Cet ouvrage est l'œuvre de collectionneurs, Michèle et Michel Auer, qui désirent montrer ce qu'ils possédent, de la façon la plus vivante pour que tout le monde en profite. Il s'agit d'une synthèse très vivante des connaissances accumulées qui sont alignées en colonnes serrées, soutenues par une multitude de reproductions, de prospectus, de livres, de photographies et d'appareils. Ce livre fourmille de trouvailles inédites, révèle des photographes souvent oubliés et parfois inconnus.

Encyclopédie internationale des photographes de 1839 à nos jours. L'ouvrage, français-anglais, présente plus de 1600 noms d'artistes de 44 pays dans le monde, classés par ordre alphabétique. La colonne du milieu de page est consacrée aux expositions et à la bibliographie.

Sous la direction de Anne Cartier-Bresson, conservateur-directrice de l'Atelier de restauration et de conservation de la Ville de Paris (ARCP), cet usuel présente pour la première fois les termes exacts et la définition précise des techniques anciennes (depuis l'origine) et contemporaines (jusqu’au numérique) de la photographie. Les différents supports sont reproduits superbement et sont accompagnés de détails des images vus sous la loupe (x3) ou sous le microscope (x30) afin que le lecteur puisse découvrir et identifier ce qui les caractérisent et les différencient les uns des autres. Les auteurs sollicités, experts de la photographie, de son histoire et de ses techniques, signent les articles de leur spécialité.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Texte de Jean Cocteau mis en lien avec des photographies de Pierre Jahan, nous présentant la mort des statues. Réédition d’un ouvrage de 1946.

L’objectif de la présente publication est de retracer l’identité des milliers de photographes parisiens du XIXe siècle et du début du XXe. Une étude préliminaire permet de découvrir à travers des cartes, l’évolution géographique de l’implantation des photographes de dix en dix ans. Cette étude se complète d’un corpus conséquent de plus de 4 200 notices de photographes, fabricants de matériel et artisans. Pour chacun, la notice renseigne sur sa spécialité, sur son activité principale, sur ses adresses successives d’atelier à Paris, sur le début et la fin de son activité, sur ses successeurs et prédécesseurs… permettant une traçabilité précieuses pour chercheurs et amateurs. L’auteur, François Boisjoly, spécialiste du sujet prépare une thèse sur la photographie au xixe siècle. Collectionneur et expert il possède une collection de 25 000 photos-cartes de grande qualité exploitée par le CNRS. Cet ouvrage est le premier d’une série devant couvrir l’ensemble du territoire français ainsi que les colonies.

Du 6 mai au 15 novembre 1931 s'est tenue aux abords de la Porte dorée à Paris l'Exposition Coloniale Internationale. Pourquoi et comment a été construite, au bois de Vincennes, cette ville de cent dix hectares, dont la visite disait la publicité permettait de faire le tour du monde en un jour ? Quelle était la véritable situation des deux mille indigènes acteurs et figurants de ce théâtre multicolore ? Avec quelle vision de l'empire français les huit millions de visiteurs ont-ils quitté l'exposition ? Qu'y avait-il réellement derrière ce majestueux miroir de la colonisation, et ne s'agissait-il pas d'un miroir déformant ? Alors même que le débat avait été constant avant la première guerre mondiale il suffit de se rappeler la violente opposition de Clemenceau au colonialisme, alors même qu'au moment de l'exposition, des milliers de Noirs soumis au travail forcé laissaient leur vie dans la construction du chemin de fer Congo Océan et que les avions de l'Armée française bombardaient des villages et des populations civiles en Indochine, l'Exposition coloniale se révélait être l'apogée d'un système qui recueillait alors un consensus quasi-général. Illustré de 300 photographies et documents inédits, l'ouvrage permet de revoir l'Exposition coloniale. Didier Grandsart est galeriste et historien d'art depuis 25 ans. Il est l'auteur d'études sur la photographie, le cinéma et l'art du XXe siècle. Il a participé, pour la chaîne de télévision Arte, à un film documentaire sur les maisons closes (Maisons closes, maisons d'illusions, réalisé par Marc Kidel). Parmi ses collaborations à des expositions de musées, la dernière a été en 2009, pour l'exposition Giacometti, Balthus, Skira, les années Labyrinthe, au musée d'Art et d'Histoire de Genève, dont le catalogue comprend deux études qu'il a écrites sur Brassaï ainsi que sur l'histoire des cinquante premières années du cinéma.

