Les différentes sortes de barbotines en Angleterre, Europe et Amérique ; les manufactures et les fabricants classés par thèmes.

Quatrième édition revue et corrigée de ce guide sur les barbotines populaires : pichets, assiettes, plats, etc…

Barbotines produites en Allemagne, Autriche, Tchéchoslavaquie, Hongrie et Pologne.

Assiettes, plats et services à huitres en porcelaine, barbotine, faïence, métal anglais et poterie française sont présentés dans ce livre, couvrant la période du milieu du XIX° siècle jusqu'à la fin du XX° siècle.

Les différents centres de production ; marquage des pichets. Les pichets en barbotine ? La créativité est débordante, la production considérable, l'engouement des populations formidable. Le but de ce livre est de montrer la diversité extraordinaire des productions de pichets dans les faïenceries françaises, du milieu du XIXe siècle jusque dans les années 40. Il est aussi une tentative de mettre en lumière de petites manufactures quasi méconnues qui ont autant de mérite que les ' grandes ', dans la qualité, la créativité et la diffusion de leur produit. Enfin, il a pour objectif de sortir de l'ombre le sens artistique d'hommes et de femmes qui nous permettent, aujourd'hui encore, d'admirer de belles pièces, remplies de gaieté et de drôlerie, plutôt que d'eau sur la table ! Les pichets présentés n'ont pas la prétention d'être exhaustifs : ils donnent un aperçu général de l'imagination, caricaturale ou non, de cette époque, tout en illustrant l' histoire des faïenceries françaises.

Création française typique de l'entre-deux-guerres, le craquelé, suscita une telle mode à l'époque que pas un foyer, du plus humble au plus opulent, n'en fut démuni. Ces statues et statuettes en faïence blanche représentatives de la céramique art Déco sont facilement reconnaisables car parcourues d'un réseau plus ou moins dense et plus ou moins prononcé de fines craquelures. Dans "LES CRAQUELES ART DECO", A-R Hardy et B. Giardi étudient d'abord les facteurs sociaux, économiques et esthétiques qui caractérisent cette production. A-R Hardy et B. Giardi livrent des indications concernant la fabrication, les formes et les couleurs employées. Ils présentent ensuite les principaux créateurs, sculpteurs ou modélistes Q.J. Adnet, G. Beauvais, Ch. Lemanceau, J.J. Martel, Géo Condé, etc.), les éditeurs notables (Robj, Kaza, Évolution, Primavera, etc.), les fabriques majeures (St Clément, Orchies, Sainte Radegonde, Boch-Keramis, etc.), ainsi que les petits ateliers (Boulogne, Fontinelle, Odyv, etc.). Les différentes productions de craquelés de la période art déco sont examinées de près en fonction de leur importance pour évaluer la qualité et le prix des pièces rencontrées. Abondamment illustré (plus de 500 pièces et documents reproduits), documenté (index de plusieurs centaines de noms cités) et pourvu de précieuses annexes (bibliographie, répertoire de marques, tables de fréquence, liste de faux), l'ouvrage de A-R Hardy et B. Giardi s'affirme comme la référence sur le sujet tant pour les collectionneurs que pour les professionnels de céramique et de sculpture art Déco.

L’émailleur Camille Fauré, a dirigé un atelier à Limoges des années 20 à 50, dont la production est emblématique de cette époque. Il adopte très tôt le style Art déco et produit des pièces uniques de grande qualité. On retrouve dans ses compositions les motifs floraux et géométriques qui caractérisent ce style. L’ouvrage, richement illustré et documenté, retrace l’histoire de l’atelier et de son maitre émailleur. Il détaille les techniques et les méthodes de production. Plus de 200 pièces sont reproduites en couleur donnant un panorama complet de l’œuvre et du style Fauré.

J. G. Peiffer attire notre attention sur deux artistes lorrains de grand talent, sculpteurs et céramistes. Le travail de Joseph et Pierre Mougin méritait que l'on s'y attarde en réunissant dans une seule rétrospective, l'œuvre réalisée aux côtés des Prouvé et Majorelle, à Paris et en Lorraine. Marques, poinçons et signatures.

