Après la chute de la monarchie puis sous l’impulsion de Napoléon les arts vont connaître entre 1795 et 1815 un renouveau. Les membres de la famille impériale, les maréchaux d’Empire, les bourgeois enrichis mettent en place un nouveau cadre de vie. Des architectes tels que Percier et Fontaine ou Berthault revisitent les styles de la Grèce, de Rome et de l’Egypte dans les décors. De très nombreuses commandes sont passées et les arts décoratifs remis à l’honneur à la demande de Napoléon : les soieries lyonnaises, les manufactures de porcelaine, de cristaux, de papiers peints, les ébénistes, orfèvres … La création et le savoir-faire français sont mis en avant et en pleine effervescence. L’auteur, Bernard Chevallier, conservateur des musées de Malmaison et Bois-Préau nous permet de découvrir toute la richesse de cette période de création. Le parcours se fait à la manière d’une visite : salle à manger, salon, chambre, salle de bains, cabinet de travail… Chaque meuble et chaque décor est restitué dans son contexte au moyen d’explications claires et de nombreuses reproductions invitant de lecteur à découvrir les décors d’Empire.

Cette publication coïncide avec l’exposition Francesca Galloway à Londres (6 juin – 14 juillet 2007). Dans un premier temps l’auteur retrace un historique de l’évolution de l’art textile au 20e siècle. Différentes périodes sont ainsi illustrées : art nouveau, art déco, modernisme britannique et la période après-guerre. Le catalogue de l’exposition réunit 105 notices explicatives chaque fois illustrées de photographies de grande qualité. Ouvrage qui permet de découvrir le travail sur textile d’artistes tels que Raoul Dufy, Henri Matisse et bien d’autres.

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Le but de ce livre est de faire découvrir le décor à travers les siècles, depuis l’Antiquité jusqu’à la deuxième moitié du XIXe siècle. Les nombreux documents reproduits montrent les différentes formes de décors dont on peut s’inspirer pour réaliser sa propre composition. Suivent des explications techniques pour la réalisation du ou des décors tels que la prise de mesures, la confection des rideaux, la coupe des décors, la suspension du décor et le métrage.
 

William Morris and the Arts and Crafts home est un magnifique ouvrage consacré au travail complet de Wiliam Morris et à ses idées. De très nombreuses reproductions permettent de bien aborder et comprendre le style du mouvement Arts and Crafts dans toute sa diversité et sa complémentarité : mobilier, textile, papier peint…

Attention nouvelle présentation. Oeuvres d'artisans artistes, puis d'industriels, les étoffes constituent l'une des constantes de toutes les civilisations, accompagnant toutes les activités, toutes les cérémonies. Cette étude rassemble tous les noms donnés aux étoffes ; des planches de tissus s'ajoutent à ses 2300 notices et à ses reproductions de tableaux et de scénes. E. Hardouin-Fugier est également l'auteur ou co-auteur aux Editions de l'amateur de : Les Peintres de la Nature Morte en France au XIX° - La peinture Lyonnaise au XIX° siècle - Dictionnaire des arts liturgiques - Dictionaire iconographique des Saints.

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Cet ouvrage raconte l'histoire singulière de la rencontre entre une célèbre couturière de l'entre-deux-guerres, Jeanne Lanvin, et un décorateur particulièrement recherché à cette époque, Armand Albert Rateau. De cette collaboration sont nés, entre 1920 et 1925, l'aménagement des boutiques Lanvin, les décors de l'hôtel de la couturière et de ses deux maisons de campagne, du théâtre Daunou ou encore l'étonnant pavillon de l'Élégance, conçu pour abriter les créations des plus illustres représentants de la haute couture lors de l'Exposition internationale des arts décoratifs de 1925. On découvre combien les univers des deux créateurs sont proches par leur attachement à un passé qu'ils réinterprètent avec une grande liberté. Aux précieuses broderies de l'une répondent les motifs sophistiqués de l'autre, élaborés dans un même monde où l'imaginaire tient la première place. Riche d'informations inédites, ce livre fait revivre l'extraordinaire élan créatif qui régnait, après la Première Guerre mondiale, dans le domaine de la décoration comme dans l'art en général. Son iconographie, provenant aussi bien d'archives privées ou publiques que d'une campagne photographique spécialement réalisée pour l'occasion, en fait aussi un très beau livre sur les plus fructueuses années de l'Art déco.

