Le livre de Martina Haja et de Günther Wimmer vient combler une lacune et offre, pour la première fois, une vue d'ensemble de ce domaine complexe et multiforme que représente la peinture orientaliste allemande et autrichienne au XIX° siècle. L'ouvrage que nous avons entre les mains, portant sur plus de 70 peintres voyageurs allemands, austro- hongrois et suisses, nous donne une idée de la richesse, des singularités et des contradictions de la peinture orientaliste des pays de langue allemande.

Cet ouvrage est consacré aux artistes américains qui, entre 1843 et 1922, se rendirent au Proche-Orient, ainsi qu'en Afrique du Nord, et peignirent ce qu'ils y découvrirent. E. Lord Weeks et F. Bridgman en sont les plus connus, mais l'on ne saurait oublier B.Bacon, S. Colman, S. Gifford, W. Gould etc..., qui, durant toute leur vie, eurent notamment pour spécialité les compositions orientalistes. En cherchant à exposer leurs biographies, leurs activités et leurs voyages, l'auteur s'est efforcé de les laisser parler eux-mêmes, de les laisser relater leurs aventures et commenter leurs objectifs, en citant abondamment, lorsque c'était possible, leur correspondance, leurs journeaux de voyage etc...

En 3 volumes livrés dans une valise en plastique. Ce projet est né et s'est développé dans le temps, le temps de l'oeuvre, qui est celui de l'auteur, entrecroisé avec celui des oeuvres et le destin des figures rencontrées. Des choix, des circonstances, des bonheurs de rencontres expliquent le tracé du livre. Les artistes de ce projet se revendiquent de la ' Nouvelle Abstraction ', du ' hard-edge ', d'une ' nouvelle picturalité ', du ' structurisme ', d'une aventure poétique autour du concept de ' quatrième dimension ' (' Park Place '). Le titre de cet ouvrage est emprunté à Toward a New Abstraction, catalogue d'une exposition organisée par Ben Heller en mai-septembre 1963, au Jewish Museum de New York, qui regroupait quelques figures telles que Frank Stella, Paul Brach, Kenneth Noland, Raymond Parker. Le thème de cet essai est de relier par l'esprit les artistes élus dans un courant de ' Nouvelle Abstraction ', par opposition aux autres mouvements déterminant I'' esprit du temps ', tels par exemple le minimalisme naissant et le Pop Art.

Au XIXe siècle, Paris était le centre du monde de l'art. Surtout après les années 1860, il exerça son magnétisme sur les étudiants en art et les artistes américains, qui envahirent les ateliers de peintres comme Gérôme et Bouguereau, aspirant à exposer au Salon annuel et contemplant le déploiement de l'impressionnisme avec une fascination parfois mêlée d'horreur. Rares furent les artistes américains qui restèrent indifférents à l'effervescence parisienne, et même ceux qui choisirent de ne pas faire leurs études dans la capitale française cherchèrent souvent la confirmation de leur talent auprès du public français. Ce superbe ouvrage, qui rassemble des œuvres iconiques signées Sargent, Whistler, Mary Cassatt et Winslow Homer, rend également justice à des peintres peu connus en dehors des États-Unis. Il évoque le rôle des artistes américains à Paris, depuis le Salon des Refusés, en 1863, jusqu'à l'émergence d'un style pictural typiquement américain. Dans leurs essais abondamment illustrés, Kathleen Adler, Erica E. Hirshler et H. Barbara Weinberg se penchent sur plus de 200 tableaux de l'exposition. Elles étudient les raisons de l'attirance des artistes pour Paris et s'interrogent sur leurs réactions et ce qu'ils ont retenu de leur expérience. Des textes plus courts, dus à David Park Curry, Rodolphe Rapetti et Christopher Riopelle, sont centrés sur les Expositions universelles de Paris, l'attitude des Français face aux visiteurs d'Outre-Atlantique et la participation des artistes américains à la constitution des collections américaines de peinture française moderne. Les essais sont suivis d'une biographie de chaque artiste et d'une liste illustrée et commentée des œuvres.

Le point commun entre les artistes dont il est question dans ce livre est qu'ils se sont tous, à un moment ou à un autre, rendus au Proche-Orient ou en Afrique du Nord et qu'ils ont peint à partir des expériences tirées de ces voyages. L''Orient' en question couvre une aire géographique qui s'étend des Balkans sous administration ottomane à tout le Maghreb, jusqu'à Marrakech, en passant par la Turquie proprement dite, la Syrie, le Liban et la Palestine, l'Egypte, Sinaï compris, et la vallée du Nil jusqu'au Soudan. Pour tous, cette 'couverture' de l'Orient s'est effectuée principalement au XIX° siècle, entre l'expédition en Egypte de Bonaparte et la Première Guerre Mondiale.

Plus de 2000 artistes peintres britanniques appartenant à toutes les nations qui au cours des XIX° ET XX° siècles, ont fait partie de l'empire. Avec près de 14 000 œuvres exposées aux principaux Salons parisiens des origines à 1939, le dictionnaire de Béatrice Crespon-Halotier restitue à l'Empire britannique sa vraie place dans l'histoire de l'art français et européen. Proposé sous forme papier et sous forme de cédérom lisible par tous les programmes de traitement de texte couramment employés, ce dernier outil permettra l'indexation et une exploitation aisée et pratique des informations qu'il contient.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Dictionnaire des artistes de Grande-Bretagne couvrant la période de 1880 à 1940. Ces 41 000 artistes sont répertoriés avec leurs dates de naissance et de décès (si elles sont connues), les années de leurs expositions et leurs adresses.