Les arts du feu procurent une variété de réponses aux désirs créatifs. Verre, métal et céramique offrent leur complexité organique à de multiples interrogations. Apprendre l'un c'est aborder l'autre, comprendre les deux c'est embrasser la dernière ; ainsi fut comblée l'existence de Paul Beyer. Mais, indépendamment du moyen choisi, il revenait à l'artiste la mission de construire un monde, et si la terre contrainte au feu volontaire de l'homme fournissait à celui-ci l'abondance de la matière, elle ne manquait pas d'adjoindre à cette aubaine la difficulté de mise en œuvre. Donc, pour compter, il fut impérieux d'être simultanément technicien accompli et artisan habile, seule cette conjonction ferait du potier-sculpteur un bâtisseur. Mais édifier est insuffisant, encore faut-il associer à cette faculté un idéal propre à transformer un travail estimable en œuvre d'art. A cet instant le médium devient accessoire, abandonnant le domaine l'ouvrage échappe aux dénominations restrictives ordinairement dévolues aux disciplines appliquées et le regard, éclaireur de la pensée, abolit la substance pour confier le message à la mémoire. Il est donc essentiel de ressentir, fruit de l'intériorité, la dimension personnelle, celle qui fait de l'artisan, forgeant son œuvre dans le creuset d'un style, un artiste. Profitant pleinement de l'époque, à la frontière du monde rural et du monde citadin, dialoguant sans cesse entre le réel et l'imaginaire, l'initiateur perçoit la nature profonde de l'univers et l'interprète à sa guise. En modifiant peu mais juste il donne le souffle vital à l'ordinaire, proposant une innovation affranchie du mépris traditionnellement affecté aux objets usuels. En magicien qui procure au passé la chance de servir le présent et d'envisager l'avenir, Paul Beyer féconde indubitablement le thème populaire. Progressivement, cette matière rustique animée par lui installera le grès comme instrument définitif de la modernité. Son art offrira au tournant des années 1950 une référence préfigurant le laboratoire plastique que deviendrait La Borne.

La popularité des céramiques japonaises en occident fut la cause d’une variété importante et sublime produit fabriquée à la fin du 19° siècle pour l’export. Des porcelaines imari colorées d’un bleu profond, orange, rouge et doré, les porcelaines Fukagawa avec des dessins imaginatifs, ainsi que des faïences Satsuma avec leurs colorations adoucies, sont les plus connues des exportations japonaises. Présenté ici dans des centaines de variations réalisées par des décorateurs talentueux. Cette nouvelle édition contient des valeurs mises à jour, des accessoires additionnels présentés dans chaque chapitre, notamment les premiers Imari datant du 18° siècle. On retrouve également les productions exotiques de Sumida et Banko, des producteurs relativement récents dont la popularité a augmentée dans les 10 dernières années. Les marques des fabricants et décorateurs, formes inhabituelles, variations des motifs et des exemples rares sont présentés dans 600 photographies avec des légendes descriptives et un texte concis.

Les céramiques de Satsuma, héritières de techniques venues de Corée et enrichies d'apports indigènes, ne tardèrent pas à susciter l'intérêt des amateurs et des collectionneurs, grâce à leur extrême diversité: les unes sobres (Satsuma noirs), les autres décoratives (Satsuma blancs), toutes remportèrent unanimement un franc succès durant la seconde moitié du xix e siècle. Les formes simples et les textures originales des objets de la cérémonie du thé et de la vie quotidienne ne tardèrent pas à attirer l'attention de potiers français, comme Jean Joseph Carriès et Paul Jeanneney, qui trouvèrent une source d'inspiration dans leurs revêtements sombres, animés de coulures et d'effets évoquant des peaux de serpent, de crapaud ou de requin. D'autres formes plus complexes, souvent dérivées de la Chine impériale, étaient ornées de motifs naturalistes aux couleurs vives et aux rehauts d'or posés sur des fonds d'un blanc délicatement craquelé: elles étanchèrent la soif d'exotisme du public européen. Artistes et ateliers, comme Gallé et Daum, s'emparèrent de ces décors pour ouvrir la voie à la modernité. En présentant les plus belles pièces des musées japonais et français, cet ouvrage propose une rétrospective unique des céramiques de Satsuma, du XVIIe siècle au début du XXe siècle, et de leur influence sur la production française. Les récentes fouilles archéologiques conduites dans la préfecture de Kagoshima (Satsuma) apportent un éclairage nouveau sur cette céramique encore mal connue.

