Catalogue d'exposition des céramiques de Robert Lallemand, membre de l'Union des Artistes Modernes créée en 1929.

Luc Lanel (1893-1965) et sa femme Marjolaine Lanel (1897-1976) occupent une place singulière dans les arts décoratifs de la première moitié du XXe siècle. Leur travail est assimilé à l’Art déco pour l’orfèvrerie et aux années 40 pour la céramique. Si Luc Lanel est célèbre pour son travail chez Christofle, Marjolaine est souvent vue comme la céramiste du couple, mais l'étude approfondie de leur carrière laisse découvrir une réalité un peu différente. La carrière de Luc Lanel pour Christofle entre les deux guerres s'effectue bien sans l'aide de sa femme, par contre le travail de la céramique est une œuvre de collaboration déjà amorcée dans les années 20. Grâce aux archives de la maison Christofle et de la famille Lanel, cet ouvrage présente leur œuvre en deux parties distinctes correspondant à ces deux aspects successifs de leur carrière : le travail de Luc Lanel chez Christofle, la céramique de Luc et Marjolaine Lanel. Lorsque Luc Lanel quitte Christofle en 1946, la céramique devient l'activité principale du couple. Ils rencontrent Jules Leleu avec qui ils entreprennent plusieurs décors. Si la collaboration avec d’autres artistes est fréquente (pièces dessinées par Jean-Charles Moreux, céramiques pour Devêche), ils réalisent surtout dans l’atelier de Neuilly de nombreux vases, fontaines, sculptures… Les œuvres de ces années jouent volontiers de contrastes : plat/relief, terre crue/émail, et se signalent par leur caractère fantaisiste et l’importance de la couleur. Leur aspect décoratif s’épanouit pleinement dans les grandes commandes comme celle pour l’Élysée en 1947 ou pour les paquebots Cambodge et Antilles.

Attention ce livre étant soldé au 01/03/2012 pas de commande prise en compte avant cette date.

Claude Laniesse, potier autodidacte, explore avec une formidable liberté l'art de la céramique. Coloriste avec Vlamynck, il est fasciné par Matisse avec qui il partage la passion du décoratif, des étoffes, des vases, des fleurs. Il conjugue l'influence très forte de la peinture et de la musique à une connaissance profonde de l'art céramique, des majoliques italiennes, aux porcelaines de Chine, en passant par les faïences de Delft. Il joue de la palette jusqu'à l'extrême et invente avec jubilation des couleurs qui n'existent pas. S'appuyant sur un héritage élargi à toutes les époques et toutes les civilisations, il est animé d'un grand respect pour les formes anciennes le vase rouleau a sa préférence sur lesquelles il mélange toutes les techniques décoratives, la gravure, le modelage, le moulage. Claude Laniesse veut tout inventer, les formes, les couleurs, les décors... pari gagné.

LIVRE NEUF SOUS FILM, OUVRAGE TRES RECHERCHE. Catalogue d'exposition : introduction de la céramique artistique sur la Côte d'Azur. Reproductions d'œuvres de la famille Massier ; fac-similés des catalogues de vente ; bibliographie.

Catalogue de l’exposition proposée au Musée Magnelli de Vallauris (4 juillet – 2 novembre 2009). Cette publication permet à travers les pièces présentées de découvrir ou re-découvrir la famille Massier et ses céramistes de renom avec tout d’abord Jacques (1806-1871), puis la génération suivante : Clément (1844-1917), Delphin (1836-1907) et Jérôme (1820-1909) jusqu’à Cédric descendant de Delphin… Innovations techniques et renouveau des formes ont contribué à leur succès et leur notoriété au fil des générations. Ce catalogue témoigne de toute la créativité et de la production familiale. Une généalogie et un glossaire viennent compléter toutes ces données.

Répertorie les principaux modèles du céramiste Jean Mayodon après plus de vingt ans de collecte à partir des archives de l'auteur et des pièces conservées par de nombreux collectionneurs de Paris à New York.

