Nouvelle édition remaniée et complétée du 'Dictionnaire de la mode au XX° siècle' publié en 1994. Les champs sémantiques couverts, au nombre de 40, répartis entre noms propres et noms communs, donnent l'étendue de ce dictionnaire de caractère encyclopédique : accessoires, associations, auteurs, boutiques, chausseurs, coiffeurs, costumiers, couturiers, créateurs, directeurs artistiques, écoles, étoffes, fibres, fils, groupes industriels, illustrateurs, joailliers, journalistes, journaux, machines, managers, mannequins, maquilleurs, marques d'accessoires, marques de prêt-à-porter, marques textiles, métiers, modistes et chapeliers, mouvements de mode, musées, organismes, parfumeurs, photographes, procédés économiques, financiers et techniques, stylistes, tailleurs, vêtements, vocabulaire.

Accessoire parmi les plus raffinés du costume, le gant épouse la forme de la main et garde son empreinte. Il a fini par désigner dans le langage symbolique la main tout entière. Instrument de l'action et de l'exécution la main détient en elle la promesse de tous les gestes. Gestes quotidiens, professionnels ou sportifs, la main est signe d'habileté et de savoir-faire, le gant adéquat lui offre assistance. Gestes symboliques depuis les codes édifiés au Moyen-âge, la main est signe de puissance, de protection et d'allégeance. Quant au gant féminin qui gaine la main jusqu'au poignet, ou s'aventure au-delà du coude en sublimant le geste, il signe son pouvoir de séduction. Des gants de la Renaissance et plus anciens encore aux gants de couturiers en passant par les gants de sports ou de protection, ce livre offre un panorama des plus complets de l'art du gant. Ce livre décline l'ensemble de ses utilisations, de ses symboles du gant. Le premier gant : le gant utile (le gant protection). Le gant utilisé : le gant-symbole (le pouvoir royal et religieux). Le gant parure (la noblesse et l'aristocratie). Le gant bourgeois du xix' siècle. Le gant oeuvre d'art (haute couture). Les parties du gant et son vocabulaire. Les peausseries. Les techniques de la ganterie. Les hauts lieux de la ganterie. Petit précis des manières et des expressions du gant (prendre des gants...). Les gestes codifiées par la société. Le choix des couleurs — leur signification les citations. Les gants de sport et professionnels. Les matériaux : du cuir aux matériaux technologiques les plus sophistiquées.

Cet ouvrage présente les couvertures les plus marquantes de l'histoire des 90 ans de la somptueuse revue Vogue.

Figure phare de la haute couture parisienne de l’entre-deux-guerres, Madeleine Vionnet (1876-1975) a bouleversé l’esthétique de la silhouette féminine. Après un apprentissage en Angleterre, puis à Paris chez les soeurs Callot et chez Jacques Doucet, elle ouvre sa maison de couture en 1912. Avant-gardiste, elle demande à ses mannequins de défiler sans corset et, dit-on, pieds nus. Sa carrière est marquée par la recherche de liberté, à travers une parure d’un grand raffinement, proche du drapé antique, qui libère le corps pour mieux valoriser ses formes naturelles. Madeleine Vionnet a radicalement transformé la conception du vêtement, basé sur la coupe en biais, naturellement fluide. Elle est une référence incontournable pour de nombreux créateurs d’aujourd’hui, d’Azzedine Alaïa à Yohji Yamamoto. Grâce à une donation de Madeleine Vionnet à l’Union Française des Arts et du Costume en 1952, Les Arts Décoratifs conservent le principal fonds public, avec plus de 200 robes et des archives exceptionnelles. Les chefs-d’oeuvre de la collection, photographiés par Patrick Gries, sont mis en parallèle dans ce livre avec le regard des plus grands photographes de mode des années 1920-1930 : Steichen, Horst, Hoyningen-Huene... Les textes retracent le parcours de Madeleine Vionnet et la spécificité de ses créations et étudient sa relation avec les artistes décorateurs auxquels elle a acheté du mobilier ou qui ont réalisé des aménagements pour elle, notamment Georges de Feure et Francis Jourdain. Un texte inédit de l’écrivain et mémorialiste André Beucler nous plonge enfin dans son univers très personnel

