilmotte pour le Louvre et les gares SNCF, Norman Foster pour le Carré d’Art de Nîmes et Jean- François Bodin pour la BPI du Centre Georges Pompidou.

The design, production and cultural path of Tecno has been one of the pillars of the Italian design culture for almost sixty years. Since the company was founded in 1953 by the Borsani twins (Osvaldo, architect, and Fulgenzio, economist), Tecno's production has always been admired with particular interest due to their choice to base their work on a clearly described industrialised organisation, which had evolved from a pre-existing and very productive artisanal activity, the famous “Atelier Varedo” founded in the early 1920s by their father, Gaetano Borsani.
Osvaldo Borsani, designer and deus ex machina of the company’s creative department, chose to focus on the subtle appeal of technical expertise, which intertwined partially with the “can-do spirit” learned during his long apprenticeship in his father’s shop. It was also inseparably linked to his collaboration and friendship with artists like Lucio Fontana and Arnaldo Pomodoro.
During the first heroic phase, from the 1950s through the early 1970s, other important professionals occasionally aligned with the precise and prolific line of action laid out by Osvaldo Borsani’s projects, including architect-designers such as Carlo De Carli, Vico Magistretti, Roberto Mango, Robin Day, Gio Ponti, Mario Bellini, Edoardo Vittoria, Albert Leclerc and Eugenio Gerli. This first glorious generation was followed by others who watched prestigious architects like Norman Foster enter the Tecno collection with the famous Nomos system. Others included Ricardo Bofill, Jean-Michel Wilmotte, Emilio Ambasz, Gae Aulenti, and designers such as Giorgetto Giugiaro, Justus Kolberg, Piero Lissoni and Giancarlo Piretti.

 

Le but de ce livre est de faire redécouvrir cette époque par une évocation visuelle complète et précise de toutes les créations : architecture , mobilier, photographie, design industriel, mode, cinéma, art, musique, spectacles, littérature, bande dessinée, automobile... tant en France qu'à l'étranger, et par une restitution de l'atmosphère de la rue et de la vie de tous les jours.

Pierre Staudenmeyer (1952-2007) a découvert et réuni de 1985, date de la création de la galerie Néotù, à 2007 nombre de créateurs qui comptent aujourd'hui parmi les plus importants designers français, de Martin Szekely à François Bauchet, Kristian Gavoille, Olivier Gagnère, Garouste & Bonetti, pour n'en citer que quelques-uns. Il leur a offert des lieux d'exposition, les a fait connaître sur un plan international et les a édités pendant plus de vingt ans, initiant la naissance d'un design spécifiquement français qui a marqué la fin du xxe siècle. L'un des tout premiers à présenter en France l'oeuvre d'Anglais, Américains et Italiens tels Jasper Morrison, Constantin Boym, Dan Friedman, Ettore Sottsass ou Andrea Branzi, il a également relancé par ses écrits et ses expositions l'intérêt pour la céramique aussi bien des années 50, dont il fut l'un des plus importants collectionneurs, que contemporaine. Cet ouvrage collectif, dirigé par Chloé Braunstein-Kriegel, spécialiste de design et amie de Pierre Staudenmeyer qui a collaboré avec lui à de nombreuses publications, révèle un homme de culture qui, à l'exemple des grands galeristes du XIXe et du XXe siècle, a contribué au renouveau de la création par sa réflexion sur la société dans laquelle il a vécu. Les textes de psychanalyste, conservateurs, critiques, spécialistes de design et de marketing, qui analysent le rôle de Pierre Staudenmeyer, sont mis en rapport avec ceux qu'il a écrits lui-même. Après l'introduction de Chloé Braunstein-Kriegel qui décrit une personnalité brillante et paradoxale, la première partie porte sur les centres d'intérêt qui ont déterminé ses choix : psychanalyse, art, marketing, design, céramique. La deuxième partie traite des lieux et publications qu'il a créés et de leur rôle marquant sur la scène culturelle aussi bien française qu'internationale, des galeries Néotù de Paris et de New York à Mouvements Modernes et de la galerie RE consacrée à l'image et au graphisme à la revue Quelques Hommes. Enfin, les artistes, designers, collectionneurs, marchands ou amis qui l'ont côtoyé dressent autant de portraits d'un personnage aux multiples facettes et d'une exceptionnelle curiosité avec, en regard, ses remarquables textes sur les créateurs. Préfacé par Yvonne Brunhammer, le catalogue des meubles et des objets édités et exposés par Néotù puis Mouvements Modernes, comprenant plus de 900 pièces illustrées, permet de juger de l'importance et de la cohérence d'un travail d'éditeur unique. À travers les passions de ce grand découvreur, marchand et collectionneur qui a su établir des ponts entre des disciplines en apparence étrangères les unes aux autres, saisir l'importance du contexte économique, politique et social dans la création, et dont la culture libre de préjugés a tissé des liens entre les styles, les époques, les domaines artistiques, Les Années Staudenmeyer font revivre un moment unique de l'histoire du design et des arts décoratifs.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Ce livre dresse un panorama richement illustré des tapis produits en France de la fin du XIX° siècle jusqu'à nos jours, et montre combien furent talentueux des créateurs comme Da Silva Bruhas, Benedictus ou Leleu… Il met aussi en lumière l'existence de tendances diverses, voire opposées, depuis l'Art Nouveau jusqu'aux réalisations contemporaines, sans oublier les tapis des grands paquebots des années 30. Cet ouvrage - qui se termine par un répertoire très complet des fabricants et des créateurs - s'intéresse également à l'avenir du tapis d'artiste en France et souligne le renouveau d'une démarche créative privilégiant la qualité et le style face à une mécanisation toujours plus grande de la production.