ANDRÉ ALETH MASSON est né André Masson à Saint-Malo, le 20 décembre 1919, face à la mer, au pied de la tour Solidor, un soir de grand bal, au premier étage de l’ancien casino de Saint-Servan. Ce lieu de naissance improvisé fut prémonitoire au regard de ce que sa vie d’homme, de père et d’artiste a semblé être une ivresse de travail, d’enfants, de couleurs et de mouvements arrondis, une danse effrénée telle une valse dans laquelle sa femme Denise n’a cessé de tournoyer avec lui. Il fût céramiste avant tout, sculpteur, peintre et graveur. Ses apprentissages à l'École des beaux-arts de Rennes, puis à l'École des beaux-arts de Paris le guideront jusqu'à l'École de céramique de Fontcarrade en 1947 près de Montpellier.
Ses débuts à Paris dans les années 1950 donnent lieu à trois expositions personnelles à la galerie MAI en 1952, 1955 et 1961. Dès 1952, ses participations successives aux salons de la Société des Artistes Décorateurs dont il est membre jusqu'en 1980 et les expositions d'oeuvres céramiques de grandes dimensions au travers du mouvement du «Mur vivant», ou dans le cadre des commandes du 1% dans les années 1960-1970 laisseront place au peintre coloriste dans les années 1980: céramiques peintes, bois découpés peints, toiles à l'acrylique et gravures à partir de 1990. Il nous a quitté en octobre 2009. L’oeuvre qu’il laisse est éclectique et considérable.
Cet ouvrage retrace la vie et l'oeuvre de ce céramiste et plasticien, passionné par l'architecture, dont les pièces garnissent les collections du monde entier dans une délicate relation avec leurs propriétaires.
L’auteur à pu réaliser cet ouvrage grâce à des entretiens filmés avec André Aleth Masson, à la mémoire de sa femme Denise Masson et à l’aide précieuse de leur fille Marine.
 

J. G. Peiffer attire notre attention sur deux artistes lorrains de grand talent, sculpteurs et céramistes. Le travail de Joseph et Pierre Mougin méritait que l'on s'y attarde en réunissant dans une seule rétrospective, l'œuvre réalisée aux côtés des Prouvé et Majorelle, à Paris et en Lorraine. Marques, poinçons et signatures.

Jacques G. Peiffer publie "Joseph & Bernard Mougin. Ode à la femme" à l'occasion de l'exposition Mougin de père en fils - une famille lorraine, exposition présentée à l'Abbaye des Prémontés à Pont à Mousson du 23 avril au 2 octobre 2011.
Joseph MOUGIN
Élève de Prouvé, puis de Barrias aux Beaux-arts et jeune émule de Carriès, Joseph Mougin se veut sculpteur de terre et adopte l'argile et le grand feu pour créer des céramiques naturalistes, synthèses parfaites du végétal et du minéral. Dans son premier atelier parisien, mitoyen de la manufacture de faïence de Deck, il traduit l'Art Nouveau dans une statuaire délicate et précieuse, à la fois symboliste et orientalisante, dans laquelle des accents rappellent sa naissance lorraine et l'École de Nancy. Dans les premières décennies du XX' siècle, il est l'un des artistes en vue de l'Art Déco, obtenant une médaille d'or lors de l'Exposition de 1925. Puis, à partir de 1936 et jusqu'en 1950, il s'engage dans la recherche exploratoire sur la fusion des minéraux, mêlant en précurseur la porcelaine et le grès, provoquant d'extraordinaires éruptions de matière. Il est alors à l'avant-garde des vitrifications spectaculaires, ouvrant une voie prospective à la céramique contemporaine.
Bernard MOUGIN
Bernard Mougin est un artiste intransigeant, un sculpteur figuratif dont le métier fécond s'est forgé aux Beaux-arts de Nancy puis de Paris. Cette solide formation académique, conclue par un Grand prix de Rome de sculpture en 1946 et un séjour de pensionnaire à la Casa Velasquez de Madrid, a porté ce dessinateur maître du fusain et doué d'un trait fougueux, vers une sculpture émotionnelle, d'une rare puissance et toute convaincue par la transcendance et la supériorité du corps comme thème d'expression esthétique. Modeleur par essence, il joue du volume et de la matière avec une élégance toute « à la française », laissant la lumière et l'ombre s'étendre en de belles vibrations sur ses bronzes destinés à l'architecture publique dont il aime la monumentalité. Ses grands nus aux accents classiques mais à la transcription poétique sont des offrandes voluptueuses au corps de la femme et au regard amoureux de l'homme. Hors du temps et des écoles, ils arrivent en contrepoint des aspirations conceptuelles et polysémiques pour nous réapprendre à aimer la sculpture de sculpteur, celle qui ne pose aucune question, qui n'attend aucune réponse mais qui vient convaincre l'âme de son existence charnelle. Plus rares, les bronzes tel la Panthère ou l'Ours, portent l'énergie suggestive et la dynamique de l'aventure animale. La plastique de l'œuvre de Bernard Mougin est un défi, elle frôle quelquefois l'abstraction mais elle refuse ambitieusement et humainement d'éluder la figure et sa mémoire. Elle révèle avec éloquence la sensualité impétueuse offerte à l'esprit par la chair. Équilibre ou combat entre le désir et la conscience, entre l'absolu et le relatif, entre le réel et le virtuel ?
 