Chaque carré Hermès est porteur d'une histoire, ce livre en sera l'anthologie. Le transposer plutôt que le reproduire, le magnifier sans désavouer sa légèreté... à la manière d'un livre d'artiste, cet ouvrage relatera par l'image comme par le texte l'existence d'un carré de soie devenu mythe. L'iconographie, tour à tour ludique et poétique, se déclinera en pleines pages, découpes, transparences et jeux visuels, entraînant le lecteur dans un univers narratif richement coloré, au tracé parfait. Car selon Pierre Alexis Dumas, directeur artistique général d'Hermès, José Alvarez ' observe les carrés Hermès en esthète amoureux. En leur dédiant ce live atypique, il accomplit l'un de ses très anciens rêves et concrétise un projet réputé impossible chez Hermès. On n'y cherchera ni une histoire du carré, ni le catalogue raisonné des quelques deux mille dessins de carrés ; pourquoi épingler les papillons faits pour voler ? ' le carré, un roman Sur le ton de la narration, le premier chapitre retracera une aventure humaine, artistique et familiale, faite de curiosité, d'inventions et de rencontres : portrait de la maison, de ses plus célèbres carrés comme de ses plus grands acteurs, ses événements artistiques ou historiques, mémoire collective dont l'écho éveille en chacun des souvenirs intimes, animeront ce récit. Le carré, un univers de formes Une multiplicité de thèmes, de styles et d'inspirations s'expriment ainsi en un seul et même langage, le carré. Le cheval, la mer, le voyage, les peuples du monde, la nature, la musique... Opulence sensuelle et généreuse, évocation sobre et harmonieuse, derrière chaque sujet se cache un récit, chaque ' main ' en traduit l'esprit. Le carré, une philosophie de la couleur Le travail subtil de la coloration révèle toutes les facettes que recèle en lui le dessin. Un carré n'est jamais oeuvre d'une seule personne, Là encore, comme à chaque étape de sa conception, talents et savoir faire s'unissent, de l'élaboration des gammes à la perfection de l'impression. De la couleur, Johannes Itten disait qu'elle est contemplée par le coeur, Josef Albers qu'elle dépend de celles qui l'environnent, c'est donc à ces accords secrets, à ces rythmes mélodieux que nous consacreront la troisième partie de cet ouvrage.

En 1947, Dior donnait naissance au New Look, révolutionnant ainsi les codes de l'élégance, redonnant sa place à la féminité. En insufflant « l'audace dans la tradition », Dior dessine les contours d'une Haute Couture attachée aux valeurs de la beauté universelle. Pygmalion de l'élégance, de la féminité magnifiée, le magicien qu'est Christian Dior sublime la nature et crée la rencontre entre rêve et réalité.
Avant de se lancer dans l'aventure de la mode, Christian Dior avait mis sa sensibilité au service de l'art en choisissant le métier de galeriste. Il organisa alors les premières expositions de Giacometti ou de Calder.
L'exposition « Inspiration Dior » illustre à quel point le génie et la créativité de Christian Dior se sont nourris de l'exemple de maîtres tels que Goya, Ingres, Cézanne, Picasso ou Matisse. Elle s'attache à faire découvrir au public russe la diversité et l'excellence des métiers de la Maison Dior qui allient le maintien des savoir-faire traditionnels à la modernité.
L'exposition présente ainsi un parcours exceptionnel à la décou¬verte de soixante ans de l'esprit Dior. Le musée Pouchkine offre, par son architecture néoclassique, un écrin idéal à la mesure du style néo-xville siècle que Christian Dior affectionnait tout particulière¬ment et dont il avait doté sa maison de couture.
 