Lorsque vers 1850 le physicien David Brewster propose aux opticiens britanniques - qui le refusent -une boîte pour visionner des images en trois dimensions, nul n'est à même d'imaginer le succès que va remporter le stéréoscope durant une vingtaine d'années. Adoubé par la reine Victoria lors de l'Exposition universelle de 1851, le procédé devient la folie du jour :' Des milliers d'yeux avides se penchaient sur les trous du stéréoscope comme sur les lucarnes de l'infini ',écrira d'ailleurs Baudelaire. Au début du second Empire, l'affaire se présente comme un nouvel Eldorado et les opérateurs se mettent à photographier Paris - comme Rome,Venise ou l'Égypte - sous toutes les coutures. Grands monuments ou construction des Halles, petits métiers de la rue, lavandières, foule sur les boulevards ou bourgeois dans les parcs de la capitale ou de la proche banlieue, voitures hippomobiles, canotiers de la Seine, jeux enfantins, tout est propice à être saisi. La connaissance des documents stéréoscopiques est souvent restée limitée au cercle des collectionneurs. Après un long purgatoire dans les greniers, ces documents ouvrent des perspectives nouvelles et parfois insolites sur le Paris transfiguré de Napoléon Mils en restituent l'empreinte visuelle, l'inimitable singularité, comme le révèle la très riche iconographie de cet ouvrage. À travers les volumes ou les reliefs qu'ils ont laissés, écrivains et photographes du second Empire nous font découvrir leur ville telle qu'ils la percevaient.

En juillet 1870, il suffit d'un prétexte celui de la succession au trône d'Espagne pour que la France déclare la guerre à l'Allemagne. Après la capitulation de Napoléon III à Sedan le 2 septembre, commence le Siège de Paris par les armées allemandes qui durera quatre mois et demi. Hormis un bilan tragique 13 000 morts dans Paris, l'épisode marquera durablement les esprits. Les représentations du Siège sont nombreuses, aussi bien par la photographie, la peinture que par le dessin ou la gravure. Parmi tous ces modes de représentation, nous avons choisi les plus spontanés, les plus proches de ce que nous demandons aujourd'hui à la photo de reportage ; ce sont des carnets de croquis (sketches en anglais) qui, plus que les peintures d'atelier, décrivent la vie quotidienne comme l'ont fait certains des auteurs cités dans ce livre

Le photographe anglais Eadweard Muybridge (1830-1904) fut un pionnier de l'étude visuelle de la locomotion humaine et animale. En 1872, il se rendit célèbre grâce à ses photographies d'un cheval au galop, qui permirent à Leland Stanford, ex-gouverneur de Californie, de solder un pari. Muybridge inventa pour cela un système complexe d'obturateurs capables de fixer des arrêts sur image établissant ainsi pour la première fois la preuve que, pendant une fraction de seconde, les quatre fers d'un cheval au galop décollent simultanément du sol. Au cours des trois décennies suivantes, Muybridge poursuivit sa quête pour cataloguer intégralement de nombreux aspects du mouvement humain et animal, prenant des centaines de clichés de chevaux et d'autres animaux et de sujets nus ou légèrement vêtus accomplissant diverses activités comme courir, marcher, pratiquer la boxe, l'escrime, ou encore descendre un escalier. Ce magnifique ouvrage retrace la vie et l'oeuvre de Muybridge, de ses premières réflexions sur l'anatomie et le mouvement à ses dernières expériences photographiques. La totalité des 781 planches de son ouvrage révolutionnaire Animal Locomotion (1887) y sont reproduites, permettant d'apprécier les plus subtils détails des originaux. De plus, The Attitudes of Animais in Motion (1881), son premier album illustré, aujourd'hui rarissime, est reproduit ici intégralement. Une chronologie détaillée établie par le chercheur britannique Stephen Herbert jette un nouvel éclairage sur l'un des plus importants pionniers de la photographie.

Cet ouvrage est une histoire. Ce n'est ni un précis ni un manuel. Il s'ouvre sur les pratiques millénaires de l'image dessinée et aboutit à l'image photographique à travers les aventures, les progrès et les espoirs d'une science nouvelle s'élevant, au cours des chapitres, jusqu'à l'avènement du gélatino-bromure. Procédé insurpassable dans son principe, c'est par lui que, depuis un siècle, vit et progresse tout ce qui, par un point quelconque, se rattache à la photographie.
L'ÉDITEUR.