Catalogue d'exposition réalisée en 1990 par les musées de Saintes, Niort et Agen à l'occasion du 400ème anniversaire de la mort de Bernard Palissy en complément des fouilles effectuées dans la cour du Carrousel.

Prix de lancement 79€ ensuite 95€. Bernard Palissy, le plus connu des céramistes ? Davantage : un héros de l’histoire de France, l’incarnation de la persévérance et de la passion du chercheur et de l’artiste brûlant ses meubles pour terminer la cuisson de ses céramiques en une scène immortalisée par les manuels de générations d’écoliers… L’image est si frappante qu’on serait tenté de n’y voir qu’une légende ! Pourtant l’anecdote du four alimenté par son mobilier fut contée par le céramiste lui-même dans ses Discours admirables : un épisode parmi d’autres des combats que Palissy eut à mener… Les écrits de Palissy comme les témoignages de son époque, nous révèlent non seulement les projets, les rêves et l’oeuvre d’un céramiste, mais encore le cheminement d’un homme de caractère, créateur sans concessions et protestant convaincu, qui jamais ne renia ses convictions et finalement mourut en prison. Un homme de la Renaissance, pris dans les tourmentes politiques, sociales et religieuses de son siècle comme dans son ébullition artistique. Un penseur curieux de tout, s’occupant tant de géologie, d’agriculture ou de fortifications que des moeurs humaines ou de l’art des jardins. Sans doute même un écologiste avant l’heure, dénonçant les hommes qui ravagent les ressources naturelles et "ne se soucient aucunement du temps à venir" ; en tout cas un artiste qui puise dans la nature son inspiration et conçoit ses oeuvres comme le miroir et l’éloge des créatures terrestres. C’est cet hymne à la nature que Christine Viennet dégage à travers son étude, s’intéressant d’abord à l’homme complet que fut Palissy, avant de se pencher plus précisément sur une oeuvre à la végétation et au bestiaire foisonnants qui marqua durablement l’histoire de la céramique. Sur cet homme passionné et fascinant, comme sur ses émules du XVIe siècle à nos jours, elle s’est efforcée de réunir un maximum d’informations, mais aussi de montrer une collection impressionnante de plats, bassins et objets, illustrant notamment la création palissyste des XIXe et XXIe siècles. C’est encore cet hymne à la nature que Paul Starosta fait vibrer avec ses photographies sublimant l’art de la terre. Le feuillage frémit, les poissons scintillent, les serpents se coulent et l’on s’attend à voir bondir les grenouilles : sous son objectif, la céramique et les émaux deviennent matière vivante autant qu’objets précieux…

Pablo Picasso a dessiné des costumes pour le théâtre, pour le ballet, pour la corrida. Le peintre s'est essayé à la céramique. Il a donné des modèles à l'orfèvrerie, à la bijouterie, au textile, à la tapisserie, avec à chaque fois une réussite étonnante. Les centaines d'oeuvres présentées (peintures, céramiques, textiles, tapis, bijoux,, orfèvrerie, projets textiles, costumes) offrent, par l'originalité du regard porté sur elles, une introduction inédite à l'univers du créateur.