Incarnation de l'héroïne romantique au destin tragique, Marie Stuart est aussi un personnage historique clef de l'histoire de l'Europe au XVI° siècle. Fille de Jacques d'Écosse et de Marie de Guise, elle est couronnée reine d'Écosse à peine âgée de quelques mois et doit se réfugier en France pour échapper aux appétits anglais. Élevée avec les enfants d'Henri II et de Catherine de Médicis, elle reçoit une éducation princière, acquérant une renommée de culture et de beauté qui rayonne encore dans les pages de La Princesse de Clèves de Madame de Lafayette. Les auteurs proposent ici de mieux appréhender la personnalité, les goûts et la manière d'être de la jeune reine d'Écosse à la cour de France. L'analyse de sa physionomie, diffusée à travers l'Europe par de nombreux portraits et célébrée par les poètes, révèle un caractère affirmé, également conscient de ses obligations familiales et de son rôle sur l'échiquier politique. Reine de France durant quelques mois, Marie Stuart repart pour l'Écosse et connaît un sort funeste particulièrement illustré par l'art du XIX° siècle. Catalogue accompagnat l'exposition présntée au Musée national de la Renaissance - château d'Ecouen, Musée Condé, château de Chantilly (octobre 2008 - 2 février 2009).

Catalogue de l’exposition présentée successivement à Londres (Tate Britain), Paris (Grand Palais) et Madrid (Musée du Prado). Etude permettant de découvrir ou redécouvrir l’œuvre de Turner et notamment son approche de la lumière et du paysage. La grande richesse de l’exposition est de confronter l’œuvre des ' maîtres anciens ' à l’œuvre de Turner. Cette publication met en avant l’apport de Turner à la peinture classique.

Brian Stewart et Mervyn Cutten offrent un dictionnaire des peintres portraitistes en Angleterre du 16e siècle à 1920. Les historiens d’art trouveront répertoriés dans cet ouvrage tous les peintres portraitistes actifs en Angleterre durant cette période. Pour chaque artiste Brian Stewart et Mervyn Cutten donnent les informations qu’ils ont pu trouver dans les documents d’archives. Le livre comprend quelques reproductions permettant de mettre en avant certains portraitistes.

Premier catalogue complet de l’exceptionnelle collection de miniatures de la reine Victoria qui rassemble plus de 1100 pièces, produites entre 1837 et 1901. Si la mode de la miniature a connu son apogée autour de 1850, la pratique a perduré tout au long du XIXe siècle et la souveraine britannique a toujours eu un gout insatiable pour ces petits portraits. This fully illustrated catalogue is the first major study of portrait miniatures from the Victorian era and includes more than 1000 miniatures dating from 1837 to 1901 in the Royal Collection. It follows the two earlier volumes in the catalogue raisonné of portrait miniatures in the Royal Collection dealing with Tudor, Stuart and Georgian miniatures. Drawing extensively on unpublished material from the Royal Archives, including Queen Victoria's journal and correspondence, and surviving inventories and accounts, the catalogue entries furnish details of each miniature; the biographies which accompany each section provide new information on the lives of many Victorian miniaturists. Queen Victoria was an avid collector of portrait miniatures. She not only appreciated the traditional function of the miniature as a treasured, private token of love, affection and loss within the close family, but also distributed miniatures as gifts to favoured courtiers and to foreign rulers. The role which this diminutive art form played at Queen Victoria's court is discussed in the Introduction to the catalogue, which sets the Victorian miniature in context and describes its survival as an art form in the face of competition from the fledgling art of photography.

The Dictionary now appears in two volumes, each complementary to one another yet entirely independent works depending on the particular interest of the reader. This volume opens with a scholarly survey of Victorian painting in which the author discusses the development and characteristics of Victorian painting, setting it within the context of the time. This fascinating survey ranges over the early years of Victoria's reign and the vogue for literary genre, social realist and fairy paintings; analyses the brief life of the Pre-Raphaelite Brotherhood in the 1850s and its enormous and far-reaching influence for virtually the rest of the century; discusses the various artistic movements - aesthetic, classical, romantic - and the 'giants' who created and contributed to them; and discusses the depiction of social ills and the idealised life of the cottager during a period of rapid change and readjustment.

Dès 1830, l’Algérie fascine les artistes par la beauté de ses paysages et la diversité de ses populations. Les premiers orientalistes viennent y chercher de nouveaux motifs et y trouvent l’incomparable lumière de l’Afrique du Nord. Ils sont suivis par plusieurs générations d’artistes, qui perpétuent la même quête, jusqu’aux derniers pensionnaires de la villa Abd-el-Tif, dont les portes ferment en 1962. Mais l’histoire des beaux-arts en Algérie ne se résume pas aux seuls voyages de ces orientalistes. Vers la fin du xixe siècle, une vie artistique, avec ses salons, ses écoles, s’organise et se développe sur place. Méconnue, elle n’en est pas moins remarquable.

Il était donc indispensable qu’un ouvrage présente pour la première fois tous les artistes de l’Algérie pendant son histoire commune avec la France, ainsi qu’une iconographie de leurs œuvres. Source documentaire pour les uns, album du souvenir pour les autres, ce livre permet à tous de retrouver l’atmosphère et la lumière d’un pays qui a tant inspiré les artistes.

Il s'agit de la deuxième édition revue et corrigée et dont les illustrations sont cette fois toutes en couleurs.

 

Le présent catalogue est publié à l'occasion de l'exposition La Belgique Dévoilée, de l'impressionnisme à l'expressionnisme, conçue par la Fondation de l'Hermitage à Lausanne, et présentée du 25 janvier au 28 mai 2007.