"Louis Vuitton / Marc Jacobs" est un ouvrage qui accompagne l'exposition présentée au Musée des Arts Décoratifs (9 mars-16 septembre 2012). Cette exposition présente l’histoire de deux personnalités, Louis Vuitton et Marc Jacobs (directeur artistique de la maison Louis Vuitton), et met en évidence leurs contributions à l’univers de la mode. Comment ont-ils su s’inscrire dans leur époque respective pour innover et faire avancer toute une industrie ? De quelle façon ces deux hommes, avec leur langage propre se sont-ils appropriés les phénomènes et codes culturels afin d’écrire l’histoire de la mode ?
Plutôt analyse que rétrospective, cette mise en parallèle Vuitton-Jacobs permet d’éclairer le système de la mode durant ces deux périodes charnières que sont l’industrialisation de la fin du XIXe siècle et la globalisation du début du XXIe siècle. Y sont évoqués les métiers d’art, les avancées techniques, les créations stylistiques et les collaborations artistiques. "Louis Vuitton / Marc Jacobs" raconte comment, à plus d’un siècle d’intervalle, deux personnalités ont su comprendre leur époque et s’appuyer sur les possibilités qu’elles offrent : sous le Second Empire, Louis Vuitton développe son entreprise d’« emballeur » de modes dans un Paris en pleine expansion. Marc Jacobs, directeur artistique depuis 1997, se réapproprie quant à lui les codes culturels de la marque tout en les détournant, incarnant à la perfection le modèle type du créateur contemporain.

 

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Cet ouvrage nous révèle la grande richesse et la variété des costumes traditionnels : de la préhistoire à nos jours. Toutes les périodes de l’histoire et toutes les contrées du monde sont évoquées. L’ouvrage comporte 10 chapitres définissant 10 aires géographiques permettant de se repérer facilement dans les recherches. Chaque chapitre comporte une introduction et de très nombreuses illustrations : photographies de costumes, reproductions de peintures, dessins. Cette publication présente non seulement des costumes mais également des accessoires. Une recherche passionnante abondamment illustrée qui permet de découvrir des costumes du monde entier.

Jenny Carré grandit dans un milieu musical avec une mère cantatrice et un père directeur de l'Opéra Comique. Mais c'est au dessin, avec l'assistance du célèbre Lévy-Dhurmer, que se destine la jeune fille. En 1918, le succès remporté par ses costumes pour La Belle Hélène lance sa carrière. Désormais elle enchaîne ses créations pour la Gaîté Lyrique, la Cigale, l'Opéra Comique, le Concert Mayol, l'Alcazar, le Châtelet, le Casino de Paris, Mogador, les Ziegfield Follies... costumant tour à tour Mistinguett, Cécile Sorel, Joséphine Baker ou Maurice Chevalier. Cette belle carrière est retracée ici par Jacques Favart, fils de Jenny Carré. Dans son travail de mémoire, érudit et passionné, il fait revivre celle qui ' habilla les rêves ' de toute une époque. Catalogue de l'exposition présentée au Musée des Années 30 de Boulogne-Billancourt(octobre-décembre 2008).

Il ne subsiste en France que peu de vêtements de cour. Mais d'autres pays d'Europe, en particulier la Suède, le Danemark et l'Allemagne, ont conservé de somptueux ensembles des XVIIe et XVIIIe siècles. Ces ' habits ' magnifiques nous permettent aujourd'hui d'imaginer ce que fut la splendeur du costume de cour français, considéré alors comme un modèle dans toutes les cours européennes. Cérémonies du sacre et du couronnement, mariages, fêtes royales voient les souverains arborer des costumes d'un luxe éblouissant, symbolisant leur pouvoir tout autant que leur gloire. Mais la cour est aussi régie, au quotidien, par les rigueurs de l'étiquette et les codes subtils qui gouvernent la forme et l'usage des costumes, ceux des serviteurs comme ceux des maîtres. L'exposition présentée au château de Versailles, lieu voué par excellence à accueillir cet événement, réunit des fonds prestigieux montrés pour la première fois en France, ainsi qu'un important ensemble de peintures et de gravures. Richesse des étoffes, raffinement des broderies, luxe des joyaux reprennent tout leur éclat en regard des portraits de ceux qui les portèrent.