Le catalogue Le geste Picasso regroupe deux moments de création, les céramiques de Madoura et le cinéma de Clouzot, dans ce que l'on définit comme le « dernier » Picasso, celui des années 1950 aux années 1970. Le geste Picasso, dans la céramique, tout comme au cinéma, n'a pas la prétention de révéler davantage que ce que pourrait nous livrer tout son oeuvre. Du cadre/écran de papier tendu durant le tournage aux studios de la Victorine, à l'argile fraîche de Vallauris, c'est une multitude de gestes sans cesse renouvelés, et sans cesse différents qu'exécute Picasso.
Dans cet immense champ créatif, sujets et supports dialoguent, échangent, semblent se donner les uns aux autres, sans cesse. Picasso a occupé tous les espaces qu'il lui a été donné d'investir, abolissant les frontières qui auraient pu les cloisonner : c'est peut-être là l'essentiel de son geste.
 

La céramique, cet art de la terre et du feu exercé depuis plus de deux siècles par la famille Pichon, fait partie de la vie uzétienne. Techniques et savoir faire évoluent à travers 7 générations.

A la fin des années quarante, à contre-courant des tendances dominantes de l'époque, Édouard Pignon affirme son attachement au réel en même temps qu'il privilégie un mode de production sériel. La construction de l'espace, l'articulation des formes et l'utilisation de la couleur deviennent alors ses préoccupations plastiques majeures, faisant de lui l'un des principaux acteurs de la peinture figurative française jusqu'aux années quatre-vingts. Parce qu'il éprouve le 'besoin de (s)'imprégner du rythme entre les choses, de la complexité des formes', Édouard Pignon est ouvert à toutes les voies de l'art. Sa soif de découverte l'amène à des incursions dans l'univers des arts appliqués, notamment celui de la céramique qu'il pratique intensément lorsqu'il s'installe à Vallauris de 1951 à 1954. Avec Brauner ou Chagall, il est de ceux qui participent, après Picasso, au renouvellement de cette pratique ancestrale en produisant près de deux cents vases, plats et pièces de forme - toujours des pièces uniques - dont les dimensions parfois imposantes s'allient à la vigueur des décors. Reprenant la thématique de sa peinture - voiles d'Ostende, catalanes, maternités, têtes de mineurs et têtes de faunes, vendangeurs, hommes à l'enfant, coqs... en l'adaptant aux exigences de la poterie, il voit dans la variété des formes qui lui imposent leurs rythmes des surfaces propices à l'exaltation de sa fantaisie créatrice. Ce livre, qui reproduit des œuvres restées pour la plupart inédites depuis leur création, participe à la relecture du parcours d'Édouard Pignon et en révèle toute l'originalité.

Livre dédié à 50 céramistes contemporains réunis en une collection unique de par sa diversité et son importance. À travers sa collection et ses rencontres avec les céramistes au Japon, en Allemagne, en Scandinavie, en Europe de l'Ouest et en Amérique du Nord, Peter Siemssen témoigne de l'immense enthousiasme suscité par la céramique contemporaine. Peter Siemssen dépeint sa collection et ses contacts avec les artistes. Afin de compléter les illustrations, des textes d'interprétation et des biographies sur les artistes dressées par Carsten Frerk permettent de mieux comprendre la céramique contemporaine. "LA CERAMIQUE, PASSIONNEMENT. Collection de la Fondation Peter Siemssen" invite le lecteur à la découverte de la céramique contemporaine.

Magnifique ouvrage de céramique contemporaine abondamment illustré permettant de faire le point sur l’œuvre de Gilbert Portanier (1926), au sommet de sa carrière de céramiste. Cette monographie consacrée aux dix dernières années de production de Gilbert Portanier révèle l’aboutissement et la force créatrice de ce céramiste hors pair. Le témoignage des auteurs met en évidence l’art et l’inspiration de Gilbert Portanier. La qualité des reproductions attire l’attention à la fois sur le travail-jeu du graphisme, de la matière et de la couleur. Tout un univers à découvrir ou redécouvrir. A destination des amateurs de céramique contemporaine.