Ce livre propose de découvrir les chaises allant des plus emblèmatiques du XX° siècle jusqu'aux créations les plus révolutionnaires des jeunes designers, en passant par des œuvres dans lesquelles la chaise se transforme en un véritable objet d'art.

Certains décorateurs furent obligés de s'installer à Paris pour rencontrer une clientèle qu'ils pensaient inaccessible en province. Pourtant à Lyon, la plupart des acteurs de l'art décoratif, furent célèbres et leur renommée dépassa nos frontières. Dans cet ouvrage, l'auteur a voulu montrer que leurs réalisations furent aussi riches, aussi intéressantes et aussi diverses que celles de leurs confrères parisiens;

Un tour d'horizon complet de la chaise de 1808 à 1997. Chaque modèle fait l'objet d'une illustration et d'un texte explicatif, accompagné d'une indication sur le designer et le fabricant.

La collection du Vitra Design Museum, situé à Wiel am Rhein près de Mulhouse et de Bâle, renferme plus de 4000 objets. Véritable conservatoire du design, cet étonnant musée présente par roulement les meubles modernes les plus significatifs de tous les grands créateurs depuis 150 ans.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Les 6 volumes de la collection Décorative Art réeditée par Taschen. Ensemble indissociable. Série en bon état. Attention exemplaire unique.

L’histoire des arts décoratifs pendant la première moitié du vingtième siècle est faite de profondes révolutions et de frappants contrastes d'esprit et de goût. Elle recouvre des réalisations aussi opposées que le mobilier en acier tubulaire du Bauhaus et du Mouvement Moderne dont l'idéal continue d'inspirer le 'design' contemporain et les créations élaborées et individuelles des grands stylistes de l'Art Nouveau. Les constructions raffinées de Gropius et de Marcel Breuer semblent tout aussi éloignées des courbes asymétriques du style Guimard que de l'ornementation surchargée d'une grande partie de l'Art Déco...Les dix dernières années ont vu se raviver l'intérêt porté aux arts décoratifs de la période allant de 1890 à 1940, intérêt qui a donné lieu à un flot de livres et d'articles traitant de divers aspects de l'époque en question. On a vu paraître une quantité innombrable d'ouvrages de référence sur des thèmes spécifiques plutôt confus: ils ne permettent pas, en effet, de saisir dans son ensemble l'évolution changeante de l'histoire des arts décoratifs, ni les phases de transition souvent subtiles d'un style à l'autre. Confus aussi du fait de l'incapacité de certains auteurs à se mettre d'accord sur des questions de terminologie 'Modernisme' chez l'un peut fort bien devenir 'Art Déco' chez l'autre... Le but de la présente encyclopédie est de couvrir en détail toute cette période à partir du double point de vue du style et de la théorie d'une part, et de la fabrication d'autre part. Les textes et les illustrations des chapitres d'introduction définissent clairement les tendances prédominantes autour desquelles l'histoire détaillée de chaque mouvement particulier a évolué. Cet ouvrage a le mérite de nous faire voir enfin l'Art Déco identifié et isolé comme le style exotique et fuyant qu'il était, un chant du cygne particulièrement français à la féminité, au luxe et au raffinement, juste avant l'assaut du style moderniste international...