Le livre de référence anglais sur l'histoire des textiles en fin réédité. This classic book is the first comprehensive survey in colour of textile art and production worldwide, from prehistory to the present day. lt is both an authoritative work of reference and a visual delight, ranging from the Far East to the Americas and from Africa to Scandinavia, from Egyptian artefacts dating from 3000 BC to the most up-to-date modern craftwork and furnishings. The book opens with an expert guide to nine fundamental textile techniques, from rug weaving and tapestry to felt and bark cloth. Each is clearly explained, using line drawings and close-up colour details from actual textiles, to show how people from many different traditions have made and decorated cloth through the centuries. The breathtaking wealth of illustrations - drawn from major collections all over the world, many never published before - includes costumes, period interiors, archive photographs and a huge variety of fabrics, from the simplest hand-woven cloths to sumptuous brocades and exquisite embroidery.

Collectionneuse d’étoffes anciennes, Petrusse, d’origine néerlandaise, a créé sa maison en 1998. Elle s’inspire de son patrimoine, de la nature qui l’entoure, d’événements culturels comme certaines expositions pour créer chaque année deux collections d’étoles et de foulards, ainsi que des plaids et des objets de décoration.
L’ouvrage présente la créatrice, son équipe, ses boutiques, ainsi que plus de dix ans de créations : les matières, les techniques de tissage ou d’impression, les couleurs et les motifs ainsi que les thèmes qui l’inspirent. Ses collections sont présentées à travers un voyage en étoles, qui va de l’Égypte au Japon. Un chapitre est consacré aux pièces créées pour les musées avec qui l’artiste travaille régulièrement. Dernières en date : Olympia pour l’exposition Manet au Musée d’Orsay et Chenonceau pour le château du même nom.
Les photos qui illustrent le texte montrent les tissus en gros plans, le rendu des tissages, les dessins à l’intérieur des faux unis, les motifs traditionnels tels que la palmette, mais aussi le détail de certains motifs, comme si on s’approchait du tissu et qu’il bruissait entre nos doigts.
Monique Lévi-Strauss, collectionneuse elle-même, spécialiste des châles anciens et auteur de plusieurs livres sur le sujet, a écrit la préface de ce bel ouvrage qui s’adresse aux amateurs de tissus et de beaux livres.
 

A la fin du XVI° siècle, le textile occupe une place de tout premier plan dans la décoration intérieure des demeures princières et la broderie au petit point en soie et laine sur canevas connaît alors un véritable engouement. Caractéristiques du goût et de l'activité féminine à la fin du XVI° siècle, ces broderies apportent en outre un grand nombre d'informations sur le costume et le décor de l'époque. A partir des panneaux brodés conservés au musée de la Renaissance, à Ecouen, le catalogue de l'exposition retrace l'histoire de ces tissus et étudie leur iconographie.

Ouvrage abondamment illustré traitant des tableaux en broderies réalisés entre le 17e et le 19e siècle. La présentation se fait de manière thématique : iconographie religieuse, les sujets familiaux et de circonstance et enfin les scènes profanes. Cette publication permet de découvrir de très nombreuses pièces provenant de collections publiques et privées.

Cet ouvrage présente l’histoire complète des châles en cachemire, comment ils furent importés en Europe au 19° siècle et comment les modèles évoluèrent. Depuis les débuts sous le règne des empereurs Mongols au Cachemire, comment l’industrie continua sous le régime Afghan, avec l’explosion de nouveaux modèles pendant la période Sikh, jusqu’au déclin sous le règne des Rajahs Dogra. L’auteur montres l’importance des connections avec la France au 19° siècle et les échanges d’idées dues à une forte demande en Europe de produits orientaux et des rivaux Jacquard. Finalement la fin du siècle vit la disparition de cette mode. Les châles sont classifiés par période stylistique et un guide illustré présente les évolutions chronologiques du dessin. Ce livre permet de dater et de reconnaitre les châles grâce aux motifs floraux comme abstraits.