Personnalité hors du commun, Léon Pouplard, par sa générosité humaine, aura remarquablement marqué la production de faïences malicornaises de 1894 à 1952 ; sa marque PBx assure sa postérité au-delà de sa période créatrice. Certains ont un temps tenu Léon Pouplard pour un simple plagiaire. C'est juger sans tenir compte de la tendance historique de la fin du XIX è siècle à reprendre des décors anciens et renommés. Il a su brillamment développer à Malicorne une école de céramique novatrice et encore méconnue. La variété, l'abondance et l'originalité des pièces, pour certaines exceptionnelles, sorties de ses fours ancestraux du Plat d'Étain en font un patriarche véritable initiateur d'un renouveau dans le Malicorne. Les recherches effectuées dans cet ouvrage, illustrées par des photographies inédites, veulent en donner un aperçu aussi large que possible.

La passion de Lotte Reimers pour la céramique a commencé en 1951, quand elle a rejoint Jakob Wilhelm-Hinder, qui voyageait en Allemagne avec une exposition complète de céramique.. L’exposition s'est seulement terminée en 1961 chez Deidesheim près de Mannheim. Lotte Reimers a continué ses activités dans les musées et les galeries avec succès en Allemagne et à l'étranger. La propre contribution artistique de Lotte Reimers a commencé en 1965,. Sur presque quarante ans elle a créé une œuvre en céramique impressionnante. C'est la première publication importante sur le travail et la vie de Lotte Reimers, qui a apporté une grande contribution pour les arts en céramique en Allemagne non seulement par ses activités enthousiastes à long terme en tant que chef de musée et propriétaire de galerie, mais également par ses propres créations en céramique.

Alfred Renoleau, céramiste charentais (1854-1930), proposait à sa clientèle de la faïence aux décors peints inspirés des grandes manufactures des XVII° et XVIII° siècles. De l'Art Nouveau il adopta les formes courbes et le décor naturaliste qui s'exprimait dans la modernité de ses grès.

DECO DECOR, Porcelain, Glass, & Metal Accessories for the Home. La côte d'objets en Porcelaine, verre, métal de la première moitié du vingtième siècle (voir la liste des artistes dans le sommaire). Tous les objets classés par thémes sont reproduits en couleur avec de nombreux agrandissements. Attention ce livre en anglais donne des côtes en dollars et de ce fait ne refléte pas tout à fait le marché européen.

De son vivant, Camille Tharaud était surnommé le ' Bernard Palissy du XX° siècle'. Tout comme le maître de la céramique, il ne s'est livré que tardivement à sa passion. Maître de l'émail coloré sur la plus dure des porcelaines, sa technique n'a jamais été reconnue à sa juste valeur. L'engouement suscité par la céramique Art Déco, depuis quelques années, a permis de redécouvrir cet artisan artiste dont les oeuvres, qui sont entrées dans les plus grands musées céramiques nationaux, font l'objet de collections magnifiques.

Après un début d'études au Lycée Ganneron de Paris dans la céramique, Catherine Vannier entre à l'école des arts décoratifs de Genève d'où elle sort diplômée en 1964. L'exposition présente la dernière moisson du travail de Catherine Vannier, celle de 1990-1991, riche des engrais et des jachéres qui l'ont menée à cette maturité, riche d'audaces neuves, préludes à d'autres développements.

Catherine Vanier, née en 1943, est une figure essentielle de la poterie européenne. Bien préparée auprès de l’enseignant et céramiste suisse Philippe Lambercy, elle s’est frayé un chemin très personnel dans le contexte du renouveau de la poterie vernissée. Renonçant au barolet au profit de ses pinceaux elle orne ses pièces en virtuose de l’équilibre et de la juste tension entre densité et graphisme aérien.
Fascinée par la céramique de l’Asie centrale, terre de ses lointains ancêtres, elle a récemment mis au point une matière blanche satinée qui reçoit bien son décor. Dans sa palette modifiée, domine maintenant un brun foncé chaleureux qu’éclairent quelques touches légères de bleu ou de vert. Loin de toute tradition populaire, ses décors, jamais descriptifs, sont traversés par le souvenir des signes de force et de grâce que ses yeux émerveillés ont recueillis dans la nature.
 