Historique ; grands thèmes décoratifs ; articles de fantaisie ; grands centres de production.

Le XIX° siècle a constitué un tournant dans la production des céramiques. Outre l'usage de moules en plâtre, la barbotine peinte émaillée, les reflets métalliques et la poterie de garnissage ont permis de produire des thèmes de décoration, d'extérieur et d'intérieur. Le but de ce livre est de rendre hommage aux faïenciers de cette fin du XIX° au début de XX° siècle et de présenter les techniques de productions très différentes, riches en idées nouvelles et en couleurs.

Le but de cet ouvrage est de montrer la grande diversité de modèles de tirelires fabriquées en céramique, en France (et quelques autres en Europe), du milieu du XIX° siècle jusque dans les années 1970. Au côté des grandes manufactures, de très petits ateliers sont mis en lumière pour la créativité, la qualité et la décoration de leur fabrication.

La variété et l'ingéniosité des modèles d'artichauts et d'asperges en barbotine vont vous surprendre. Répertoriés par centres faïenciers, les plats, assiettes, saucières et autres pièces témoignent de l'attention toute particulière portée à l'art de la table, entre 1870 et les années 50.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Les animaux en céramique 1920-1940 : les origines, les artistes, les manufactures, les éditeurs, les œuvres.

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La maison Samson redoutée pour avoir abusé les amateurs en copiant émaux, faïences, terres cuites ou porcelaines, est actuellement redécouverte avec étonnement pour la qualité artistique et la diversité de sa production.

Ce livre, abondamment documenté et illustré, se propose de faire le point sur les milliers de types de décors et de biscuits différents, qui jalonnent depuis 1872 l'évolution des émaux, et font de Longwy un des grands centres céramiques français.

La Manufacture de Longwy a été créée à la fin du XVIIIème siècle, pour une production de faïences classiques, puis vers 1872 apparaissent les célèbres émaux, venant compléter la production de faïence. De 1798 à nos jours, le nombre de pièces a été immense, la quantité de marques dépasse la centaine. Aussi, cet ouvrage se propose d'en recenser le plus grand nombre possible, car on découvre encore parfois une marque qui nous était auparavant inconnue , ou plus fréquemment des variantes d'une marque connue. Dans ce livre, les marques ont été classées par grandes familles, chacune s'est imposée d'elle-même, et comporte un certain nombre de repères voisins par leur graphisme, leur usage, leur période d'utilisation... Dans ces classements, apparaissent les diverses marques qui en font partie, avec la chronologie les replaçant au fil du temps, et ainsi on reconstitue les grandes lignes de la vie de la Faïencerie, avec ses petites et grandes histoires, intérieures et extérieures. L'utilisation précise des marques est donnée par des exemples descriptifs, et le code F indique qu'elles se trouvent uniquement sur les faïences, le code E sur des émaux, et E F sur les deux types de productions, ainsi la visualisation est rapide. Chaque famille numérotée est soigneusement limitée, afin que le collectionneur puisse par analogie dater des pièces, les replacer dans le contexte de l'époque. La seconde partie de l'ouvrage est consacrée aux signatures de Longwy, célèbres ou inconnues. Seuls ont été répertoriés les; signatures ou monogrammes qui apparaissent sur des pièces ; donc j'ai volontairement exclu de cette étude les personnes qui ont participé à la direction de l'entreprise, ou ceux qui furent ouvriers, dont le rôle est immense, mais qui auraient nécessité l'ensemble de vingt ouvrages comme celui-ci. Au total, ce sont plus de soixante dix carrières à Longwy qui sont décrites ; chaque artiste ayant apporté sa pierre à l'édifice qu'est l'œuvre céramique de la Faïencerie longovicienne.

L'histoire de KERAMIS LA LOUVIERE a été conditionnée en grande partie par le rôle des fondateurs, la famille BOCH, mais aussi par le choix du site, par les circonstances économiques et politiques de la première moitié du XIX° siècle, et finalement, par le jeu concurrenciel intense que les fabriques européennes vont se livrer dans le domaine de la céramique.

L'auteur situe avec une grande clarté la production de grès japonais tant dans l'espace que dans le temps, faisant référence aux différentes régions et aux périodes historiques du Japon jusqu'à l'époque contemporaine. Techniques, formes et fonctions, décors. Bibliographie.