L'Art nouveau européen, la fascinante ' Ère de Verre ' de la fin du siècle dernier et du début de celui-ci revivent dans ce livre d'art somptueux grâce à plus de 150 reproductions en couleur et quelque 80 illustrations et vignettes en noir et blanc particulièrement évocatrices. Toutes les formes d'expression artistiques et artisanales sont illustrées par un choix de pièces de collection dont certaines n'ont jamais fait l'objet de reproduction : vases, verres et bijoux, céramique et porcelaine,, argent, étain et bronze, meubles et ensembles, arts plastiques et graphiques, peinture. Les influences réciproques de l'Art nouveau et du symbolisme vers 1900 sont étudiées avec précision et à l'aide d'exemples. L'inspiration extrême-orientale est illustrée de manière tout aussi évocatrice ; ainsi, par exemple, l'influence exercée par la technique du pochoir japonais (katagami) sur l'art graphique en noir et blanc en Europe. En annexe se trouvent des notices détaillées sur les techniques les plus employées par les artistes de l'Art nouveau ainsi que des notes biographiques sur les principaux artistes concernés.

20 ans d'Art Nouveau nancéien, 400 œuvres, 45 artistes et industriels d'art au service de la verrerie, de la céramique, de l'ébénesterie et tous les arts décoratifs.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Le travail de centaines de designers, fabricants et associations illustre clairement la révolution dans le mobilier qui s'installa en France depuis l'émergence de l'art Nouveau aux premières manifestations de l'Art Déco de 1895 à 1914. Dans le troisième voulume de 'Paris Salons', les illustrations provenant des catalogues originaux de l'époque sont présentées sous forme de dictionnaire des designers et constitue une source de références .

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Publiés entre 1937 et 1960, les 18 portfolios Ensembles mobiliers constituent un irremplaçable témoignage sur la création décorative française de l'après Art déco. Créés par Charles Moreau, ils tinrent la chronique annuelle des tendances et des nouveautés présentées principalement au Salon des artistes décorateurs et au Salon des arts ménagers. Cette réédition intégrale témoigne de l'extraordinaire vitalité des décorateurs français de cette période. On y redécouvre l'Art déco traditionaliste des Ruhlmann, Groult et Follot, les créations minimalistes des Chareau, Le Corbusier, Perriand, Herbst et Mallet-Stevens, le néoclassicisme d'Arbus, Du Plantier et Poillerat. On y trouve également les fantaisies de Royère, l'élégance des Dupré-Lafon, Drouet et Pascaud, les fabrications en série, souvent issues des ateliers d'art des grands magasins, de Matégot, Guiguichon ou encore les survivants de l'Art déco, Leleu, Dominique, Adnet, Jallot et leurs épigones, Pré, Rinck, Raphaël ou Old. UNIQUEMENT VENDU EN SERIE COMPLETE;

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

En s'appuyant sur des photographies et des illustrations d'époque, ainsi que sur des photographies contemporaines centrées sur un meuble ou un objet, Patricia Bayer dresse dans cet ouvrage un panorama complet de la création d'intérieurs dans les années 1920 et 1930. Elle présente également les vastes programmes de décoration dont firent l'objet, à cette époque, les paquebots, les cinémas, les hôtels, les rerstaurants et les sièges de grandes sociétés.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Bauhaus 1919-1969 catalogue de l'exposition qui s'est tenue au musée d'art moderne de la ville de Paris du 2 avril au 22 juin 1969. Le catalogue est particulièrement dense en reproductions des objets exposés par plusieurs centaines de photographies en noir et blanc et quelques unes en couleur.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Fondé en 1928 par l’architecte Milanais Gio Ponti, domus reste à ce jour le plus important mensuel d’architecture et de design au monde. Superbement mis en page et documenté, le magazine identifie et analyse les différents styles et courants d’une période donnée tels que l’Art déco, le Modern Style, l’Après-guerre, le Pop Art, le post-modernisme, le fonctionnalisme ou le Mouvement moderne. Véritable encyclopédie d’architecture, d’art et de design, cette série de réimpressions, regroupées en 12 volumes chronologiques, reproduit 70 ans des meilleurs articles de domus dans leur état de publication original. Chaque volume est préfacé par l’un des rédacteurs de l’époque, comme Mario Bellini, Lisa Licitra Ponti, Hugo Spinelli, Ettora Sottsas ou Alessandro Mendini. Un index permet de repérer rapidement les informations recherchées et les articles-clefs dont certains ont été traduits (en fin de volume) pour la première fois en anglais, puisque de 1928 à 1945, domus fut publié exclusivement en italien. Certains articles parus en anglais entre 1946 et 1969 ont bénéficié d’une nouvelle traduction, et depuis 1970, un certain nombre d’articles sont bilingues anglais-français. Plus riches que le vrai magazine, les douze volumes de TASCHEN offrent des légendes en bas de page et une mine de références consultables en un simple clic de souris grâce au CD-Rom qui les accompagne en version anglaise.