Ces livres bien que neufs et ayant été stockés correctement peuvent présenter quelques traces de vieillisement 

 

From 1924 the Russian photojournalist Max Penson (1893–1959) travelled through his adoptive homeland of Uzbekistan as a reporter. His photographs offer insight into a time when the country was loosening its centuries-old traditions and was confronted with a new political and social structure.
These photographs, discovered three years ago in an attic and shown for the first time in this publication, come from the photo-grapher’s so far unseen legacy. They portray a country that in the early 20th century was a largely unknown part of mysterious and magical Central Asia. The awakening from this fairytale began just at the time when Max Penson was on the road with his camera, transmitting the upheaval of this ancient culture in fascinating photo reportages. Like no other photographer of his generation Max Penson documented the radical changes of a country that was only just being liberated from medieval social structures. Max Penson, a contemporary of the artist Alexander Rodtschenko and a friend of the film director Sergej Eisenstein, left behind a unique documentation of these changes.
Max Penson was a photographer between tradition and revolution. This publication presents, by means of recently rediscovered works, the extraordinary documentary achievement of the Russian photojournalist, who portrayed in gripping photo reportages Uzbekistan’s transformation from a medieval social structure to a Soviet Socialist-Republic.
 

“Brush & Shutter early photography in China” est un magnifique ouvrage consacré aux premières photographies réalisées en Chine. Portraits, paysages, panaoramas… sont autant de photographies à découvrir. La photographie fut introduite en Chine en 1840. Chaque auteur selon sa spécialité apporte sa contribution et ses connaissances à une thématique précise telle que l’étude des premiers appareils utilisés, les différents types des photographies réalisées en Chine au cours du 19e siècle comme la photo de genre ou le portrait avec des caractéristiques propres à la photographie chinoise.
Ouvrage comprenant de nombreuses photographies permettant de découvrir la Chine du 19e siècle et permettant d’apprécier l’importance de l’introduction de ce medium à la fois dans l’art et la culture.
“Brush & Shutter early photography in China” accompagne l’exposition du meme nom présentée au musée Paul Getty (février – mai 2011)
 

Dès son invention en 1839, la photographie a rencontré un succès public considérable, débordant vite le cadre du cénacle parisien pour toucher la province et notamment l'Isère. À Grenoble, Vienne ou encore Voiron, se développe, sous le second Empire, une floraison d'ateliers photographiques, fréquentés par une bourgeoisie aisée venue se "faire tirer le portrait". Mais la photographie iséroise se distingue surtout par la production de nombreuses vues de paysages, réalisées pour les premiers touristes fortunés, qui se rendent à la Grande Chartreuse, à Allevard, à Uriage ou en Oisans.
Riche de plus de 200 reproductions de tirages originaux d'époque, légendées et documentées, "Couleur Sépia" constitue le tout premier travail d'envergure consacré aux débuts de la photographie en Isère.
Ouvrage édité à l'occasion de l'exposition organisée par le Musée de l'Ancien Évêché du 23 octobre 2009 au 22 mars 2010.
 

Longtemps dans les manuels d'histoire, la Commune et la guerre de 1870 furent confondues, mêlant adroitement la défaite infligée au Second Empire et l'insurrection qui s'ensuivit. De cette guerre civile dont on ne voulut longtemps parler, l'on préféra retenir les ruines de Paris imputées aux Communards, elles-mêmes confondues aux bombes versaillaises ou aux ruines d'une guerre que la France provoqua. Il n'est jamais bon de se souvenir que les peuples se soulèvent, il est plus séant qu'on les dise attaqués. Ce que la photographie n'avait pu pour des raisons techniques parvenir à fixer, elle fut contrainte de le composer, comme les mises en scène de Marconi ou les photomontages d'Appert, la photographie s'étant ici trop souvent faite l'auxiliaire du pouvoir. C'est de cet usage de l'image dont traite le présent ouvrage, son rapport à l'événement en voulant dépasser la légende.