Dans ce livre documenté et richement illustré, le lecteur découvrira comment la dentelle d'Irlande au crochet a traversé la Manche et s'est développée sur le continent, notamment en Bretagne à la suite de la crise sardinière de 1902-1903. Des ateliers-ouvroirs d'autrefois aux dentellières bigoudènes d'aujourd'hui, ces pages retracent l'étonnante histoire d'une industrie devenue un art populaire de Bretagne.

TRESORS DE L'ART DENTELLIER fut édité pour la première fois en 1922 à Paris et Bruxelles par Carlier de Lantsheere qui s’est attaché à distinguer, répertorier et classer les différentes broderies. Découverte des broderies les plus anciennes aux plus prestigieuses. Toutes les techniques et tous les pays dentelliers sont visités et répertoriés avec leurs caractéristiques. TRESORS DE L'ART DENTELLIER est un inventaire des techniques et du savoir-faire dentellier français, italien et belge. Plus de 800 motifs sont ainsi répertoriés et décrits. 96 planches illustrent ces différentes productions, mettant en avant la créativité au fil des siècles et des villes.

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Châles, étoles, tuniques, sari, blouses, gilets, bonnets, sacs… sont savamment décorés en Inde ; Ils comportent des incrustations de coquillages, d’éclats de miroirs, de nacre… cette tradition se perpétue en Inde, au Sri Lanka, au Bangladesh et au Pakistan. Cet ouvrage abondamment illustré nous permet de découvrir à la fois les artisans, les techniques utilisées et les traditions.

La collection de textiles d'Asie rassemblée par Krishna Riboud a rejoint le musée national des arts asiatiques Guimet. Cet ouvrage présente certaines des plus belles pièces de cette collection autour d'un thème commun : l'union, par le tissage, de la soie et de l'or. Autour du catalogue de ces pièces, quatre essais proposent une synthèse historique pour chacun des grands domaines géographiques représentés.

Cet ouvrage plonge le lecteur dans plus de trois siècles de tissage de soieries lyonnaises d’exception. La manufacture Tassinari et Chatel est le fruit d’une lignée quasi dynastique. Les familles Pernon, Grand, Tassinari, Chatel et maintenant Lelièvre ont développé et perpétué un savoir-faire unique pour réaliser des étoffes plus belles les unes que les autres, dans un style toujours en évolution, avec l’appui de dessinateurs ou de décorateurs talentueux.
Dès le XVIIIe siècle, la manufacture Camille Pernon connaît un développement exceptionnel auprès de toutes les cours d’Europe. Au XIXe, elle est le premier fournisseur de Napoléon Ier. Le style Empire trouve naissance sur ses métiers à tisser. La culture française s’exporte à travers le monde, la clientèle se développe avec les grands industriels et les riches banquiers. Au XXe siècle, la Haute Couture trouve le chemin de la Manufacture et la décoration contemporaine se développe avec les styles Art nouveau et Art-Déco. Au XXIe son savoir-faire attire toujours les grands créateurs Avec la Loi programme, l’ère des grandes restaurations démarrent afin de restituer et redécorer les palais français et étrangers.
Aujourd’hui Tassinari et Chatel tisse pour les amoureux de tissus raffinés. La subtile juxtaposition de tradition et de modernité, d’exigence et d’audace, d’innovation et de respect, assure le succès et la renommée de Tassinari et Chatel depuis 1680.
 

Laine, coton, soie, raphia, écorces : une très grande variété de supports laissant place à la créativité des artisans. Décor géométriques, motifs stylisés évoquant notamment pour certains des bribes de récits historiques ou mythiques. Cet ouvrage abondamment illustré présente une très grande variété de tissus et accessoires utilisés au quotidien ou lors de cérémonies. Les auteurs donnent des repères historiques et mettent en lumière la richesse symbolique de ce patrimoine.