Livre identique à l'autre version, seul la couverture est différente.

Meubles modernes présente les tendances les plus actuelles, mais également les évolutions et les créations qui ont marqué le design de meubles des 150 dernières années. Des grands classiques du design et des pièces contemporaines côtoient des objets plus ordinaires, des produits de série comme des créations originales ou d'avant-garde. Starting with the latest trends, Modem Furniture presents the most important developments in furniture design over the past 150 years. Beside the highlights, both classics and newcomers, this publication showcases unusual, well-known, mass-produced as well as avant-garde objects. Moderne meubels stelt de laatste trends, de belangrijkste ontwikkelingen en diverse mijlpalen voor op het gebied van meubeldesign van de afgelopen 150 jaar. Naast bekende ontwerpen, klassiekers, nieuwelingen en unicaten toont dit boek ook alledaagse, avant-gardistische en seriemeubels.

L'exposition de 1925 se fera le reflet des nombreuses tendances de l'époque : celles des contemporains qui se nourrissent de la tradition du bel ouvrage d'ébénisterie destiné à une élite -Ruhlmann, Groult, Süe et Mare - , et enfin celle des novateurs qui réfléchissent sur leur rôle social et utilisent les nouvelles possibilités techniques, annonçant ainsi la création de l'Union des Artistes Modernes en 1929.

Au cours des deux premières décennies du 20' siècle, l'ornementation chargée de la fin du siècle précédent céda la place aux concepts de simplicité, d'utilité et de beauté. Les annuaires des années 1900 & 1910 de Decorative Art réédités par Taschen retracent cette transition esthétique de l'ère victorienne aux temps modernes, offrant une fascinante visite guidée de cette période qui vit l'émergence du Modernisme dans les arts décoratifs.

Ce livre est un reprint d'un livre italien très rare publié en 1930. Le livre débute par un chapitre sur l'architecture. On y trouve les réalisations les plus innovantes et les plus remarquables de cette période. Les architectes y figurent nombreux et pas seulement les plus connus comme Garnier, Gropius, Saarineen, Behrens, Hoffmann, Gio Ponti mais aussi tous ceux qui ont participé à cette période dans la réalisation de parcs, ou de villas. La décoration intérieure des bâtiments privés ou publics est également mise à l'honneur avec les nombreuses illustrations des créateurs comme Ruhlmann, Süe et Mare et Emilio Lancia. Certains de ces meubles ont été produits industriellement et on pouvait les trouver déjà aux Galeries Lafayette et d'autres grandes enseignes. Les objets en métal, qu'ils soient luminaires, services à thé ou à café et bien d'autres créations des designers comme Cartier, Hoffmann. Edgar Brandt ont aussi une place de choix dans cet ouvrage. Suivent les arts du feu avec la céramique, le verre et les œuvres de tous les grands courants de la création européenne des années 20. Les tissus, broderies, papiers peints et papiers cuirs sont également représentés dans un chapitre important. 117 photos d’architecture, 161 photos sur la décoration intérieure et l’ameublement, 138 photos sur les objets en métal, 144 photos sur la céramique, 110 photos sur le verre et le cristal, 133 photos sur les tissus, et décorations murales.

Les années folles furent marquées par l'apparition de nouveaux matériaux et de formes inédites en architecture et en design. Si l'Art Déco a largement dominé le style des années 20, un autre mouvement, le Modernisme, commença à s'imposer à la fin de la décennie. De l'esprit du Jazz Age à la simplicité dépouillée des premières 'machines à habiter' de Le Corbusier, les annuaires des années 20 de Decorative Art réédités par Taschen offrent un fabuleux panorama des innovations avant-gardistes en matière de décoration d'intérieur et d'architecture tout au long de la décennie la plus enivrante du 20e siècle.