Longtemps, en Occident, le noir a été considéré comme une couleur à part entière, et même comme un pôle fort de tous les systèmes de la couleur. Mais son histoire change au début de l'époque moderne : l'invention de l'imprimerie, la diffusion de l'image gravée et la Réforme protestante lui donnent, comme au blanc, un statut particulier. Quelques décennies plus tard, en découvrant le spectre, Newton met sur le devant de la scène un nouvel ordre des couleurs au sein duquel il n'y a désormais plus de place ni pour le noir, ni pour le blanc : pendant presque trois siècles, ce ne seront plus des couleurs. Toutefois, dans le courant du XXe siècle, l'art d'abord, la société ensuite, la science enfin redonnent progressivement au noir son statut de couleur véritable.
C'est à cette longue histoire du noir dans les sociétés européennes qu'est consacré le livre de Michel Pastoureau. L'accent est mis autant sur les pratiques sociales de la couleur (lexiques, teintures, vêtements, emblèmes) que sur ses enjeux proprement artistiques. Une attention particulière est portée à la symbolique ambivalente du noir, tantôt pris en bonne part (fertilité, humilité, dignité, autorité), tantôt en mauvaise (tristesse, deuil, péché, enfer, mort). Et comme il n'est guère possible de parler d'une couleur isolément, cette histoire culturelle du noir est aussi, partiellement, celle du blanc (avec lequel le noir n'a pas toujours fait couple), du gris, du brun, du violet et même du bleu.
 

Brassaï, Capa, Kertész, Moholy-Nagy et Munkâcsi ont révolutionné le photojournalisme et la photographie d'art dans la première moitié du, XX° siècle. Ce magnifique ouvrage montre comment ces cinq hommes, qui ont tous quitté la Hongrie pour aller travailler en Europe ou aux États-Unis, ont fait de leur pays d'origine situé à l'intersection culturelle et géographique entre l'est et l'ouest, un creuset de la photographie. Il explore l'influence que leur vision et leur originalité ont exercée sur des générations de photographes. Illustrée par des œuvres majeures de ces pionniers et celles d'un certain nombre de leurs contemporains souvent des tirages d'époque provenant de collections hongroises, La Photographie hongroise marque une étape capitale dans l'étude de la photographie moderne.

À la fin de l’année 1975, installée depuis peu à Paris, Jane Evelyn Atwood réalise son premier reportage photo, en noir et blanc, dans une écriture à la fois simple, efficace et sensible.
D’une rencontre avec une prostituée de la rue des Lombards, elle découvre un univers où tout la fascine : personnages extraordinaires,
costumes incroyables, regards portés sur les hommes…
L’entrée de l’immeuble est miteuse, les murs crasseux, le sol couvert de mégots, une odeur de pisse envahissante, mais l’envie de mieux connaître ces femmes convaincra Jane Evelyn Atwood de partager leur vie.
Plus de trente ans après, les éditions Xavier Barral réunissent pour la première fois l’ensemble de ce travail peu connu de Jane Evelyn Atwood. Un bel hommage à ces femmes, à leur générosité, et à ce Paris la nuit de la fin des années 1970

En 1957, le photographe Brassaï est invité par le magazine«Holiday»pour réaliser un reportage sur New York et La Nouvelle-Orléans. Lors de ce premier voyage aux Etats-Unis l'artiste opère une modification radicale dans son style : il réalise ses premiers clichés en couleur et concentre son intêret sur la verticalité des gratte-ciel américains.

 

Le catalogue des 42e Rencontres d’Arles présente près de cinquante expositions installées dans divers lieux patrimoniaux exceptionnels de la ville.
En 2011, le Mexique, dont l’histoire photographique est riche, sera l’invité des Rencontres d’Arles. Des photos de propagande de Pancho Villa et Zapatta aux photographes les plus contemporains, les manifestations couvriront un large panorama. L’évolution de la photographie à l’heure d’internet sera l’objet d’une série d’expositions numériques, fruit d’une recherche d’experts prestigieux sur internet. Les dix ans de la nouvelle formule seront fêtés à travers les prix, et les Rencontres auront la primeur européenne de la “Valise mexicaine”, le trésor retrouvé des négatifs de Robert Capa, Chim et Gerda Taro sur la Guerre d’Espagne, et encore beaucoup d’autres expositions à découvrir.
 