En 2000, le musée Guimet héritait de la somptueuse collection de Madame Krishna Riboud, une grande dame d'origine Bengale, née en 1926, qui avait consacré sa vie à la restauration des textiles asiatiques et oeuvré à la pérennité de savoirs artisanaux ancestraux. Au fil de ses voyages en Asie et de ses acquisitions auprès de marchands internationaux, Krishna Riboud avait amassé un trésor inestimable, au sein duquel les merveilleux costumes d'enfants présentés dans ces pages qui portent le témoignage de savoir-faire anciens et rendent hommage à des traditions sans cesse renouvelées. Couleurs chatoyantes, soies et passementeries, coiffes en forme d'animaux sauvages, costumes du XVIIIe siècle à nos jours : cet ouvrage abondamment illustré est une incitation aux divagations des sens et de l'imagination. Les essais et les notices qu'il contient, rédigés par les plus grands spécialistes du textile, s'adressent aux profanes aussi bien qu'aux experts.

À l’occasion de son cinquième anniversaire, le Centre national du costume de scène et de la scénographie rend hommage à l’une de ses institutions fondatrices : la Comédie-Française. En exposant les plus belles pièces de ce théâtre emblématique, le CNCS retrace l’histoire du costume de théâtre, des ateliers de couture, comme celle de la Comédie-Française elle-même, à travers les grandes figures qui l’ont marquée, auteurs, comédiens, metteurs en scène, costumiers.

Depuis sa fondation par Louis XIV, le Roi Soleil, il y a plus de trois siècles, la Comédie-Française remplit la mission qui lui avait été assignée : arpenter le chemin de l’excellence dans tous les domaines du spectacle, dont celui du costume.
Hommage à la Comédie-Française, cette exposition est d’abord dédiée à ses ateliers de costumes et à leur directeur, ainsi qu’aux illustres noms qui ont marqué son histoire, en offrant un ensemble exceptionnel de plus de 200 costumes, issus des collections de la Comédie-Française déposées au CNCS et du fonds du théâtre. Une manifestation d’autant plus spectaculaire que la scénographie, directement inspirée de la célèbre Salle Richelieu, comporte une partie « salle » et une partie « coulisses», entraînant le public dans un parcours théâtralisé de l’univers de la Comédie-Française.

 

Expliquer le présent par le passé, tout en décrivant l'histoire d'une société austère imprégnée de religion : tel est le but de cet ouvrage, brillante et érudite démonstration de l'analyse du vêtement comme miroir de la société.
Car chez les peuples précortésiens, le rang social allait de pair avec la richesse du costume, chacun des vêtements portés par un haut personnage servant à définir son autorité — le jeune « prince » poète Nezahualpilli en est l'exemple le plus éclatant. Et nombre d'atours étaient chargés de symbolique : ainsi la tunique ouverte xicolli, exclusivement portée par les prêtres aztèques durant les sacrifices humains aux dieux; ou encore la parure de guerre tlahuiztli, un vêtement recouvrant l'intégralité du corps et incarnant un animal féroce ou un monstre terrifiant, transformant assurément celui qui le portait en cet animal ou ce monstre même, et le protégeant ainsi dans le combat jusqu'à lui assurer la victoire. Conçu par les anciens comme une arme véritable, le tlahuiztli peut s'enorgueillir d'avoir effrayé bien des soldats espagnols ; lesquels, il est vrai, n'étaient pas insensibles aux croyances surnaturelles...
Nous verrons de plus que certains de ces vêtements se retrouvent aujourd'hui, conservant ainsi leur usage quotidien. Le cache-sexe ne disparaît pas entièrement, ses extrémités ornées qui persistent de nos jours en sont un héritage direct. Ou la longue tunique appelée huipil, très décorée, qui est également un héritage du passé, de la même famille que la tunique des indigènes d'Amérique du Sud et, plus près de nous, des Lacandons — ce qui donne à penser qu'elle trouve son origine au sud de la Mésoamérique ; tandis que le quechquémitl, manière de petite cape, est originaire du Nord et s'est peu à peu répandu jusque sur le haut plateau mexicain. "Des vêtements et des hommes. Une perspective historique du vêtement indigène au Mexique" est accompagné d'un CD traitant du tissage en courbe au Mexique.
 