Une volée de cloches annonce, de village en village, la fin de la guerre. L'Armistice est signé. Un carnage absurde prend fin. Commencent alors les Années folles. Des années excessives où l'on s'ingénie à rattraper le temps perdu, où l'on s'enivre de danses et de cocktails sur les rythmes syncopés du jazz naissant, où l'on préfère le music-hall à l'opéra et le cinéma au théâtre. C'est le temps de la Revue nègre et de Joséphine Baker, de Charlot et de Rudolph Valentino. C'est le temps du Charleston. Cheveux courts et genoux dénudés, les femmes entendent vivre à leur guise, pratiquent le sport et conduisent désormais elles-mêmes. André Citroën se prend pour le Ford français et fait produire les premières voitures à la chaîne. C'est aussi l'époque des Bugatti longues comme des paquebots, des paquebots décorés comme des palaces et des palaces transformés en dancings. En ces temps inflationnistes, l'argent brûle les doigts de toute une société enrichie, qui fait des affaires, éperdue de luxe et de distractions. Se voulant ' moderne ' elle fait le succès d'un nouveau style que consacre, en 1925, la fastueuse Exposition des arts décoratifs. Volontiers snob, le gratin s'entiche des peintres de Montparnasse (et des bistrots qu'ils fréquentent), fait fête à un cubisme vieux de quinze ans, frémit aux provocations de Dada et des surréalistes, mais ignore Mondrian qui au même moment travaille dans l'anonymat. L'homme de la rue ne partage pas ce luxe, mais vit plus modestement une civilisation qui n'est pas que de loisirs. Il profite pourtant d'un rythme de vie qui fait croire à la prospérité. Temps heureux ? Peut-être. Temps turbulents sûrement. Un temps où se côtoient sans vergogne un luxe que l'on croirait nostalgique des fastes du XVIII° siècle et les prémices d'une ' modernité ' placée sous le signe du fonctionnalisme qui aura, par la suite, la destinée que l'on sait. De cette époque riche et contradictoire, ce livre a essayé de brosser le portrait. Un portrait qui ne se veut pas forcément critique. Ce serait plutôt comme un livre de souvenirs que l'on feuillette. Un livre qui voudrait que ceux qui ont vécu ces années 20 puissent dire : ' C'était bien ça '.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Les différents aspects du travail à la Bauhaus de Weimar sont présentés dans cet ouvrage comprenant environ 400 illustrations. Le livre ne montre pas seulement les travaux des différents professeurs de la Bauhaus tel que Gropius, Itten, Schlemmer, Feninger, Moholy-Nagy, Klee and Kandinsky mais aussi les principales réalisations des étudiants, ainsi que le cours d’introduction de Itten et de nombreux design : Objet en métal de Brand et Wagenfeld, mobilier de Breuer et Dieckmann, ceramiques de Bogler et Linding, textiles pas Stölzl et OtteKoch etc.

Le musée de Boulogne-Billancourt possède une magnifique collection d'œuvres d'art des années 30. Dans le domaine des beaux-arts et des arts décoratifs, cette collection incite à la redécouverte de l'art figuratif, pour les peintres et les sculpteurs, entre autres. La photographie, le mobilier et l'architecture de l'époque nous ont laissé également de riches témoignages. Ces chefs d'oeuvre présentent les grandes lignes de la collection, commentées par les conservateurs du musée.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Les années 30 et 40 virent la transition d'un Modernisme pur et dur à un style plus nuancé et organique qui lui était directement apparenté. Le Mouvement Moderne continua à régner en maître tout au long des années 30, sous l'égide de Le Corbusier et de Richard Neutra, tandis que le minimalisme austère moderniste et le recours aux matériaux industriels devinrent largement répandus. Toutefois, dans les années 40, sa froideur originelle commença à céder le pas à des caractères plus humains et chaleureux, illustrés au mieux par le travail de Charles Eames et d'Alvar Aalto. Les annuaires des années 30 et 40 de Decorative Art, réédités par TASCHEN, constituent un ouvrage de référence indispensable pour toux ceux qui s'intéressent à cette période.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Ce livre ouvre aux lecteurs la porte sur un choix de chefs-d'oeuvre de la collection Neumann, montrant comment des mouvements historiquement disparates peuvent former un ensemble cohérent et créatif. Elle montre les liens entre la peinture préraphaélite et symboliste et les maîtres artisans de l'Art Nouveau, dans des domaines aussi variés que la céramique, le verre, la sculpture, le meuble et le bijou. La collection Neumann comprend des peintures de Burne-Jones, Gustave Moreau, Fernand Khnopff, Munch, Mucha Segantini et Hodler et les maîtres-artisans de l'Art Nouveau tels que Gallé. Daum, Tiffany, Loetz, et le sculpteur Barlach.