Il est généralement admis que l'Orientalisme est la représentation que l'Occident se fait de l'Orient depuis les débuts du XIX° siècle. L'environnement historique propre à chaque pays conditionne ce mode de représentation et, en cela, l'Orientalisme espagnol se distingue des autres en raison des relations particulières de la péninsule Ibérique avec l'Orient. En effet une grande partie de son territoire, qu'on appela Al Andalus, participa longuement et intensément aux avatars historiques et culturels du monde oriental, et d'une manière générale à la culture arabo-islamique. Cet ouvrage se propose de présenter un vaste répertoire d'oeuvres et de biographies de peintres orientalistes espagnols pour faire mieux connaître cet aspect intéressant et assez ignoré de la peinture espagnole.

Catalogue raisonné des peintures de l'école Espagnole du XV° au XIX° siècles du musée de Grenoble.

Peu représentée dans les premières collections des rois de France, la peinture espagnole a trouvé sa place au Louvre à la fin du XVIIIe siècle. L'épopée napoléonienne a contribué à susciter un intérêt croissant pour cet art empreint de grandeur et de mysticisme. Aujourd'hui, le Louvre est riche de plus d'une centaine de tableaux peints dans la péninsule Ibérique depuis l'époque gothique jusqu'à Goya. Le catalogue propose une analyse approfondie de chacune de ces oeuvres qui composent une histoire de la peinture au-delà des Pyrénées. Cet ouvrage s'inscrit dans la série des catalogues raisonnés des peintures du musée du Louvre.

En mars 2006, le musée Calvet d'Avignon inaugure une importante exposition consacrée à la peinture des écoles du Nord: flamande, hollandaise et allemande. Ce catalogue raisonné est publié à cette occasion. Toutes les œuvres conservées dans la collection, y sont répertoriées reproduites, analysées et commentées. Replacées par les auteurs de l'ouvrage dans le contexte de la production des anciens Pays-Bas (le Bénélux actuel) et de l'Allemagne, ces œuvres trouvent désormais leur juste place au sein de la riche mais encore méconnue, collection du musée Calvet.

L'ensemble des 213 peintures flamandes et hollandaises du musée des Beaux-Arts de Strasbourg (XV°-XVIII° siècle), une des plus prestigieuses conservées dans un musée français, comporte en particulier les œuvres de Memling, Lucas de Leyde, Kalf, Ruisdael, Witte, Rubens, Van Dyck, Jordaens ou Sweerts. S'appuyant sur les recherches les plus récentes, cet ouvrage présente l'histoire franco-allemande de la constitution de ce fonds, de 1890 à nos jours, et propose pour chaque œuvre une notice détaillée.

L'exposition Maîtres flamands et vénitiens (Palais des Beaux-Arts de Bruxelles) réunit une cinquantaine d'oeuvres issues de la collection de l'Accademia Carrara de Bergame, seize pièces maîtresses provenant du Musée Royal des Beaux-Arts d'Anvers, ainsi qu'un chef-d'oeuvre exceptionnel de Lorenzo Lotto de l'église de Sant'Alessandro in Colonna à Bergame. Ce choix permet de parcourir quatre siècles de peinture européenne et de révéler la réciprocité des influences entre Anvers et Venise. Le présent catalogue propose un parcours chronologique du XVe au XVIIIe siècle : quatre chapitres pour quatre siècles, à travers quatre angles, à savoir le portrait au Quattrocento, les paysages et la dévotion au Cinquecento, le sacré et le profane au Seicento et les vues panoramiques au Settecento. Nous voyons ainsi Pisanello confronté à un autre maître tel que Rogier van der Weyden, ou encore Giovanni Bellini à Jan van Eyck, qui par ailleurs enchante les collègues vénitiens par son attention au détail. Les Vénitiens s'émancipent au cours du siècle suivant de la technique des Primitifs flamands, voyant Titien, le Tintoret et Véronèse faire exploser la couleur. Rubens déteindra quant à lui sur Tiepolo et enfin, au XVIIIe siècle, les vues de Canaletto capturent une Venise sur son déclin, tandis que les scènes pittoresques de Guardi rappellent la démesure de Jordaens. Si d'autres régions d'Italie ont pu nouer de tels liens avec ces écoles du Nord, seule Venise pouvait se vanter de points de contacts aussi nombreux que réguliers et sur une période aussi longue.

Cette exposition inaugurale du musée départemental de Flandre, qui développe une thématique inédite et audacieuse, rassemble des chefs-d'oeuvre de la peinture flamande des XVIe et XVIIe siècles. Non seulement des grands musées internationaux, à l'instar du Kunsthistorisches Museum de Vienne avec ce prodigieux tableau de Bartholomeus Spranger (1546-1611), Mars et Vénus mis en garde par Mercure, mais aussi des collectionneurs privés ont consenti à des prêts exceptionnels. Des oeuvres inédites, conservées à l'abri des regards chez des passionnés d'art flamand, sont, pour la première fois, révélées au grand public. Ainsi cette Allégorie de la Musique de Jan Sanders Van Hemessen (ca. 1500-1556) est surprenante par la représentation innovante de cette femme nue assise sur son lit. Par le prisme de trois thématiques, le musée départemental de Flandre propose de découvrir la diversité des représentations du corps féminin dans la peinture flamande des XVIe et XVIIe siècles avec cette constance : révéler la sensualité de la femme.

Les peintres de l'école hollandaise ont exercé une influence considérable sur l'évolution de l'art réaliste mondial. Dans leurs oeuvres, l'intérêt accordé à la réalité environnante et la pénétration du monde intérieur de l'homme s'allient à une maîtrise d'exécution parfaite. La collection de peinture hollandaise conservée en Union Soviétique est l'une des plus grandes au monde et se distingue par la variété et le choix excellent de ses pièces. On y trouve des créations de Rembrandt, Terborch, Kalf, Van Gogh, Van Dongen, ainsi que de nombreux travaux de peintres moins connus. L'album illustre l'évolution de la peinture hollandaise pendant cinq cents ans, depuis le XVe siècle. L'oeuvre des artistes du XVII siècle, qui est considéré comme le siècle d'or de la peinture hollandaise, est particulièrement bien représentée. Nombre de tableaux sont reproduits ici pour la première fois. L'article d'introduction de Youri Kouznetsov est consacré à l'histoire de la collection et en révèle les qualités. Les commentaires accompagnant les reproductions contiennent des notices biographiques et des données précises sur les oeuvres reproduites; ils sont dus à Irina Linnik, spécialiste en art d'Europe occidentale.