Marc Uzan revendique une formation d'autodidacte qui répond à son goût d'indépendance. Il a longtemps résidé à l'étranger, réinstallant son atelier au Venezuela, au Brésil et en Suisse. Puis, en 1995 « plein d'usage et raison », il est revenu vivre son art en pays sarthois. Son intérêt pour le mythique « sang de boeuf » l'a amené à inventorier les nuances infinies que peut produire le rouge de cuivre, à en maîtriser la brillance et la matité. Dans un constant dialogue entre forme et couleur, il patiemment enrichi sa palette, avec dernièrement un jaune satiné rare. Né en 1955, Marc Uzan garde intacte la fascination de sa jeunesse pour le tournage et l'émaillage. Céramiste et chercheur, il crée dans son atelier d'Ardenay-sur-Mérize ses pâtes de grès et de porcelaine et poursuit ses essais d'émaux, selon une méthode personnelle qu'il nous a transmise dans un livre publié en 2002. Depuis la fin des années 1990, parallèlement à des pièces tournées d'une élégante sobriété aux coloris subtils, il expérimente d'autres techniques pour inventer des formes plus libre fragiles ou massives, elles révèlent une nouvelle facette de sa recherche artistique

Né à Langres en 1804, Jules Ziegler accède rapidement à la célébrité comme peintre d’histoire en décorant la vaste coupole de l’église de la Madeleine à Paris. Féru de philosophie, lettré, brillant causeur, il passe en son temps pour savant. Il rédige un traité sur les lois esthétiques, communes, selon lui, à la céramique et l’architecture, publie une étude sur la couleur et la lumière, participe aux premières expérimentations sur la photographie, dans l’effervescence des pionniers, et contribue de façon précoce à faire reconnaître la photographie comme un art. Nommé à la fin de sa vie directeur du musée de Dijon et de l’école des Beaux-arts de la ville, il s’éteint brutalement en 1856, à 52 ans. Il fonde en 1838 une manufacture de grès artistiques, et rénove l’usage du grès salé, en réussissant en à peine quatre années à redonner ses lettres de noblesse à ce matériau, employé jusque-là surtout pour l’alimentation. Sur les traces de Bernard Palissy, son guide, il invente un style de décor végétal naturaliste qui annonce l’Art nouveau. En dépit de leurs prix élevés, ses vases connaissent un grand succès, et pénètrent dans les intérieurs de la bourgeoisie et de l’aristocratie, où ils rivalisent avec la porcelaine. L’effet de mode porté par la notoriété du peintre attire bientôt sur ses créations artistiques de nombreux imitateurs, en France et en Europe, tout particulièrement en Angleterre. Ce livre présente pour la première fois l’oeuvre céramique d’un artiste qui a joué un rôle pionnier dans l’histoire de la céramique française. Hanté toute sa vie par la recherche d’une unité dans tous les arts, Ziegler incarne assez bien l’idéal des artistes romantiques de son temps. S’il n’avait pas dispersé son talent à se lancer sans cesse après de nouvelles recherches et de nouveaux styles, dans la peinture comme dans la céramique et la photographie, Ziegler serait sans doute parvenu à sortir d’un oubli auquel la peinture et la céramique ne lui ont jusqu’à présent pas permis d’échapper. Cette étude novatrice, qui s’adresse aux historiens d’art, aux amateurs et à tous les esprits curieux, a l’ambition d’y contribuer.

Ouvrage présentant le travail d’Edmond Lachenal (1855 – 1948) et celui de sa postériorité. L’auteur aborde en introduction la dynastie et la production de l’atelier Lachenal ainsi que sa place au sein de la mouvance Art Nouveau. Un catalogue abondamment illustré vient compléter ces propos. Chaque pièce reproduite est accompagnée d’une notice explicative. Sont également reproduites et présentées les pièces réalisées avec des collaborateurs : Agnes de Frumerie, Serge de Solomko, Max Blondat. Présentation également du travail de Jacques et Raoul Lachenal ainsi que des pièces d’Emile Decoeur ayant œuvré au sein de l’atelier.