A l'approche du XX° siècle et sous l'impulsion décisive de nombreux artistes, notamment Emile Gallé, l'Ecole de Nancy connaît un développement exceptionnel. Verrerie, mobilier, vitail, céramique, etc… participent à ce vaste mouvement de rénovation des arts décoratifs. Situé dans l'ancienne propriété d'Eugénie Corbin, le musée de l'Ecole de Nancy est installé dans un cadre architectural contemporain où meubles et objets d'art exposés recréent l'atmosphère si particulière de cette époque.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

A l’occasion du 150e anniversaire de sa naissance, voici le premier livre sur le designer et architecte William Arthur Smith Benson. Proche du mouvement Arts and Craft, ce créateur moderniste fut un pionnier de l’éclairage électrique, mêlant innovation technique et style décoratif original.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

L’essentiel de l'ouvrage est consacré aux grands créateurs de l'époque, parmi lesquels Gallé, Mackintosh, Tiffany ou Mucha, dont. il présente les œuvres marquantes, meubles, verrerie, céramiques, bijoux, argenterie, sculptures ou affiches. On y découvre aussi des fabriques et des artisans européens et américains. Près de mille objets illustrent les lignes sinueuses et motifs géométriques qui ont tour à tour incarné l’Art nouveau. Ils sont accompagnés d'une légende expliquant ce qui fait leur valeur, ainsi que d'une indication claire de leur estimation et de leurs dimensions. Les pièces les plus significatives bénéficient d'un encadré 'œil du chineur '. Un glossaire et un carnet d'adresses complètent cet ouvrage.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Un panorama ainsi qu'un guide magnifiquement illustré des oeuvres marquantes du mouvement qui fut une passerelle entre le XIXe et le XXe siècle. Cet ouvrage, magnifiquement illustré, nous entraîne sur les traces d'artistes célèbres parmi lesquels Émile Gallé, Aubrey Beardsley, Victor Horta, Antoni Gaudi, Gustav Klimt, Alphons Mucha, Charles Rennie Mackintosh, Louis Comfort Tiffany entre autres.

Bien peu de périodes, dans toute l'histoire des arts décoratifs, ont été aussi riches et aussi denses que les années qui, jusqu'à nos jours, ont suivi la seconde guerre mondiale. Ces quatre dernières décennies, en saluant l'apparition successive de nouveaux types de personnages, de nouveaux sons, de nouvelles idéologies, et de nouvelles approches de la beauté, en même temps que d'un nouveau marché celui des jeunes et des classes dites moyennes, se déploient, sur un fond de rock et de néon, dans un désordre foisonnant, d'où se dégagent d'innombrables tendances plus ou moins identifiables, encore que les chevauchements, les évolutions parallèles et parfois contradictoires et le fil ininterrompu de certaines influences risquent d'en déformer l'essence profonde si l'on s'efforce de les réduire à des catégories trop rigides. Si l'influence des grands classiques du Mouvement Moderne caractérise d'abord l'immédiat après-guerre, de multiples révolutions de style, étroitement liées aux bouleversements sociaux, technologiques et économiques, aussi bien qu'à l'évolution des normes esthétiques, ont marqué, depuis, tous les domaines des arts appliqués, du mobilier à la céramique, et de la joaillerie à la photographie, et contribué à façonner le visage changeant de notre temps. Tandis que l'introduction de procédures techniques industrielles, souvent liées à la découverte et à l'emploi des matières plastiques, répandait le 'bon' design dans un très large public, stimulé par la prolifération des magazines spécialisés, le décorateur 'exclusif' conservait tout son prestige, continuant de produire pour une clientèle de marque des objets coûteux et raffinés.

Cet ouvrage expose d'abord l'épanouissement remarquable de l'Art Déco en France et dans l'ensemble de l'Europe. La seconde partie souligne les réactions des défenseurs de la modernité contre les 'artistes décorateurs'. A côté de ces inestimables références, l'ouvrage offre des informations sur les artistes, les fabricants et les marchands, sur les signatures et les monogrammes, ainsi qu'un glossaire, une bibliographie, et présente les galeries et les marchands contemporains.