Pris dans le tourbillon de l'Histoire, les artistes italiens de la première moitié du XXe siècle sont entrés dans la modernité en aventuriers de l'avenir, emplis d'une immense ambition pour l'art, pénétrés de son importance vitale au sein de ce monde naissant. Chacun à sa manière, ils ont pris parti, en se faisant les chantres du progrès comme les futuristes Balla, Boccioni, ou encore Carrà, qui finalement prôna un retour à l'art classique pour conjurer l'anxiété qui accompagnait ces mutations. Ils ont mis à l'épreuve les nouvelles formes artistiques qu'on voyait éclore en France et dans toute l'Europe. Ils se sont interrogés sans fin sur l'énigme du monde comme Chirico, ou bien encore se sont retirés dans une austère solitude spirituelle comme Morandi. Les recherches des plus jeunes d'entre eux, comme Fontana ou Burri, nous ont accompagnés jusqu'à nos jours, et ont ouvert les portes aux courants contemporains. À la suite de l'introduction générale de Gabriella Belli, qui offre un panorama de ces mouvements si variés et si véhéments, le catalogue présente les reproductions et les commentaires de presque cent vingt œuvres, souvent encore très mal connues en France, et l'ouvrage s'achève sur les biographies détaillées et illustrées de ces personnalités artistiques d'envergure universelle.

Le musée du Louvre conserve l'une des collections de peintures italiennes les plus remarquables du monde. Cet ouvrage, établi par les conservateurs du département des Peintures, met à jour l'intégralité de cet ensemble exceptionnel qui s'étend du XIIIe siècle à la première moitié du XIXe. Plus de mille tableaux sont documentés par une notice historique développée, accompagnée de nombreuses références bibliographiques. D'importantes annexes viennent enrichir ce catalogue, faisant de lui un outil de recherche et de référence indispensable.

L'exposition de cette sélection raffinée à la Fondation de l'Hermitage à Lausanne est donc l'occasion de ' relire ' des chefs-d’œuvre d'artistes très célèbres (Pisanello, Tura, Giovanni Bellini, Carpaccio, Botticelli, Benozzo Gozzoli, Raphaël, Titien, Lotto, Palma il Vecchio, Canaletto et Guardi, jusqu'aux meilleurs artistes de Bergame, comme Moroni ou fra Galgario), en tenant également compte de leur histoire à l'intérieur des collections et du musée. Il s'agit donc d'un premier pas vers l'élaboration d'un catalogue scientifique, qui complète celui de la collection Morelli, réalisé il y a désormais vingt ans.

Catalogue accompagnant l’exposition présentée au Musée du Luxembourg (février-mai 2009). Cette exposition a pour but de révéler la richesse du patrimoine des collections bancaires italiennes avec une sélection d’une soixantaine de tableaux de la fin du 16e siècle au début du 18e siècle. Confrontation de sujets profanes et religieux révélateurs de la splendeur artistique et des goûts d’une époque… parmi les artistes présentés : Francesco Albani, Ludovico Carracci, Bernardo Cavallino, Cerano, Le Guerchin, Guido Reni et Francesco Solimena.

Le catalogue accompagne une exposition qui présente, pour la première fois en France, le XVII° siècle florentin. Un siècle encore peu connu hors d'Italie, où, dans le domaine des arts, Florence rime avant tout avec Renaissance.
Le fil conducteur de l'ouvrage est la question des rapports entre peinture et littérature. Quelque soixante oeuvres (des peintures, mais aussi des dessins, des gravures et un petit bronze) illustrent ces rapports qui sont proprement la marque de l'art florentin du XVII° siècle.
De Matteo Rosselli à Giovanni Bilivert, de Jacopo Vignali à Francesco Furini et Lorenzo Lippi, de l'Empoli à Cecco Bravo, de Giovanni Martinelli et Simone Pignoni à Felice Ficherelli et Carlo Dolci, au fil des pages il est possible d'explorer les différentes tendances picturales, parfois profondément divergentes entre elles, du Seicento fiorentino.
L'ouvrage illustre la fortune en peinture des plus grands chefs-d'oeuvre de la littérature italienne : la Divine Comédie de Dante et le Décaméron de Boccace ; le Roland furieux de l'Arioste et la Jérusalem délivrée du Tasse. Dans l'un des chapitres sera reconstitué un cas emblématique de collectionnisme dans la Florence du XVII° siècle, où des sujets inspirés des poèmes de l'Arioste et du Tasse voisinaient avec d'autres tirés des Métamorphoses d'Ovide et de l'Ancien Testament.
Il est question aussi de figures allégoriques des arts (la Peinture, la Sculpture, l'Architecture, la Poésie, la Musique, la Comédie, etc., typiques de l'école florentine dans leur cadrage à mi-corps), auxquelles les peintres florentins, qui furent, souvent, également poètes et hommes de théâtre, confièrent leur pensée critique sur les arts mêmes.
 