Dans "Tenues des grands jours. costumes folkloriques - trousseaux - robes de mariées" Guénolée Milleret rassemble et présente des dessins de costumes traditionnels et de fête de France et d'Europe du 19e siècle. Ouvrage accompagné d'un CD des images de costumes.

un livre magnifique (avec de splendides dessins de l'auteur) sur l'histoire du costume et de l'habillement en Corse. Un extraordinaire recueil.

Elsa Schiaparelli est sans doute la styliste qui incarne le mieux la collaboration entre l'art et la mode, et c'est l'une des originalités de cet ouvrage que de la mettre en valeur. Plus de 300 illustrations, dont beaucoup sont inédites, présentent des vêtements et accessoires qu'elle a créés, mais aussi de nombreux dessins, photographies d'époque, portraits réalisés par les plus grands photographes de mode, oeuvres d'art qui furent à la source de son inspiration et qu'elle influença à son tour... Une filmographie et une chronologie détaillées complètent le livre, véritable ouvrage de référence. Dilys Blum est conservateur du département costumes et tissus au Philadelphia Museum of Art.

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Catalogue de l'exposition présentée au musée Galliera du 28 Avril au 21 Aout. Le Gemeentemuseum de La Haye et le Musée Galliera de Paris, ont en commun de posséder, chacun, une fabuleuse collection de costumes du XIII° siècle. Ces collections sont ici confrontées, comparées et présentées en perspective de façon inédite.

Les collections du Kyoto Costume Institute. 'Un ouvrage de référence qui inspirera autant les stylistes que les mordus de la mode' (i-D Magazine London)

Créateur visionnaire, Thierry Mugler a révolutionné la mode des eighties. Avec ses défilés provocateurs, ses shows étourdissants, sa créativité incandescente, Mugler a fasciné la planète mode, inventé le glamour, insufflé à l'élégance une modernité fantasmagorique. Les plus grands photographes de mode Helmut Newton, Françoise Huguier, Gérard Uféras, Patrice Stable, Dominique Issermann signent ce fabuleux parcours visuel dont la sophistication extrême séduira tous les fashion addict. Les dessins originaux et les photographies de Thierry Mugler, ainsi que les photographies des plus belles pièces de collection du patrimoine Mugler, nous dévoilent l'oeuvre d'un couturier-scénographe d'exception, photographe par passion, qui n'a cessé de mettre en scène son imaginaire et de sublimer le corps de la femme. Silhouette architecturée, ligne ultra-graphique, épaules démesurées, taille étranglée, jambes interminables, la ' muglérienne ' a imposé son style et sa cadence. Héroïne, muse ou déesse, conquérante des temps modernes, elle défile à longues enjambées sur la galaxie Mugler et devient à tout jamais une star. Aujourd'hui homme de show et créateur de parfums best-sellers, Thierry Mugler demeure le designer d'un présent éternellement conjugué sur le mode du futur.

Cet ouvrage de la collection Textures met en évidence le talent extraordinaire des artistes japonais qui ont créé les splendides costumes et habits portés du XVI° au XIX° siècle, période considérée comme l'âge d'or du costume japonais.

Le but de cette publication est de permettre à chacun de trouver rapidement, par ordre chronologique, les types d'habillement portés aux différentes périodes de notre histoire. L'auteur a soigneusement écarté tout ce qui ne concerne pas le costume civil à savoir les costumes militaires et religieux.

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La première édition étant parue en 1951, ce livre est donc la troisième édition : elle a reçu une présentation tout à fait nouvelle qui en rend la consultation plus aisée et plus féconde, ceci, par les soins du secrétaire général de la Société de l'Histoire du Costume. Entièrement illustrée de dessins en noir et blanc.

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Ouvrage en excellent état mais sans sa jaquette.