Le terme Art Déco, utilisé dès les années 1960, fait référence à la grande Exposition Internationale des Arts Décoratifs qui eut lieu en 1925. L'auteur présente dans cet ouvrage 85 créateurs de mobilier français, qui peuvent être divisés en trois groupes : les traditionalistes, les modernistes et les individualistes, et dresse un panorama complet du mobilier Art déco dans les années 20 et 30.

En s'appuyant sur des photographies et des illustrations de l'époque, complétées par des photographies modernes pour isoler un objet ou un meuble particulier, Patricia Bayer dresse ici un panorama de la création d'intérieurs dans les années 1920 et 1930: depuis l'Exposition des Arts décoratifs de 1925, avec le triomphe des ensembliers parisiens et la consécration du plus pur style Art Déco "décoratif", jusqu'aux réalisations américaines, très marquées par le courant moderniste et contemporaines de l'explosion du jazz (le Radio City Music Hall décoré par Donald Deskey en 1932 reste un classique des arts décoratifs du )(Xe siècle), sans oublier les paquebots, cinémas, hôtels, restaurants, sièges de grandes sociétés etc. qui font l'objet de vastes programmes décoratifs. Un dernier chapitre est consacré à la redécouverte dans les années 1970 de l'Art Déco et à son influence sur le travail de créateurs contemporains.

Le terme Art Déco, utilisé dès les années 1960, fait référence à la grande Exposition Internationale des Arts Décoratifs qui eut lieu en 1925. L'auteur présente dans cet ouvrage 85 créateurs de mobilier français, qui peuvent être divisés en trois groupes : les traditionalistes, les modernistes et les individualistes, et dresse un panorama complet du mobilier Art déco dans les années 20 et 30.

Un grand moment de l'art français ; les maîtres du mobilier ; le décor des paquebots ; le meuble art déco dans les musées. Nouvelle version du 'Mobilier Art Déco' réactualisée et complétée. Livre en bon état, légéres traces d'usages.

REIMPRESSION PREVUE PAR L'EDITEUR. Cet ouvrage s'organise en 47 unités monographiques qui présentent les créateurs mais aussi les styles de cette époque : les grands maîtres tels que Adnet, Arbus ou Old, les tenants de l'Union des Artistes Modernes : Perriand et Prouvé, de jeunes créateurs : Richard, Paulin ou Guariche, ainsi que des galeries pionnières, des ateliers de grands magasins, des fabricants et des diffuseurs.

Ce livre est une évocation visuelle complète de cette époque. Architecture, mobilier, décoration, design industriel, mode, publicité, cinéma, bande dessinée… sont traités par thèmes, principalement en France, avec nombreuses ouvertures vers l'étranger.

Tout au long des années 50, les annuaires de Decorative Art ont présenté les dernières tendances en matière d'architecture, de décoration d'intérieur, de mobilier, de céramiques, d'objets en métal et en verre. Leur mélange de design 'grand public' et d'avant-garde nous offre une vision d'ensemble exceptionnelle de cette période et l'avènement du New Look'. Cette réédition par Taschen des meilleures pages de Decorative Art constitue une fascinante archive visuelle des modes de vie de l'après-guerre et un ouvrage de référence indispensable pour tous les collectionneurs et les amateurs du style des années 50.

Les années 60, ' années yéyé', furent une période d'expérimentation sans précédent en architecture et en design, au cours de laquelle de nouvelles matières et des modes de vie de plus en plus décontractés contribuèrent à alimenter l'évolution de formes extraordinaires. La réédition par Taschen des meilleures pages des annuaires de Decorative Art des années 60 nous offre un panorama fascinant sur ce processus souvent aventureux. Des bâtiments inspirés par l'ère spatiale aux céramiques issues du renouveau de l'artisanat, Decorative Art reflète parfaitement la diversité stylistique de cette remarquable décennie.

Ce livre présente une série extraordinaire d'intérieurs italiens photographiés entre 1965 et 1975 par Carla De Benedetti, véritable pionnière et artiste de la photographie d'intérieurs. Bien plus qu'un recueil de photographies d'auteur, les images proposées par Intérieurs 70 documentent un univers culturel qui, durant les années 1970, traverse une période artistique et créative particulièrement intense où la célébration du statut social des nouveaux propriétaires commence à se manifester aussi à l'intérieur des habitations. Le style des années 1970 se caractérise par des géométries nouvelles, de surprenantes combinaisons chromatiques et des objets au design moderne disposés dans des espaces à la décoration antique. Cette recherche d'une nouvelle spatialité devant satisfaire le sens esthétique de l'époque est magistralement capturée par l'objectif de Carla De Benedetti et racontée grâce à un langage tout à fait original.