Le textile a toujours tenu une place prépondérante en Égypte. A l’époque pharaonique, déjà, les fines étoffes de lin étaient réputées dans l'ensemble du bassin méditerranéen. L'arrivée des Grecs, puis des Romains et l'introduction du christianisme enfin, n'ont pas interrompu, bien au contraire, le savoir-faire des tisserands de la vallée du Nil. Tout en perpétuant la tradition, qui offrait de nombreux usages aux tissus, comme vêtement, accessoire de costume ou tenture, coussins et couvertures, les artisans coptes ont varié les techniques et les matériaux pour développer des décors géométriques, végétaux, mythologiques et même chrétiens.
Au VII° siècle, l'invasion arabe de l'Égypte et l'arrivée de l'Islam enrichirent encore le répertoire décoratif des tisserands, tout en diversifiant les usages. Les turbans rehaussés de soie et fils d'or, les tapis de califes et de leur entourage étaient réalisés dans des ateliers dont la renommée atteignait même l'Occident.
Cet ouvrage nous invite à parcourir presque 5 000 ans d'art textile égyptien.
 

Objets trésors, trésors cachés, sujets de passion, de désirs, de jalousies, mais aussi travaux opiniâtres, exposés, copiés, vendus, le tîfaifai n'est pas seulement une couverture légère faite de deux épaisseurs de tissu de coton cousues à la main ou à la machine mais une partie indissociable de l'art, du décor et de la vie polynésienne.
Le tîfaifai d'aujourd'hui est un art métis, syncrétique, apporté par les femmes de missionnaires et apprivoisé par les Polynésiennes, lié à une histoire relativement récente son introduction date d'environ 200 ans. Il est la version polynésienne d'un ouvrage nommé patchwork dans le monde. Les tîfaifai diffèrent par leur partie supérieure. Pour le modèle « mosaïque », tîfaifai pû en Polynésie ou encore ‘iripitià Rurutu, elle est constituée de nombreux petits morceaux de tissu de couleurs différentes, coupés de manière géométrique, soigneusement et artistiquement cousus ensemble. Pour « l'appliqué » ou « l'applique », tîfaifai pà'oti ou tîfaifai tapin, le ou les dessins généralement figuratifs, représentant surtout la flore sont coupés dans un morceau de tissu d'une ou de plusieurs couleurs et cousus sur le drap uni d'une autre couleur. Cet ouvrage sur le tîfaifai est le premier qui aborde ce sujet de façon aussi approfondie et s'y consacre entièrement sans pour autant prétendre à l'exhaustivité. C'est avant tout et surtout un livre issu de nombreuses rencontres avec les tifaifaiseuses. Elles ont accepté de se raconter, ont confié leurs souvenirs, leurs échecs, leurs déceptions comme leurs bonheurs, leurs fiertés. À travers ces échanges, en dépliant des tîfaifai, en touchant des tissus, en admirant des motifs, environnées de couleurs et de formes stylisées, nous avons approché un aspect de la société polynésienne qui touche au coeur de sa culture.
 

Le cuir est omniprésent, à toutes les époques et dans toutes les civilisations. Paradoxalement, le cuir est une matière aussi peu connue qu'universelle : son histoire reste à faire, tant sur le plan archéologique et ethnologique, qu'artistique et symbolique. Dans cet ouvrage, Eva Halasz Csiba explore la mémoire de cette ' peau ', si peu étudiée et nous emmène au cœur de ces lieux secrets que sont les tanneries où, grâce à l'alchimie de la transformation, une matière malodorante, chargée du tabou de la mort, se métamorphose en un matériau civilisé — ce cuir qui nous touche de si près tant il mobilise tous nos sens.

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Par caprice de l'histoire ou peut-être fil secret et malicieux du destin, la bibliothèque Forney ouvre ses portes le 1er mars 1886 à l'emplacement de la manufacture de papiers peints de Réveillon. Depuis, la bibliothèque ne cesse de s'enrichir de dessins originaux, d'albums d'étoffes, de tissus, broderies, dentelles, de papiers, et rassemble aujourd'hui une des trois plus importantes collections de papiers peints en France. Ce livre propose un merveilleux florilège parmi ces trésors et retrace, à travers plus de deux cent cinquante photographies, l'évolution des motifs de 1760 jusqu'aux années 1960.