Montigny sur Loing et Marlotte resteront parmi les ateliers les plus féconds et les plus riches de la fin du XIX° siècle. Les artistes y employèrent un procédé nouveau, le décor à la barbotine colorée. Cette technique proche de la peinture à l'huile favorisa tout naturellement d'une part une aventure extraordinaire entre céramistes peintres et sculpteurs-décorateurs et d'autre part l'explosion avec succès des nouvelles formes à l'époque de l'Art nouveau.

Quelques amateurs connaissent les céramiques de Roger François. Marc, son fils, était pour ainsi dire complètement inconnu.Créateur d'un style avec ses 'Grès d'art', il donne à Malicorne une orientation résolument 'Art déco' d'une qualité propre à être rangée au niveau des plus grands céramistes européen. Grâce à la découverte d'archives familiales, à des rencontres et à des recherches aux résultats inédits, deux biographies émergent et donnent le corps de cet ouvrage. De plus, artistes complets, le père et le fils ont investi différentes formes d'art, depuis l'écriture romanesque, le théâtre, la peinture, la gravure sur bois, sur cuivre et le dessin. Le présent ouvrage, illustré de très nombreuses photographies, se veut le plus exhaustif possible. Plusieurs pièces , uniques à ce jour ou rarissimes, sont montrées ici pour la première fois. Dans cet ouvrage, vous trouverez : - la presque totalité de la production de l'usine des 'Grès d'art' du Sablon. - les ébauches des vases, pichets ou autres créations de Marc François.

Depuis plus de quatre siècles, la palette subtile des céladons, leur couverte onctueuse aux nuances indéfinissables de ' vert poudré ' ou de ' couleur secrète ', constitue pour les Européens l'un des raffinements majeurs de la céramique chinoise. Cette technique du grès porcelaineux à couverte, patiemment élaborée pendant deux millénaires par les céramistes des fours de Yue et de Longquan, est ici à l'honneur. Sous l'égide du musée de la province du Zhejiang à Hangzhou, un choix emblématique de céladons du Sud est présenté aux Collections Baur, musée des Arts d'Extrême-Orient, à Genève puis au musée Cernuschi, musée des Arts de l'Asie de la Ville de Paris.

Depuis le Moyen Âge, le Beauvaisis est une terre de potiers réputée pour son activité céramique. La manufacture Gréber de Beauvais occupe une place toute particulière au sein de cette tradition séculaire. Elle fut fondée en 1868 par Johan Gréber, d'origine autrichienne, puis reprise par ses fils Charles et Paul en 1880, et enfin par un neveu en 1933. Elle resta active jusqu'en 1974 arrivant à concilier modernité et tradition. Elle laisse derrière elle un héritage de rigueur et de liberté artistique devenu légendaire. Cet ouvrage permet de découvrir au fil des générations le travail des céramistes : non seulement les différentes techniques employées mais également les formes et motifs développés par la manufacture. Les pièces présentées proviennent de collections particulières ainsi que des collections du musée départemental de l’Oise. Abondante iconographie et textes d’une grande clarté permettent de découvrir la production des différents acteurs de la dynastie des Gréber entre 1868 et 1974. Sont traitées sur un même plan la production utilitaire et les pièces artistiques les plus prestigieuses. Ouvrage à destination des amateurs et des spécialistes.

L'aventure d'un style, né au Japon au XVII° siècle, après la découverte du gisement de kaolin près d'Arita, qui permet au Japon alors que la Chine décline, de devenir l'un des grands centres de porcelaine. Au fil des pages, vous découvrirez l'histoire de l'émergence du style Imari, ses caractéristiques inspirées de la nature, et de son rayonnement mondial.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Catalogue d'une exposition de juin 1997 sur les Ko-imari de la collection Olivier Impey. Toutes les pièces sont représentées en photographies couleur , soit de profil, soit du dessous ou du dessus, soit les trois ensemble. Sur certaines photographies, les marques apparaissent mais ne sont pas très lisibles.

Après l'ouvrage consacré aux Imari du Japon, de Chine et d'Europe, Georges Le Gars nous invite à découvrir les Imari anglais. C'est en, effet en Angleterre que ce style a connu le plus de retentissement. Le traditionnel Imari chinois a inspiré les céramistes anglais qui ont redoublé d'imagination au point d'oser utiliser ces motifs dans l'Art nouveau et déco.