Cet ouvrage est publié à l’occasion de l’exposition ' Joseph Le Guluche (1849-1915) et les terres cuites de l’Isle-Adam', exposition présentée au Musée d’Art et d’Histoire Louis Senlecq de L’Isle-Adam. Joseph Le Guluche a travaillé exclusivement pour les manufactures de L’Isle d’Adam et de Villenauxe-la-Grande dans la réalisation de sculptures en terre cuite d’édition. Cet excellent sculpteur-modeleur produisant à la commande a réalisé un très grand nombre de sculptures en terre cuite. La présente publication reproduit un très grand nombre de ses œuvres qui témoignent du soin porté aux sujets représentés : détails, finition, expression, mouvement… Toutes ces œuvres ont permis à une clientèle modeste pour qui, à l'époque, les éditions de prestige en bronze ou en marbre étaient hors de prix d'accéder à l'art. Après avoir fait la célébrité de L'Isle-Adam et de Villenauxe-la-Grande, les figurines de Joseph Le Guluche sont aujourd'hui la passion des collectionneurs. Elles constituent un ensemble sculpté unique en France. Cette étude présente pour la première fois les connaissances sur cet artiste et ses œuvres. Les différents chapitres ont été rédigés par les meilleurs spécialistes du sujet. Ils permettent de révéler les sources d’inspiration de Le Guluche, les sujets qu’il affectionnait ainsi que les goûts de l’époque.

Petit ouvrage de la collection "reconnaitre" éditée par la Réunion des Musées Nationaux. Livre consacré à la céramique de Fernand léger. Nombreuses reproductions en couleur.

L'accès aux archives de la mythique manufacture turinoise a permis de réaliser cet ouvrage qui présente la presque totale production de céramiques pendant l'activité de l'atelier. Illustré par presque deux mille reprodctions, ce répertoire comprend toute information utile, méticuleusement vérifiée, comme datations, noms d'artistes et décorateurs, mesures et nombre d'exemplaires produits.

L'œuvre de Jean Mayodon (1893-1967) reste incontestablement l'une des plus fortes et des plus singulières de cette période. Par sa formation, comme par ailleurs René Buthaud (1886-1986), Jean Mayodon se destinait à la peinture. Mais ses premier essais, dans l'atelier d'un céramiste voisin, près de la manufature de Sèvres, en ont décidé autrement.

George E. Ohr (1857-1918) était l'artiste potier le plus révolutionnaire de son temps. Il travaillait dans l'isolement de Biloxi, Mississippi, En tant qu'artiste, le but d'Ohr était de ne rendre "aucun morceau semblable." En outre, il a accompli l'idéal du mouvement Arts and Crafts. Les formes excentriques et la personnalité flamboyante d'Ohr ont fait de lui une icône américaine de la créativité. Aujourd'hui, ses travaux uniques sont fortement considérés et recherchés par des collectionneurs et des musées. Ce volume extraordinairement conçu contient plus de 300 pièces réalisées par Ohr et comporte les photographies de toutes les oeuvres accompagnées d'un texte écrit par un des principaux disciples d'Ohr. La clarté et le nombre d'illustrations font de ce livre la nouvelle référence essentielle sur cet artiste extraordinaire.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Dans cet ouvrage, Léonard N. Amico s'attache à restituer tous les aspects de l'existence de Bernard Palissy. Il dresse également avec une extrême rigueur le corpus de l'oeuvre du céramiste et du créateur de la grotte du palais des Tuileries ; il reconstitue l'activité de l'atelier à la lumière des fouilles récentes effectuées au Louvre de 1984 à 1986. Léonard N. Amico définit enfin le style rustique de l'époque ses concrétions, son étrange bestiaire composé de reptiles et de batraciens. Après avoir décrit l'émergence de ce goût particulier et l'audience que lui donna l'artiste, il en étudie les prolongements au XVIIIe et surtout au XIXe siècle, s'intéressant aux nombreux imitateurs de Palissy, tant en France, en Angleterre qu'au Portugal, dont les oeuvres, très disputées lors des ventes publiques, appartiennent aujourd'hui, pour leur grande majorité, à des collections privées.