Peintures, sculpture, arts décoratifs, arts graphiques, architecture et photographie, c'est l'ensemble des arts russes, de la seconde moitié du XIXe siècle à la fin du régime tsariste en 1917, qu'envisage ce catalogue. En effet, si les avant-gardes au début du XXe siècle ont déjà fait l'objet d'expositions remarquables (Paris-Moscou en 1981 au musée national d'art moderne, Centre Georges-Pompidou, L'Avant-garde russe 1905-1925 en 1993 au musée des Beaux-arts de Nantes), la période qui précède est en revanche largement inconnue en France Aussi cet ouvrage vient-il combler une lacune et, s'il ne prétend pas donner un panorama exhaustif de la production artistique en Russie dans la seconde moitié du XIXe siècle, il met en lumière les conditions de l'élaboration d'un art proprement russe au cours de cette période.

La Bretagne est une terre de peintres, à la marge du continent. Cela tient à l'océan : vent et pluie d'ouest, marées et vagues hautes, fraîcheur et verdeur permanentes. Théâtre hier de rivalités internationales, elle demeure terre de rencontres et d'échanges. Les places fortes féodales y deviennent lieux de découverte du patrimoine. Ces attraits nourrissent le travail de sept artistes venus de Russie à l'été 2005. D'une autre histoire, d'une formation différente, ils ont parcouru champs et côtes. De vingt Petites Cités de Caractère, ils rapportent des carnets de voyages, au ton neuf. Est-il plus juste encouragement à la découverte que ce reportage ? Il bouscule nos habitudes et révèle tant de richesses négligées.

Après le succès de l’exposition ' Peintres polonais en Bretagne ', le Musée départemental breton de Quimper souhaite poursuivre l’exploration des ' regards ' d’artistes étrangers sur la Bretagne en consacrant une exposition aux peintres russes ayant fréquenté cette région entre le milieu du XIXe siècle et les années 1930. Nombre d’entre eux comptent parmi les artistes importants de la Russie : ainsi Alexandre Benois, Alexeï Bogoliubov ; Adolphe Feder, Boris Grigoriev, Emile-Benediktoff Hirschfeld, Constantin Kousnetzoff, Lanskoy, Zinaïde Serebriakova, Nicolas Tarkhoff, Maria Ivanovna Vassilieff, etc. Mais jamais encore une exposition n’a mis l’accent sur l’inspiration bretonne d’une partie de leur œuvre.

Soviet Realist art of the 1930s to 1980s was naturalistic, bold, colourful, and exciting. Though it is now considered the 20th century's major Realist school of painting, during its heyday, thanks to the politics of the Cold War, the treasures of Soviet artists remained hidden, often, if not considered politically correct, languishing for years in artists' studios. Now percipient and adventurous art historians are redressing the balance and focussing on the Soviet Impressionist paintings that are passing through the sale rooms of Europe and North America, and are finding their way in to museums in the West. The subject matter of these vibrant paintings is the intimate life of the Soviet man, woman and child: at work in field, factory, school and mine, and at home or at play. The policy-makers dictated the message: art should be readily understood and appreciated by the people, reflecting their hopes and aspirations for themselves and their efforts. Together, the stunning illustrations and highly perceptive, fully up-to-date text serve to make Soviet Impressionist Painting a true testament to this powerful and vibrant school of art.

' L'AGE DU SYMBOLISME EN LETTONIE. L'art de la Lettonie au tournant de siècle ' accompagne l’exposition du même nom présentée au Musée de la Ville à Bruxelles (juin – septembre 2010). Cette étude permet de découvrir l’art du début du 20e siècle en Lettonie : Symbolisme et Art Nouveau ainsi que les artistes actifs à cette période. La présentation des artistes et de leurs œuvres permet d’entrevoir la richesse du patrimoine artistique letton. A découvrir.

Aux XVe et XVIe siècles, la région correspondant à l'actuelle Slovaquie connaît un âge d'or. Stabilité politique et prospérité économique favorisent l'essor d'une production artistique foisonnante. Les nombreux échanges avec les régions voisines, notamment le reste de la Hongrie et l'Empire germanique, stimulent les artistes slovaques dont la créativité culmine dans les retables des églises. La profonde expressivité des oeuvres, leur monumentalité, l'opulence des décors, la richesse des coloris caractérisent ces créations, pour la plupart remarquablement préservées grâce à leur conservation dans les lieux pour lesquels elles ont été conçues. Quelque soixante chefs-d'oeuvre venus de Slovaquie, réunis au musée de Cluny, sculptures, peintures, pièces d'orfèvrerie et manuscrits enluminés, offrent une occasion unique d'approcher cet art exceptionnel.

Alger a fasciné des générations d'artistes venus de tous les horizons. Pour la premiére fois, tous les peintres français, musulmans et étrangers, inspirés par la Ville Blanche et ses environs pendant les cent trente années de présence française, sont réunis dans un ouvrage exhaustif. Cette promenade picturale à travers les sites, les architectures et les lieux mythiques d'Alger fait revivre le cadre et le quotidien des différentes communautés en recomposant les parfums d'un passé révolu. 450 notices de peintres.

L'Algérie des peintres fait suite au volume Alger et ses peintres, du même auteur, paru en septembre 2000. Il est conçu dans le même esprit, c'est à dire, dans le but de faire connaître au plus large public un maximun d'œuvres et d'artistes ayant représenté les sites, les architectures, les lieux mythiques, les hommes et les femmes des diverses communautés de l'Algérie.

La production picturale inspirée par l'Algérie du Sud pendant la durée de la présence française, du fait de sa richesse et de sa variété, exigeait que lui fût consacré un volume entier. Après une introduction exposant les grands thèmes abordés par les peintres du Sud, l'ouvrage présente successivement les lieux privilégiés et comporte une majorité d'oeuvres totalement inédites. Il est complété par un dictionnaire biographique et une galerie de portraits d'artistes.