Saviez-vous qu'il existe près de deux mille modèles d'accessoires, sans compter tous ceux qui ont durablement, mais non définitivement, disparu du devant de la scène de la mode ? Alors, avant que nous ne succombions tous à la tentation de nommer chacun des modèles composant cet extraordinaire patrimoine un ' it-quelque chose ', Les accessoires de A à Z constitue l'étape incontournable permettant d'appeler un chèche un chèche ! Le vocabulaire de mode est si riche... Il recèle tant d'histoires à découvrir, tant de sources d'inspiration à exploiter... Au-delà de son orientation purement terminologique, Les accessoires de A à Z est également une encyclopédie dans laquelle vous trouverez un ensemble d'informations très complet, vous permettant de mieux connaître tous les modèles existants de l'Aigrette au Zori, leurs caractéristiques et leurs attributs, leur origine et leur histoire lorsqu'ils en ont une, les éléments et matières qui les composent, leur traduction en anglais et, pour la majeure partie d'entre eux, leur représentation visuelle.

Les uniformes sont à la mode. Les épaulettes, les brandebourgs et les revers chargés de boutons dorés ont envahi les portants des boutiques de prêt-à-porter et les show-rooms des créateurs. Mais sait-on que ces tenues strictes et éclatantes ont également traversé l'histoire des arts de la scène? Paletots, souquenilles et livrées, uniformes à la française, à la hongroise, à la polonaise: de la pimpante représentation cocardière au guerrier en treillis de notre répertoire contemporain, cet ouvrage examine le genre militaire sous toutes les coutures pour mieux décrypter les codes du costume martial à l'opéra et au théâtre et offrir au lecteur les interprétations réalistes, caricaturales, voire dramatiques que les créateurs scéniques ont pu en donner.

Depuis la plante textile jusqu'à l'étoffe ennoblie, remontant bien en amont du costume, l'auteur restitue dans ce livre la substance - gestes, alchimie, choix inconscients collectifs - de ce qui conduit à une production étonnamment diversifiée. Première grande synthèse consacrée au sujet, l'ouvrage embrasse l'ensemble de la question pour la période allant du XV° siècle à la révolution industrielle.

L'ouvrage retrace la merveilleuse aventure de ces techniques de piquage venues d'ailleurs et qui, grâce aux doigts experts des brodeurs professionnels, puis aux petites mains magiques des femmes du Midi, ont donné à l'art décoratif du boutis valeur de patrimoine régional. Un cahier pratique clôture le livre pour apprendre à boutisser des chefs d'oeuvre intemporels.

Cet ouvrage est consacré à la collection de textiles provençaux d'André-Jean Cabanel. La première partie explore, au travers d'études de synthèses brèves et complètes, la diversité du sujet. La seconde partie regroupe des notices approfondies présentant un large choix de pièces et proposant, sur chaque oeuvre, des informations générales assorties d'analyses plus précises, destinées aux spécialistes comme aux amateurs.

La Provence est le pays des boutis, ces magnifiques travaux d'aiguille dont la tradition se perpétue depuis le Moyen Age. Au fil des siècles, les femmes ont porté à la perfection cet art du décor en relief, brodant les courtepointes, les jupons et le linge de maison de savants motifs de guirlandes, de pampres, de ramagés et de fleurs, inspirés des couleurs et des paysages de la région. Chefs-d'œuvre de minutie et d'imagination, ces travaux d'aiguille constituent aujourd'hui un héritage culturel auquel ce livre rend hommage.

L'auteur nous invite à voyager sur les traces du costume algérois, son histoire, ses fonctions dans la vie sociale et culturelle du pays.

Comportant les croquis minutieux d'une soixantaine de costumes, cet ouvrage offre un témoignage unique sur la culture et les traditions d'un Maroc aujourd'hui disparu.

Nicole Le Maux, collectionneuse, a réuni quelques 500 chapeaux, de 1780 à nos jours. Ces pièces authentiques lui ont permis une approche immédiate de l'évolution capricieuse des modes, et de l'ineffable savoir-faire modiste. Elles fournissent une grande partie de l'iconographie originale de cet ouvrage.

C'est une longue et passionnante histoire que l'auteur M.J. Bossan, conservateur du Musée international de la chaussure de Romans, conte avec vigueur et talent. Appuyant son analyse sur une iconographie choisie avec méthode, l'auteur donne à ces objets de tous les jours, des lettres de noblesse qui nous interpellent sur les modes et les valeurs de nos civilisations.