L'immeuble cellulaire Capsule BC25 à Tokyo et le complexe brutaliste du Barbican à Londres ne furent que deux exemples parmi une pléthore de projets architecturaux révolutionnaires ayant surgi dans le paysage urbain des années 70. Les annuaires de Decorative Art de cette décennie se centrèrent de plus en plus sur l'architecture et la décoration d'intérieur, tout en continuant à illustrer les dernières tendances du design en matière de mobilier, de textiles, de verrerie et de céramiques. La réédition par Taschen des meilleures pages de Decorative Art confirme le récent regain d'intérêt pour le style des années 70 et nous offre une vision plus approfondie de cette décennie souvent négligée.

Dans les années 80, décennie du design, le design est une star. Depuis les années vingt, le design n'a en effet encore jamais été aussi novateur, aussi imaginatif, aussi visible. Au cours des années 80, les designers ont réussi à se libérer des entraves du fonctionnalisme et ont élaboré un nouveau langage visuel international ' parlé ' et compris dans le monde entier, du Japon à l'Italie, de Moscou à Los Angeles. Le Design dans les années 80 présente un panorama exceptionnel de la ' décennie du design '. Il offre une sélection des oeuvres majeures des premiers designers mondiaux actuels, encensées au fil de la décennie dans le célèbre International Design Yearbook, ainsi que des inédits. Cette collection stimulante consacrée au design du mobilier, de l'éclairage, de la vaisselle, des textiles révèle toutes les grandes étapes de l'évolution du design depuis Memphis jusqu'au ' déconstruetivisme ' de Coop Himmelblau, depuis le raffinement élégant de Philippe Starck et Shiro Kuramata, jusqu'à la subversion des réinterprétations du Berliner Zimmer. Le fonctionnalisme radical (pur et dur) de l'industrie italienne du meuble est mis en regard des pièces uniques exécutées dans des matériaux superbes et insolites, qui à leur tour évoquent l'itinéraire qui, de l'industrie, ramène le designer à la sphère de la création artisanale. Préfacé par une lettre du plus brillant designer de la décennie à ses confrères, Ettore Sottsass qui est aussi le fondateur du Memphis Group, ce livre offre un choix d'objets présentés par Albrecht Bangert, auteur allemand spécialiste du design. Le Design dans les années 80, ouvrage aussi complet qu'inspiré, servira de guide aux designers, architectes et à tous ceux que fascine l'interaction de l'art et des objets d'utilisation courante.

Cet ouvrage présente le design international du XX° siècle, de Alvar Aalto à Zsolnay.

"Yearning for beauty. The Wiener Werkstätte and the Stoclet House"  a été publié à l'occasion de l'exposition présentée par le Palais des Beaux-Arts de Bruxelles (Bozar) (février - mai 2006).

. "Yearning for beauty. The Wiener Werkstätte and the Stoclet House" commémore le centenaire - l'exposition initiale eut lieu à Vienne en 2003 - de la création de la Wiener Werkstätte (Atelier viennois) par Josef Hoffmann et Koloman Moser en 1903 à Vienne. Cet atelier, issu de la Sécession viennoise, au contraire de l'Art nouveau qui tend vers les courbes et les lignes naturelles, érigea les formes géométriques en idéal esthétique.

.

Construit à l'occasion de l'exposition coloniale internationale en 1931, le bâtiment que les journalistes, éblouis par son faste, allaient très vite appeler le "palais des colonies" était aussi le seul destiné à perdurer après la manifestation, sous le nom de "Musée permanent des colonies". A sa décoration contribuèrent quelques uns des plus grands représentants de l'art déco : Dunand, Prouvé, les créateurs de mobilier Ruhlmann et Printz. Quant à ses collections, elles avaient vocation à faire découvrir au public métropolitain les cultures des colonies françaises en Afrique et en Océanie. C'est cette histoire que retrace l'ouvrage, depuis le contexte idéologique de l'Exposition coloniale de 1931 jusqu'aux avatars du musée à travers l'histoire de ses collections.