Ce livre a été publié à l'occasion de l'exposition qui s'est tenue au musée Picasso à Antibes en 2005. Ce fruit d'une recherche originale, dresse une chronologie fouillée des recherches de Picasso avec la céramique, notamment sa collaboration avec Suzanne Ramié, propriétaire de l'atelier Madoura à Vallauris. Le rôle des dessins préparatoires de Picasso dans l'élaboration des formes céramiques novatrices, de même que les interrelations entre la céramique, la linogravure et l'affiche, font l'objet d'une analyse extrêmement détaillée. Enfin, textes, documents et illustrations établissent des liens surprenants avec des oeuvres historique qui invitent à des interprétations inédites sur la manière dont Picasso a exploité les sources et les ressources de la céramique.

Cet ensemble présente l’œuvre céramique de Picasso. Le très grand nombre de pièces présenté permet de mettre en évidence une nouvelle facette de l’artiste. Picasso découvre le travail de la terre (modelage, terre cuite, céramique), lors de son séjour dans le sud de la France. A partir de ce matériau souple, il crée librement ses œuvres, souvent sur la base de formes existantes, propices aux jeux d’interprétations : vases, plats, potiches… qu’il détourne, transforme, réinvente, leur laissant leur caractère utilitaire ou bien en partant directement de la matière brute. La céramique permet d’aborder à la fois la sculpture mais également la forme peinte qu’il affectionne. Ce coffret révèle l’œuvre céramique de Picasso qui comprend plus de 3 000 pièces crées en 20 ans. Le premier volume présente de nombreuses pièces, leur contexte de création, les centres d’intérêt et les sources d’inspiration de l’artiste. Le second volume comprend des dessins préparatoires ainsi qu’un glossaire et la liste de toutes les œuvres reproduites. œuvre extraordinairement riche par sa profusion et sa qualité.

Picasso exécuta entre 1947 et 1971 des milliers de pièces céramique, dont certaines seront éditées en tirages limités et en exclusivité par la Poterie Madoura à Vallauris, où Suzanne et Georges Ramié l'accueillirent en juillet 1946.
Ce catalogue : "Picasso. Catalogue de l'oeuvre céramique édité 1947-1971" présente l'ensemble de cette partie de l'intense production du génial créateur, qu'il est convenu de nommer: Ouvrage abondamment illustré présentant les «Editions céramique de Picasso». Avec précision, chaque pièce éditée est décrite en détail; date d'exécution par Picasso, dimensions, procédé de fabrication, coloris et nombre d'exemplaires édités.
 

L'exposition de Sèvres présente plus de 130 pièces de Gilbert Portanier. Le catalogue illustré en couleurs aborde l'ensemble de l'œuvre et développe, à partir d'une admiration spontanée, une analyse historique et critique.

Le catalogue du céramiste Robj de 1921 à 1931. Les marques, les modéles.

La maison Samson redoutée pour avoir abusé les amateurs en copiant émaux, faïences, terres cuites ou porcelaines, est actuellement redécouverte avec étonnement pour la qualité artistique et la diversité de sa production.

En 1915, E. Manuel Sandoz rencontre Théodore Haviland, qui lui commande des petites pièces pour remplir ses fours de cuisson. Sandoz invente un nouveau style d'objets utilitaires : du pichet-canard au chat-bonbonnière, du poisson-vase à l'encrier-hibou, près d'une centaine de pièces voient le jour en moins de 10 ans.

Histoire de la faïence fine à Bordeaux. De l'anglomanie au rêve orientaliste. La faïence fine à Bordeaux eut une durée relativement brève (1829.1895). La présence de Jules Vieillard succédant à David Johnston, maire de la ville et bourgeois éclairé, est déterminante dans le succès industriel de la manufacture de Bacalan.

De l'association d'un sculpteur franc-comtois Voisin et d'un chimiste céramiste limousin Dalpayrat, bien peu de choses sont connues. Cette aventure, aussi courte qu'originale, et qui n'a jamais bénéficié de travaux particuliers, peut aujourd'hui, à l'aide d'archives familiales (en particulier les notes personnelles de Pierre et Berthe Blanche Voisin et les travaux d'André Dalpayrat, petit-fils du céramiste) faire l'objet d'un hommage à l'heure où l'on célèbre le centenaire de la disparition de Voisin, artiste ignoré jusque dans sa patrie même.