Cet ouvrage présente pour la première fois tous les artistes de l'Algérie pendant son histoire commune avec la France, ainsi qu'une iconographie de leurs œuvres. Source documentaire pour les uns, album du souvenir pour les autres, ce livre permet à tous de retrouver l'atmosphère et la lumière d'un pays qui a tant inspiré les artistes.

Catalogue publié à l'occasion de l'exposition qui s'est tenue au Boston Museum of arts puis à Washington et enfin aux galeries nationales du Grand Palais à Paris du 13 mars au 11 juin 1984.

Dictionnaire des peintres aquarellistes britanniques des XIII° et XIX° siècle référençant plus de 6000 artistes. Volume 1 de A à L.

Dictionnaire des peintres aquarellistes britanniques des XIII° et XIX° siècle référençant plus de 6000 artistes. Volume 2 de M à Z.

Ce livre, qui répertorie 1700 oeuvres orientalistes conservées dans quelque 160 musées de province, présente 300 reproductions représentatives de la richesse de ce courant artistique. L'auteur retrace l'histoire de l'orientalisme depuis ses débuts et son prolongement au XXe siècle. Chacun des 160 musées est présent, avec un commentaire sur l'établissement, ses collections, et une notice sur les peintres et leurs oeuvres. Pour la première fois, un livre ouvre la porte de ces musées, réceptacles d'oeuvres trop méconnues, lieux de création et de rêve au service de l'histoire et de la mémoire de notre société, source de poésie et de connaissance.

Voici enfin une monographie compléte sur ce maître du néo-impressionnisme et du pointillisme que fut Théo van Rysselberghe. Le catalogue raisonné reprend près de 1700 œuvres, classées par ordre chronologique. Cet outil, fort attendu par le monde des collectionneurs et du marché de l'art, offre une aide précieuse à l'identification des tableaux et reproduit les nombreux monogrammes utilisés pour les signer.

Cet ouvrage (3 volumes) est un véritable outil de référence et de consultation pour le chercheur ou l’étudiant, le professionnel ou le critique d’art, l’amateur ou le collectionneur. Ouvrage rigoureux dans ses choix, précis et complet dans ses informations : il présente 6 300 notices d’artistes actifs en Belgique ou ressortissant à une école belge (classées par ordre alphabétique) ; il couvre sept siècles d’activité artistique depuis l’aube de l’époque bourguignonne jusqu’à la seconde moitié du XXe siècle ; il présente chaque peintre par une notice circonstanciée, augmentée d’une bibliographie sélective et d’un état des principaux lieux de conservation de ses œuvres ; il reproduit en regard des notices les œuvres significatives de l’évolution de la peinture. Une œuvre monumentale en trois volumes illustrés, présentée dans un coffret : deux volumes alphabétiques illustrés de plus de 1 000 reproductions en noir et blanc et un volume chronologique illustré en couleurs par plus de 600 œuvres

Ce dictionnaire comprend plus de 150 illustrations en couleur et noir-et-blanc, et plus de 7000 biographies d'artistes qui ont travaillé ou travaillent en Belgique depuis 1830. Certes, cette énumération restera toujours incomplète. Le classement alphabétique suit les conventions ci-après: Les noms qui commencent par 'de' ou 'van' se trouvent aux lettres 'D' ou 'V'; il n'y a pas de distinction dans l'ordre alphabétique entre les noms qui commencent par majuscule ou minuscule, ou les noms en plusieurs mots qui sont séparés par un espace blanc. Par exemple, dans la lettre 'D' se trouvent: DE TOMBAY, Alphonse de TOMBAY, Ellen DETOMBAY, Mathieu. Les noms doubles sont classés au premier nom, puis par ordre alphabétique du prénom: ROBERT, Charles ROBERT-ACARIN, Germaine ROBERT, Julie. Les noms avec 'y' s'écrivent parfois avec 'ij' et vice-versa. Par exemple, le nom TYTGAT est repris au lieu de TIJTGAT.

Les collections de peinture chinoise du musée Guimet abritent un ensemble exceptionnel de rouleaux, commandes impériales destinées à célébrer des événements marquants du règne de trois grands souverains Qing. Kangxi (1662-1723). Yongzheng (1723-1736) et Qianlong (736-796). [originalité du propos de l'exposition dont rend compte le catalogue est de situer cette peinture de commande dans le contexte plus général de l'histoire de la 'grande peinture' chinoise ainsi que des arts décoratifs héritiers de la tradition picturale, grâce à la confrontation de l'ensemble des neuf rouleaux du musée Guimet, présentés pour la première fois dans leur intégralité, avec plus d'une centaine d'œuvres Ming et Qing : rouleaux monochromes et feuilles d'album, peinture sur éventails, estampes, porcelaines. albums de sceaux impériaux. ouvrages traitant des questions de perspective. Dans les rouleaux impériaux, le lecteur découvrira, avec la délectation que procurent les miniatures médiévales occidentales, une peinture aux couleurs vives. dans laquelle abondent les détails pittoresques. Relevant d'une tradition profondément chinoise, cette peinture a exercé en son temps une réelle force d'attraction sur des artistes occidentaux appelés à collaborer à plusieurs des commandes impériales, tel le peintre jésuite Castiglione. Des témoignages de son travail avec des artistes chinois servent en particulier de point de référence dans la comparaison entre deux traditions passionnantes du fait même de leur éloignement : la tradition chinoise et la tradition européenne.

Couvrant la période de 1850 à 1950 ce livre présente environ 500 artistes finlandais dont au moins une oeuvre est reproduite en couleur. Trés peu de texte en Finlandais, Suédois et Anglais.