Patrick Faigenbaum a publié ces dernières années plusieurs ensembles d'images prises dans diverses régions ou villes d'Europe : Brême, Barcelone, Tulle, la Sardaigne. L'ouvrage publié à l'occasion de cette exposition réunit quatre-vingts photographies de natures très diverses, qui ont en commun d'avoir été prises dans le territoire parisien. Le livre est constitué de séquences qui alternent des vues proches et lointaines. Proche et lointain qualifient à la fois une géographie et une biographie. Patrick Faigenbaum, parisien de naissance, vit encore dans la capitale. Les lieux les plus proches sont ceux de l'intimité familiale : entre autres un extraordinaire ensemble de portraits de la mère de l'artiste, des vues du quai de la Loire... Le lointain biographique est présenté dans un prologue qui rassemble, sous le titre • 1972 - Rue Michel-Chasles », les images les plus anciennes de l'artiste, restées inédites jusqu'à ce jour. Le lointain géographique se distribue selon les quatre points cardinaux du territoire métropolitain que l'artiste a arpenté au printemps 2011 (Montreuil, Nanterre, Saint-Denis, Rungis, Saint-Germain-en-Laye...).

Robert Putinier est un « périplien » sec, il a navigué autour du monde, Yémen, Sri-Lanka, Bénin, Mexique, Indonésie... Son escale bien-aimée est le Sahara, c’est là que naît Rêve de dunes (éditions Du Mont, 2005), un livre de photos émouvantes sur les peuples du désert et leurs somptueux décors naturels. De cette réalité, il en invente une autre : des paysages imaginaires obtenus en surimprimant ses images. Après une visite dans son atelier, il est question de faire un autre livre « saharien », mais une boîte à chaussures de Pandore en décide autrement ; au fond de celle-ci, une multitude de tirages noir et blanc nous attendent. Quelques trésors remontent à la surface ; images de toutes tailles – parfois cornées, parfois tâchées – négatifs, diapositives ne dorment que d’un œil. Robert Putinier saisit des instants ordinaires qui deviennent extra, les petites failles de la vie, il sait capter le fugitif instant aussitôt disparu, l’expression à la seconde près, les absurdités quotidiennes, les bizarreries. C’est ainsi qu’est né fortuitement Vies-à-vies, un recueil d’instantanés parfois sombres, cocasses, délicats, drôles, autant de micro-mondes qui se côtoient, se frôlent, se figent. À ces images, nous avons marié des mots, la célébration de cette union est ici faite.
 

Au sommaire de cette deuxième édition, le lecteur trouvera, artiste par artiste, depuis le milieu du XIXe siècle (date d'invention de la photographie) jusqu'à aujourd'hui les dates bibliographiques, la nationalité de l'artiste, ses thèmes de prédilection, les enchères sélectionnées, un historique et un glossaire. Avec un marché de la photographie en pleine expansion, ce guide est indispensable à tout chineur, marchand et amoureux de la photographie.

Dans les années 1920, le critique d'art André Warnod lançait l'expression 'École de Paris' pour désigner le rassemblement d'artistes étrangers attirés à Paris par la vitalité intellectuelle et culturelle de la capitale, et par son atmosphère de liberté. Ce mouvement des artistes étrangers vers Paris n'eut en vérité jamais rien d'une école au sens doctrinaire du mot. Il s'agissait de se rencontrer, d'échanger expériences et intuitions, et de se nourrir, du Bateau-Lavoir de Montmartre au café du Dôme de Montparnasse, de l'effervescence de la ville. En même temps que de toutes les nationalités, Paris se fit le lieu de toutes les recherches de la modernité artistique : cubisme, primitivisme, abstraction. Avec ' L'École de Paris 1904-1929, la part de l'Autre ', le musée d'Art moderne de la Ville de Paris nous offre à découvrir et redécouvrir des oeuvres de quatre-vingt-deux artistes parmi lesquels Brancusi, Brassaï, Foujita, Juan Gris, Man Ray, Picasso, Van Dongen ou encore Zadkine, provenant de collections publiques et privées. Le prêt d'oeuvres très rarement exposées, dont le rassemblement reconstitue un moment exceptionnel de l'histoire artistique de Paris et de l'histoire de l'art moderne.

La photographie publicitaire est un domaine de l'histoire de la photographie qui jusqu'à présent a été négligé. Des années 1930 jusqu'à nos jours, ce livre présente le travail d'une trentaine de photographes ayant influencé cette discipline. Stars ou inconnus, les photographes ayant travaillé pour la publicité sont ici représentés par des reproductions en pleines pages qui mettent en valeur leur travail : Man Ray, François Kollar, Guy Bourdin, Peter Knapp, Peter Lindbergh, Sarah Moon, Jeanloup Sieff et Jean-Paul Goude en sont les principaux acteurs.