Nearly four hundred textiles from East and West are reproduced in full color in this handbook of the Philadelphia Museum of Art's encyclopedic collections, which cover a broad range of geographic areas, periods, and techniques. Europe and the Americas are represented by woven textiles, printed textiles, embroidery, lace, samplers, and quilts and coverlets, while other sections illustrate the textile arts of the Mediterranean and Middle East as well as India, Southeast Asia, China, and Japan. Examples of twentieth-century international design complete this in-depth survey of the some ten thousand textiles in the museum. Each chapter is introduced by a brief history of that particular aspect of the museum's collections, placing it within the context of textile scholarship and collecting in the United States and Europe.

A partir des chefs d'œuvre qui en témoignent encore dans les musées et les palais officiels de par le monde, l'auteur retrace la merveilleuse histoire des étoffes, depuis les premiers tissages néolithiques jusqu'aux étoffes actuelles.

Retirés exceptionnellement des meubles de sacristie où ils semblaient définitivement rangés depuis le concile Vatican II, voici de magnifiques habits liturgiques présentés pour la première fois. Ces pièces chatoyantes et soyeuses témoignent de la manière dont les paroisses, des plus riches aux plus modestes, ont su se doter, à Toulouse, aux XVII° et XVII° siècles de parures luxueuses et raffinées. Ces chapes, chasubles, dalmatiques, étoles et manipules, par leur luxe et leur qualité, sont les marques d'un artisanat de luxe digne de la haute couture.

L’histoire du Tarn à été marquée par la présence d’un catholicisme fortement implanté. On en connaît la plupart de ses représentations : églises, statues, tableaux, orfèvrerie... Un pan de cet art religieux reste cependant méconnu, celui des textiles sacrés, des ornements liturgiques : chasubles, chapes, dalmatiques, étoles.. autant de vêtements dont on a le plus souvent aujourd'hui oublié la signification, mais aussi la beauté et la qualité. Cet ouvrage offre un éclairage sur cette étonnante production d'étoffes sacrées du XVIIe siècle à nos jours, aux formes et décors si variés. Il s'attache à révéler des pièces peu connues, en donnant les clefs de leur utilisation, de leur fabrication mais aussi en dévoilant la complexité et la richesse des tissus qui les composent Il montre également la diversité des sources qui permettent d'écrire l'histoire de ces textiles sacrés. Depuis le haut Moyen-âge, les archives, notamment les manuscrits, renferment des mentions liturgiques concernant les ornements et des représentations de clercs en habits sacerdotaux, ainsi que des correspondances commerciales et des inventaires. À travers ce livre, ce sont près d'une cinquantaine de pièce de tissus que l'on peut découvrir, avec un regard particulier sur les œuvres brodées et sur la collection de l'ancienne cathédral de Castres qui constitue un ensemble particulièrement riche et original.

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Cet ouvrage montre l'aspect historique des abécédaires, depuis les modèles à point compté du XVI° siècle, jusqu'aux albums populaires de broderie du XIX° siècle. Il répertorie les techiques de production, de reproduction et de diffusion européenne et établit un parallèle entre l'évolution des modèles, des ouvrages et l'éducation des filles.

C'est l'histoire de la mode et de l'industrie châlières au XIX° siècle, et tout particulièrement en France, que raconte Monique Lévi-Strauss dans ce livre illustré de plus de 170 planches en couleurs (peintures, gravures, projets, dessins et châles). La richesse des annexes (où l'on trouvera les marques, les techniques, les prix hier et aujourd'hui, les moyens de datation, un glossaire et une bibliographie, ainsi que des textes anciens) fait de ce magnifique album un ouvrage de référence. La jaquette de tous les livres présente un léger défaut de pelliculage.

Une mode qui a duré plus de quatre siècles, touché les hommes comme les femmes, qui conserve intact son mystère et éveille aujourd'hui encore les mêmes désirs. Anne Kraatz retrace ici l'histoire de la dentelle, ses richesses techniques et esthétiques dans un livre de savoir et de beauté.

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La collection du Musée national de la Renaissance est une collection de référence. Certaines pièces provenant à l'origine du Musée de Cluny où elles furent longtemps exposées, sont célèbres et ont été copiées dans le monde entier : d'autres sont plus modestes. Ensemble, elles constituent un éventail remarquablement complet de la production des trois grands pays dentelliers l'Italie, la France, la Belgique, des dernières années du XVI° siècle à nos jours. Ce catalogue est le premier ouvrage sur ce sujet en France. Il comporte 190 notices décrivant et analysant en détail les dentelles de la collection du musée, ainsi qu'une introduction expliquant le parti méthodologique pris par l'auteur. With English-language introduction and summary.