Ce beau livre, paru initialement en 1994, se divise en deux parties. La première est consacrée aux grands artistes flamands du XVII° siècle (Rubens, Van Dyck, Jordaens, Bruegel de Velours, Snyders, David Teniers II, Brouwer...) ; la seconde s'attache à présenter cette peinture flamande à travers ses grands thèmes : la nature morte, les tableaux de fleurs, les marines, le portrait, la peinture d'histoire. Incontestablement, le XVII° siècle, au plan artistique, est un siècle d'une très grande richesse artistique. À côté des personnalités de génie, près de 200 peintres sont présentés dans cet ouvrage, à travers leur spécialisation. Sous une forme inédite et richement illustrée, cet ouvrage brosse un tableau des plus complets des maîtres de la peinture flamande de la période baroque.

L'ouvrage s'attache à présenter près de 150 artistes Flamands qui ont incarné autour du XVII° siècle le genre floral dans la peinture. Au XVII° siécle, la mode du tableau de fleurs conquiert toute l'Europe occidentale. Elle s'impose surtout dans les Pays-Bas méridionaux et les Provinces Unies de la Hollande, où de tels tableaux se multiplient par milliers et les artistes par centaines. Jamais encore, on n'avait étudié les peintres Flamands dans leur ensemble (du XVI° au XVIII° siècle). Les plus connus d'entre eux sont Brueghel le Jeune. dit de Velours, et Daniel Seghers, auxquels s'ajoutent notamment plus d'une centaine de peintres dont Julien Teniers l'Ancien, Jan Van Kessel, Frans Snyders. Près de 300 reproductions de tableaux accompagnent la présentation des maîtres de la peinture de fleurs. Chaque peintre est évoqué au moyen d'une biographie et d'une étude de son style, de ses influences et de sa technique.

Un événement se produit en Hollande, au début du XVII° siècle : la peinture n'emprunte plus ses sujets uniquement à l'histoire, à la religion ou à la littérature, mais se tourne vers le monde quotidien. Cette mutation radicale est riche d'un sens que ce livre cherche à déployer. Il nous incite à reconnaître la pensée des peintres, telle qu'elle s'exprime à travers leur manière de représenter le monde.

Ce livre s'intéresse à un moment très précis de l'histoire de la peinture européenne. Celui de l'apparition de l'individu dans l'image. Une véritable révolution de l'image se développe au début du XV° siècle, de façon plus nette au nord de l'Europe, en Flandres. L'existence de ces tableaux témoigne donc de la découverte de l'individu et en est donc son premier éloge. S'appuyant sur de nombreuses et magnifiques reproductions, ce livre retrace la passionnante histoire de cette découverte.

Cet ouvrage regroupe cent trente-six œuvres d'artistes du XVII° siècle hollandais, choisies parmi les plus belles. Issues des collections léguées par les amateurs d'art éclairés Auguste et Eugène Dutuit à la ville de Paris d'une part, et par le grand connaisseur Frits Lugt à la Fondation Custodia d'autre part, ces peintures, dessins et gravures nous font pénétrer dans un monde artistique prolifique. Les chefs-d'oeuvre des plus grands maîtres - Rembrandt, Potter, Saenredam, Van Ruisdael, Cuyp, Berchem, Metsu, Van Mieris, Steen, Van de Velde et bien d'autres -, qui sont représentés et analysés ici dans le détail, nous offrent une démonstration éclatante du génie du Siècle d'Or hollandais.

Celui qui parle de la vie et des oeuvres d'un artiste installe, pour ainsi dire, ses auditeurs dans des fauteuils et les invite à admirer sous divers angles une statue installée devant eux sur un socle pivotant. Mais celui qui essaie de décrire un phénomène aussi vaste et complexe que la peinture primitive flamande arrache ses auditeurs à leur foyer et leur demande de l'accompagner au long d'une visite ardue parmi les vestiges d'une ville ancienne, en partie conservée, en partie en ruine, en partie enfouie. Confronté à cette tâche, je ne pouvais me conduire comme un archéologue qui emmènerait un groupe de ses confrères droit aux fouilles les plus récentes. Je devais plutôt me contenter d'un rôle de cicérone qui, sans éviter les excavations en cours et s'aventurant même à l'occasion dans des fourrés épais où les travaux ont à peine commencé (...) doit s'attacher à donner une idée générale du site et de la topographie de la ville ancienne et en faire valoir les points de vue célèbres, si familiers soient-ils à beaucoup de membres de son groupe. Il lui faut aussi revenir souvent sur les mêmes lieux, pour les revoir à la lumière d'impressions nouvellement reçues et, de temps à autre, signaler des perspectives inattendues qui se révèlent entre deux pans de murs.' C'est ainsi, trop modestement, qu'Erwin Panofsky présentait en 1953 le livre dont nous donnons aujourd'hui la traduction française. Inutile de le dire (et tous les lecteurs du Dürer paru dans la même collection en devineront quelque chose), les 'perspectives inattendues' s'ouvrent ici bien souvent sur les 'points de vue familiers' et tout contribue à faire de ce livre, où la passion de l'exposition qui animait Panofsky culmine en une suite de ricochets lumineux, le roman véridique des origines de la Renaissance septentrionale. Lorsque l'on s'étonne de l'érudition partout ici déployée, c'est pour s'étonner davantage encore de la voir si parfaitement conduite et servante fidèle d'une exégèse où l'histoire de l'art continûment se fait pensée.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Plus de 150 artistes de l'Ecole orientaliste italienne sont illustrés en monographies complétées par leurs expositions et par un index bibliographique individuel. Leurs œuvres, qui sont plus particulièrement des aquarelles, démontrent la féconde imagination de ces peintres, dont certains ont voyagé en Afrique du Nord et au Moyen-Orient, mais qui pour la plupart n'ont travaillé qu'en chambre. Ce livre a pour objet d'éclairer le grand public, comme les collectionneurs, sur les différents aspects de cet art italien qui trouve ses sources à la Renaissance.

