Auteur du livre qui vient de paraître Clémentine Gustin-Gomez a bénéficié des encouragements et du soutien des historiens les plus qualifiés de la peinture française du XVIIe siècle, notamment d'Alain Mérot, Pierre Rosenberg, Antoine Schnapper et Jean-Pierre Cuzin. Après dix années de recherches sur le peintre, Clémentine Gustin-Gomez a soutenu sa thèse de doctorat en Sorbonne recevant les félicitations du jury décernées à l'unanimité. Clémentine Gustin-Gomez a soutenu sa thèse de doctorat en Sorbonne recevant les félicitations du jury décernées à l'unanimité. Cette thèse enrichie de quelques découvertes très récentes donne la matière à la publication de cet ouvrage en deux volumes. L'iconographie comporte la quasi-totalité non seulement des peintures répertoriées à ce jour, mais aussi des dessins car La Fosse, qui a mis à la mode la technique des trois crayons, occupe une place de premier plan dans ce domaine.

De 1680 à 1715, date de la mort de Louis XIV, la peinture connaît une véritable révolution esthétique. En moins d'une génération, le « Grand Goût » incarné par Nicolas Poussin, Pierre Mignard et Charles Le Brun, synonyme d'austérité et de morale, se métamorphose en peintures légères, raffinées et sensuelles destinées au seul plaisir de l'oeil. Les collectionneurs rêvent alors de tableaux de petits formats, de style rococo et de peintures flamandes. Durant cette période clé, les causes du changement du goût sont multiples peu abordées par les auteurs, qui se limitent habituellement au XVIIe siècle: jusqu'à Charles Le Brun ou au XVIIIe à partir d'Antoine Watteau. Le livre d: Clémentine Gustin Gomez analyse pour la première fois cette époque d: transition fondamentale mais méconnue, ses débats, ses influences italienne ou flamandes, le goût des commanditaires épris d'une liberté nouvelle. De ce bouleversement esthétique naît l'art pictural du XVIIIe siècle. Accompagnée d'une iconographie abondante et variée, l'étude de Clémentine Gustin Gomez en dévoile les sources, entre Charles Le Brun et Antoine Watteau. L'auteur : Clémentine Gustin Gomez est docteur en histoire de l'art. Elle a déjà
publié aux Éditions Faton Charles de La Fosse, le maître des Modernes.
 

' La miniature, portrait de l’intimité ' est un magnifique ouvrage consacré à la miniature. ' La miniature, portrait de l’intimité ' aborde non seulement l’évolution de cet art au fil du temps, mais également son rôle dans le contexte social de chaque époque. Le portrait en miniature, dont l’objectif premier était de fixer les traits d’êtres proches, de par sa petite taille, pouvait être conservé de manière plus ou moins précieuse et plus ou moins secrète selon sa fonction. ' La miniature, portrait de l’intimité ' révèle ainsi tous ces aspects de la miniature au sein des différentes couches sociales. Jacqueline du Pasquier s’entoure de spécialistes : Emmanuel de Waresquiel, Claude Tanner, Fabienne Xavière Sturm et Chantal Bouchon. Conservateur, historien, restaurateur, chacun selon sa spécialité offre de précieuses informations sur la technique de la miniature (miniature sur vélin, ivoire, restauration des miniatures…), mais également sur le rôle de cette image sur le plan social et familial, sans oublier l’aspect artistique avec l’évocation de peintres en miniature : Marie-Victoire Jacquotot , Dagoty… ' La miniature, portrait de l’intimité ' est à destination des amateurs qui découvriront un art d’une grande richesse technique et artistique. A destination des collectionneurs et chercheurs qui découvriront des reproductions de pièces provenant de collections publiques et privées, françaises et étrangères dévoilées pour la première fois dans cet ouvrage.

Neuvième volume de l'inventaire général des dessins italiens au musée du Louvre. Baccio Bandinelli (Florence, 1493-1560), artiste florentin du XVIe siècle, fut l’un des sculpteurs attitrés de la maison des Médicis. Élève de Giovan Francesco Rustici, il fut fortement influencé par Michel-Ange. L’une de ses oeuvres les plus remarquables, Hercule et Cacus, se dresse Piazza della Signoria, à Florence, où elle s’offre à l’admiration de millions de touristes. Bandinelli travailla également à Rome à la demande du pape Clément VII. C’est essentiellement par le dessin – Vasari le déclare en ce domaine ' inégalable ' que ce maître singulier, attentif aux sculpteurs du Quattrocento florentin et fasciné par Michel-Ange, a convaincu ceux de ses détracteurs qui mettaient en doute son talent de sculpteur. Un peu plus de deux cents pièces conservées au Louvre sont étudiées dans cet ouvrage. Il s’agit, outre quelques sculptures et une peinture, de dessins originaux de Bandinelli, mais également de feuilles de son école, de copies et de pièces rejetées, c’est-à-dire appartenant à d’autres artistes. Elles témoignent de la puissance créatrice de cet artiste trop souvent considéré comme l’une des figures noires de l’art florentin.

Nouvelle édition de la cote des dessins, pastels, gouaches et aquarelles de la plus haute à la plus basse des enchères significatives d'oeuvres d'artistes de toutes époques et de tous pays. De format poche comme "la cote des peintres" 2010.