Plus de trois siècles de triomphe et de gloire ! La dentelle, dès le XVI° siècle, pare et fascine les plus grands personnages. Elle se pose sur les revers de botte d'un maréchal de France, la pourpre cardinalice, la chérusque d'une reine, le col ou le jabot d'un prince, mais aussi plus tard sur la coiffe d'une bourgeoise ou d'une fermière. Ces véritables chefs-d'oeuvre, ces ' crachats du diable ' comme les appelaient certains, ont coûté des milliers d'heures de travail aux dentellières qui sacrifièrent souvent leurs yeux, parfois leur vie pour cet art de précision. La dentelle valait alors une véritable fortune et remplaçait souvent les bijoux. Elle fut d'or, d'argent, noire, surtout blanche. Voici ses noms : Venise ! Gênes ! Milan ! Alençon ! Chantilly ! Sedan ! Le Puy ! Bayeux ! Bruxelles ! Malines ! Bruges ! et tant et tant d'autres... Les portraits sont là, marquant à jamais la présence de cette invention légère dans sa finesse et sa rigueur. Rubens, Rembrandt, Le Greco, Boucher reproduisaient à la perfection les détails des dentelles à l'aiguille et au fuseau. Il suffit d'admirer pour cela l'entre-deux porté par Marie de Médicis avec ses initiales et celles d'Henri IV, son époux. Cet ouvrage réunit l'iconographie d'un album, un texte vivant parfaitement documenté et des nouvelles historiques qui recréent l'atmosphère des pays et des époques évoqués. Il est aussi un guide pratique pour ceux qui, conquis par la dentelle, veulent savoir ce qu'il en est aujourd'hui de cet art, où on le pratique et l'enseigne à nouveau.

Les soies ikatées tissées en Asie centrale au XIX° siècle demeurent inégalées. Cet ouvrage est l'aboutissement de vingt années de recherches effectuées sur le terrain par les deux auteurs ; c'est aussi le résultat d'une étude minutieuse, celle de l'extraordinaire collections d'ikats d'Asie centrale que possède Guido Goldman.

Ce livre remarquable est à la fois la seule étude importante faite sur les kilims depuis dix ans et le premier travail réalisé sur les kilims d'Anatolie proprement dit. Il est basé sur la Collection Caroline et H. McCoy Jones, maintenant aux Fine Arts Muséums de San Francisco, généralement reconnue comme la plus belle de ce genre au monde. Ses 110 kilims, la plupart datant d'avant le XVIII' siècle, comprennent les plus anciens et les plus remarquables exemples des types de motifs particuliers aux kilims dont certains, de qualité incomparable, n'ont jamais été représentés. Cet ouvrage présente un essai important de Cathryn M. Cootner, conservateur-en-chef du département textile des Fine Arts Muséums de San Francisco, qui offre une excellente introduction à l'art du tissage à plat qui a fait la renommée des tapis d'Orient. Avec l'appui de nombreux croquis, l'auteur nous fait découvrir la richesse et la variété des motifs, l'habileté et l'esprit d'invention extraordinaire des tisserandes nomades ou villageoises d'Anatolie. Elle développe également une hypothèse selon laquelle les origines de certains motifs de kilims peuvent être trouvées dans la vannerie néolithique. Par son texte qui fera autorité et par les reproductions luxueuses (chaque kilim est reproduit en couleur et verni), cet ouvrage fascinera pendant des années à venir tous ceux qui sont intéressés par l'art du tapis d'Orient en général, et sera le livre de référence sur les anciens kilims d'Anatolie.