Le catalogue de cette exposition qui s'est tenue au Grand Palais en 2001, retrace la naissance en Italie du paysage moderne qui marquera le XIX° siècle et au-delà de l'impressionnisme, le début du XX° siècle. Environ 190 œuvres illustrent la diversité de l'iconographie du paysage, des méthodes de travail et des formes d'expression nationale propres à chaque artiste.

Deux volumes avec coffret consacrés à la peinture italienne : des origines, du Haut-Moyen Age au 20e siècle. La présentation se fait par époque : un spécialiste présentant le contexte et les œuvres majeures. De nombreuses reproductions viennent illustrer les propos des spécialistes. En fin d’ouvrage, une importante bibliographie thématique ainsi qu’un index permettent d’aller plus loin. A destination de tout amateur d’art néophyte désirant découvrir la peinture italienne.

Les artistes les plus célèbres des XVII° et XVIII° siècle au Japon, Masanobu, Harunobu, Utamaro... ont porté à un niveau de perfection égal à leur séduction, des techniques comme celle de l'estampe polychrome, ou conquis de nouvelles expressions artistiques tels que la représentation de la perspective ou l'art du portrait psychologique. Cette effervescence créative a permis l'irruption de valeurs modernes : l'épanouissement de l'individu autour d'exigences nouvelles de bonheur, la place de la femme dans la société et la recherche de tous les plaisirs de la vie, ce dont témoigne avec liberté et exubérance l'art des estampes érotiques ou shunga.

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Tout l'art de la miniature Mogol qui est apparue dans le nord de l'Inde au 16° et 17° siècles. Réédition en couleur, édition originale datant de 1993.

Importante publication composée de 2 volumes consacrée à l’abstraction russe en Russie au 20e siècle. Les différents chapitres abordent tour à tour, la non-figuration, l’abstraction de l’avant-garde russe, le rapport entre l’art abstrait et la musique, l’art abstrait à Moscou, St Petersburg, l’abstraction en photographie, arts graphiques, arts appliqués, peintures et sculptures. Le second ouvrage comporte notamment à la fin un index des artistes ainsi qu’une biographie succincte pour chaque artiste. La liste de ces artistes est consultable à la suite du sommaire. Ouvrage abondamment illustré permettant de découvrir l’abstraction russe de ses débuts à nos jours…

Le paysage russe est un phénomène unique de l'histoire de l'art. Son long parcours, du XVIIIe siècle à nos jours, a été émaillé de réalisations brillantes, d'une pléiade de noms et d'oeuvres présentées dans cette édition. Les principales étapes de l'évolution de la peinture européenne : classicisme et romantisme, réalisme et postmodernisme du XXe siècle trouvent un écho dans l'oeuvre originale des paysagistes. En peinture, en poésie et musique, ces ' Saisons ' sont devenues le moyen d'atteindre le sens profond et secret de la nature auquel aspire chaque homme et chaque artiste. L'édition actuelle, proposée au lecteur, rassemble des oeuvres du XVIII au XXe siècle, consacrées à la nature. Leurs auteurs, bien souvent n'étaient pas uniquement paysagistes. Pour nombre d'entre eux, la nature donnait le ton du sentiment insufflé dans le portrait ou la scène de genre.

Catalogue de l'exposition "Impressions du Nord. La peinture Scandinave 1800-1915" conçue par la Fondation de l'Hermitage à Laussanne, présentée du 27 janvier au 22 mai 2005. Liste des artistes exposés :Georg Nicolaj Achen, Anna Ancher, Michael Ancher, Wilhelm Bendz, Richard Bergh, Christen Dalsgaard, Dankvart Dreyer, Christoffer Wilhelm Eckersberg, Albert Edelfelt, Le prince Eugen, Johan Julius Exner, Gustaf Fjaestad, Akseli Galien-Kallela, Pekka Halonen, Vilhelm Hammershoi, Carl Fredrik Hill, Eugène Jansson, Viggo Johansen, Ernst Josephson, Jens Juel, Christen Kobke, Christian Krohg, Peder Severin Kroyer, Vilhelm Kyhn, Janus La Cour, Emanuel Larsen, Carl Larsson, Bruno Liljefors, Johan Thomas Lundbye, Anna Elisabeth Munch, Edvard Munch, Amaldus Clairin Nielsen, Ejnar Nielsen, Karl Frederick Nordstrôm, Theodor Philipsen, Laurits Andersen Ring, Peter Christian Skovgaard, Harald Slott-Moller, Harald Sohlberg, Frits Thaulow, Erik Werenskiold, Jens Ferdinand Willumsen, Kristian Zahrtmann, Anders Zorn.

Zorn, Hammershoi, Valigren ou Munch... De nombreux artistes scandinaves et finlandais affluèrent en France entre 1870 et 1914 afin d'y parfaire leur formation, délaissant l'Allemagne et l'Italie, jusqu'alors destinations ' traditionnelles ' des peintres. Durant ces quatre décennies, l'identité artistique nordique va se révéler au monde et exercer une véritable fascination. Des artistes majeurs comme Monet ou Rodin s'enthousiasment pour la richesse de ce langage plastique, tandis que les collectionneurs et les musées se disputent leurs œuvres. Si chaque nationalité conserve ses spécificités – à l'humanisme raffiné des Danois répond la poésie des Finlandais, le lyrisme des Suédois ou l'âpreté des Norvégiens –, l'exceptionnelle qualité de la lumière, bleue ou cristalline, l'attachement à la nature et une expression mystique des tourments humains les unissent au sein d'une même communauté artistique. Illustré des chefs-d’œuvre d'artistes prestigieux, cet ouvrage propose un exceptionnel voyage dans l'âme nordique. Catalogue accompagnant l’exposition présentée au musée des Beaux-Arts de Lille(2008).

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