' Venez et voyez ' répondait Fragonard, savant anatomiste du Siècle des lumières, à ceux qui, il y a deux siècles et demi, l'interrogeaient sur ses Écorchés. Et ce sont les mots qui conviennent aujourd'hui encore pour présenter l'élégant cavalier lancé sur sa monture dans un galop immobile, l'homme brandissant une mâchoire d'âne comme Samson dans la Bible, le buste au fin visage surmonté de son crâne évidé. Rares témoignages de la science anatomique qui pendant cinq siècles a tenu en haleine savants, artistes et amateurs, ces figures disséquées et momifiées intriguent aujourd'hui le spectateur, et leur présence énigmatique l'emplit d'émotion esthétique. Outre les secrets de leur fabrication, récemment découverts et publiés pour la première fois par Christophe Degueurce, conservateur du musée Fragonard et professeur d'anatomie à l'École nationale vétérinaire d'Alfort, les auteurs de l'ouvrage évoquent les tourmentes historiques et sociales, l'effervescence intellectuelle autour d'Honoré Fragonard, qui s'est éteint avec le XVIII° siècle. Ils montrent comment la tradition anatomique qui a produit les Écorchés se prolonge jusqu'à nos jours dans les plastinats, ces corps humains anatomisés, mis en scène dans des expositions internationales à grand succès.

L'exposition Maîtres flamands et vénitiens (Palais des Beaux-Arts de Bruxelles) réunit une cinquantaine d'oeuvres issues de la collection de l'Accademia Carrara de Bergame, seize pièces maîtresses provenant du Musée Royal des Beaux-Arts d'Anvers, ainsi qu'un chef-d'oeuvre exceptionnel de Lorenzo Lotto de l'église de Sant'Alessandro in Colonna à Bergame. Ce choix permet de parcourir quatre siècles de peinture européenne et de révéler la réciprocité des influences entre Anvers et Venise. Le présent catalogue propose un parcours chronologique du XVe au XVIIIe siècle : quatre chapitres pour quatre siècles, à travers quatre angles, à savoir le portrait au Quattrocento, les paysages et la dévotion au Cinquecento, le sacré et le profane au Seicento et les vues panoramiques au Settecento. Nous voyons ainsi Pisanello confronté à un autre maître tel que Rogier van der Weyden, ou encore Giovanni Bellini à Jan van Eyck, qui par ailleurs enchante les collègues vénitiens par son attention au détail. Les Vénitiens s'émancipent au cours du siècle suivant de la technique des Primitifs flamands, voyant Titien, le Tintoret et Véronèse faire exploser la couleur. Rubens déteindra quant à lui sur Tiepolo et enfin, au XVIIIe siècle, les vues de Canaletto capturent une Venise sur son déclin, tandis que les scènes pittoresques de Guardi rappellent la démesure de Jordaens. Si d'autres régions d'Italie ont pu nouer de tels liens avec ces écoles du Nord, seule Venise pouvait se vanter de points de contacts aussi nombreux que réguliers et sur une période aussi longue.

Ce livre présente pour la première fois les chefs-d’œuvre d’une des plus importantes collections de peinture française de la fin du XIXe et du début du XXe siècle. Sous la plume de nombreux experts, voici retracée la vie artistique de l’époque, et mise en évidence la vitalité des échanges entre artistes, marchands et collectionneurs.
Le présent ouvrage s’appuie aussi sur les lettres d’artistes, inédites, qui esquissent la véritable histoire des tableaux et permettent de retracer la manière dont s’est constituée cette collection admirable. Le lecteur est aux premières loges. Dès 1908, Les Hahnloser entretiennent une riche correspondance avec Félix Vallotton et Henri Manguin. Grâce à ces derniers, ils font la connaissance en particulier de Pierre Bonnard, Henri Matisse, Odilon Redon, Georges Rouault, Aristide Maillol ou encore Edouard Vuillard, qui deviennent leurs amis et dont ils achètent de nombreuses œuvres : tableaux, gravures ou sculptures.
Il est passionnant d’apprendre que Félix Vallotton, entre autres, a conseillé les Hahnloser dans leurs choix et dans leurs achats auprès de Vollard ou de Durand-Ruel, ce qui leur a permis dans un laps de temps relativement court de réunir une collection unique de Nabis et de Fauves et d’investir également dans l’achat d’œuvres des grands précurseurs : Vincent Van Gogh, Paul Gauguin, Paul Cézanne ou Pierre-Auguste Renoir. Mais les Hahnloser s’attachèrent à enrichir leur collection d’œuvres d’artistes suisses également, tels que Hodler ou Giovanni Giacometti.
Une Chronologie détaillée relate la vie des collectionneurs entre 1905 et 1936 à travers leurs achats, leurs voyages et les rencontres avec les artistes, ainsi que les nombreuses expositions. Elle donne aussi un bon aperçu du marché de l’art parisien de cette époque.

Auteurs : Margrit Hahnloser, historienne de l’art et épouse de l’un des petits-fils des collectionneurs. Rudolf Koella, ancien directeur du Musée des Beaux-Arts de Winterthour. Lukas Gloor, conservateur de la
Fondation Bührle. Ursula Perrucchi, ancienne directrice du Cabinet des Arts graphiques et vice-directrice du Kunsthaus de Zurich.