Bold, distinctive patterns; brilliant colours; diverse decoration; afford ability. These are some of the characteristics that explain why the marvellous flatwoven textiles known as kilims have become so popular in the West. In recent years, demand for them has reached unprecedented levels, fuelled by a new recognition of the special qualities of handmade ethnic craft. Kilim: The Complete Guide is a comprehensive survey of the field, unravelling the complex questions surrounding the origins and history of these unique flatweaves and their makers. Hundreds of illustrations, many in colour and many specially taken, offer a remarkable blend of information and the dazzling visual allure for which kilims are famous. A detailed account of techniques – embracing materials, dyes, tools, kilim structures and weaving – is followed by a systematic analysis of motifs and symbolism. Here, the complex relationship between Islam and the animistic or shamanistic traditions that preceded it is explored, but so too are the many pitfalls that await any researcher who does not take into account the lore of the bazaar or the marketplace. The core of the book is devoted to the specific characteristics of region, tribe and kilim type. Four major sections using much original research document kilims from the North African countries of Morocco, Algeria and Tunisia; the enormously important kilims of Anatolia; the riches of Persia and the Caucasus; and the creations of the Afghan and Central Asian nomads.

Cet ouvrage de très grande qualité présente l'extraordinaire collection Himavati de saris d'Inde et de châles du Cachemire du Musée d'Ethnographie de Genève.

C'est sous un angle de vue parisien que les auteurs se proposent d'aborder l'histoire d'une grande maison lyonnaise, la manufacture d'étoffes pour ameublement Prelle & Cie. Des grâces du XVIII° siècle aux lignes savantes du XX° siècle, en passant par la somptuosité déployée par le XIX° siècle, 250 pièces pour 250 années d'existence révèlent le talent conjugué des dessinateurs, tisseurs et fabricants qui oeuvrèrent et oeuvrent encore aux plus beaux ornements du décor intérieur.

Exposition figurant la production de rubans de soie tissée représentant des portraits, des paysages, etc. Etudie ces images de soie produites, à partir des années 1830 à Lyon et à Saint-Etienne, sur des métiers à tisser de type Jacquard ou commandés par ordinateur aujourd'hui, ainsi que la technique de mise en carte de modèles à reproduire.

Sous le Premier Empire, l'art des soies tissées et brodées atteint son apogée. Soutenu par Bonaparte, l'art de la soierie se développe dans la décoration intérieure, depuis les meubles jusqu'aux papiers peints et aux tableaux tissés. Le costume n'est pas en reste avec les habits et gilets brodés des hommes et surtout les robes des femmes.

Le musée national du Moyen Âge à Paris abrite une collection exceptionnelle de soieries médiévales. Complétée par quelques autres textiles, elle permet de retracer l'histoire de ces fabrications, de la Chine à l'Espagne, sur une période qui s'étend depuis la fin de l'Antiquité jusqu'au XVI° siècle.

Un panorama historique et géographique des étoffes africaines : techniques mises en œuvre pour leur confection, utilisation spécifique des tissus, étude des différents styles, des matériaux, de la symbolique liée à ces tissus.

Cet ouvrage propose la première présentation complète et illustrée de centaines de photographies et dessins en couleurs des différents tissus artisanaux et techniques traditionnelles du continent africain.

Dans le sol d'Egypte, les tissus se sont conservés d'une manière exceptionnelle, et pratiquement tous les tissus, sauf quelques vestiges très détériorés retrouvés dans les monastères, ont été exhumés des nécropoles (tuniques, linceuls, tentures, châles, manteaux, filets de tête, coussins, chassettes, ceintures). Cet ouvrage, le seul disponible sur le sujet, étudie les tissus coptes du point de vue historique, esthétique et technique, et présente des pièces des collections du monde entier.

Cet ouvrage, dirigé par le collectionneur Arnaud Maurières et l'Ethnologue Philippe Chambon, présente pour la première fois une sélection de pièces textiles représentatives des savoir-faire et des échanges commerciaux yéménites. L'utilisation de ces vêtements est évoquée grâce à une riche iconographie qui invite le lecteur a un véritable voyage au Yémen sur la route colorée de ses textiles.

Dans le présent volume de la collection Textures, l'auteur s'est fixé pour tâche de replacer le velours dans son contexte historique et économique du XV° siècle à nos jours, d'en retracer les développements techniques, enfin d'évoquer par l'image comme par les mots les pièces dont le style est le plus réprésentatif ou le plus achevé et qui figurent incontestablement au premier rang de ce que l'on a appelé les tissus d'art.

Ouvrage abondamment illustré et réalisé par deux spécialistes qui permet de faire le point sur cette technique.