Nouvelle édition 2012 de ' La Cote des Peintres ' : ouvrage indispensable aux collectionneurs et amateurs d’art. La Cote des Peintres est le plus important répertoire de noms et de cotes existant. Dans cette nouvelle édition, l’auteur, J-A Akoun a collecté des renseignements sur plus de 80 000 artistes. La présentation claire fait apparaître d’un simple coup d'œil la cote moyenne d'un peintre, toutes époques et tous pays confondus. Les enchères record, très éloignées du prix moyen, sont signalées au cas par cas ; pour tel ou tel artiste, les tendances à la hausse, à la baisse ou à l'instabilité sont précisées. Le ' Akoun 2012 ' est un précieux outil de travail et de recherche aussi bien pour les professionnels que pour les amateurs. Impression sur "papier bible comprenant  1400 pages, trés agréable à consulter

Montpellier est une terre d’élection pour la céramique: nombre d’érudits en ont souligné l’importance depuis le XIXe siècle, grâce aux exceptionnels ensembles conservés in situ dans les collections comme dans les grands musées européens. Les travaux fondateurs de Jean Thuile publiés en 1943 avaient déjà consacré le rôle primordial de la capitale languedocienne dans le développement de la faïence en France. Les récentes découvertes de l’archéologie ont permis de renouveler en profondeur la connaissance de ce centre de production et de dévoiler la richesse d’une industrie qui se développa sans discontinuité du XIIIe au XVIIIe siècle. Cet ouvrage, publié à l’occasion de l’exposition organisée à Montpellier au musée Fabre et au musée archéologique Henri Prades, permet ainsi, à la lumière d’un corpus unique de documents d’archives, de résultats de fouilles et de données archéométriques, de montrer toute la diversité de ces productions autant que la maîtrise atteinte par les faïenciers montpellliérains. Les essais publiés ici appuyés sur une abondante iconographie mettent ainsi en lien les résultats de la recherche archéologique avec les pièces conservées en collections et apportent une contribution majeure à l’étude des origines et du développement de la faïence en France, entre Espagne et Italie.
 

L’étain a depuis longtemps été utilisé pour la réalisation de vaisselle, notamment aux 18e et 19e siècles lorsque la porcelaine et le verre devinrent plus populaires. 20th century pewter Art nouveau to Modernism met en évidence le regain de créativité et d’intérêt que connut ce matériau à la période Art Nouveau. Paul Carter Robinson répertorie les artistes et manufacture ayant travaillé ce matériau. En Allemagne, en France, aux Pays-Bas, en Autriche, en Scandinavie, au Japon et en Amérique, l’étain a été employé comme moyen d’expérimentation par les designers. Plus de 350 reproductions permettent de découvrir cette production d’étains Art Nouveau. Paul Carter Robinson présente successivement la production de chaque pays, ce qui permet de mettre en évidence les spécificités de chacun. En fin d’ouvrage, deux chapitres plus spécifiques sont consacrés à l’étain, son entretien et sa restauration. A destination de tous les amateurs et collectionneurs s’intéressant à la période Art Nouveau ou à l’étain.

"Historische Bestecke III. Von der Frühzeit bis in die Zeit um 1600" est le troisième et dernier ouvrage de la série Historische Bestecke dans laquelle Jochen Amme présente sa collection de couverts. Admirable travail de classification tout d’abord et de présentation, permettant un accès chronologique aux pièces. Ouvrage abondamment illustré de magnifiques photos réalisées par Helge Mundt mettant en valeur toute la beauté des pièces. Tous les objets sont reproduits et accompagnés d'une notice explicative très complète. Des Celtes à nos jours, autant de pièces à découvrir à travers cet ouvrage richement documenté dont les 3 volumes forment un merveilleux catalogue de collection.

Qu'ils soient publicitaires, derrière le bar, sur le comptoir, dans la salle, en terrasse ils ont été le témoin d'innombrables discussions, de lectures, de jeux et de rires. Ces souvenirs de bistrots d'autrefois nous rappellent ces lieux de convivialité qui tendent aujourd'hui à tomber dans l'oubli. Entrez dans ces estaminets pour leur redonner vie, retrouver la couleur et l'ambiance des bars d'hier. Des boissons disparues aux saveurs éternelles, des incontournables limonadiers aux fontaines interdites, des sages plaques émaillées décoratives aux jeux de dés tonitruants. poussez la porte !

À la différence de certaines régions d'Afrique qui ont vu l'établissement de grands royaumes, l'Ogooué, au Gabon, n'a jamais eu d'art de cour. Ici, l'art est toujours rituel : les objets sont destinés à des rites pratiqués au sein d'une société du type « anarchie familiale », où le clan et le lignage prédominent sur toute autre forme d'organisation.
Les objets religieux de la vallée de l'Ogooué, que nous classons aujourd'hui au titre d'oeuvres d'art, avaient une fonction au service de l'individu et de la communauté : entrer en communication avec le monde des esprits pour provoquer la guérison, déclencher la maternité, sortir vainqueur d'une bataille, provoquer la pluie. Ils permettaient un lien avec le monde invisible des divinités et esprits. Contrairement à l'interprétation et au contresens de nos premiers missionnaires, ces objets n'étaient pas vénérés pour eux-mêmes, mais du fait de la relation qu'ils permettaient d'établir avec les esprits et les mânes des ancêtres.
Pour comprendre l'art de l'Ogooué, il faut connaître le monde dans lequel s'est formée l'âme de ceux qui en sont à l'origine. Les croyances qui sous-tendent cet art religieux sont invisibles à l'observateur superficiel et, pourtant, elles font corps encore de nos jours avec la mentalité des individus. C'est pourquoi les textes et les légendes de cet ouvrage s'attachent à fournir une identité contextuelle aux objets avant de laisser parler les photographies (photos inédites d'objets principalement issus de collections privées, ainsi que photos inédites des archives des Pères du Saint-Esprit, du début du XX° s.) qui, par suggestion plus ou moins violente de la plastique, invitent à percevoir l'émotion, l'énergie, la beauté qui s'en dégagent.
Aussi l'ambition de ce livre est-elle de présenter l'art du bassin de l'Ogooué dans le cadre culturel qui lui donne tout son sens.
 

Irremplaçable, le Bénézit est un outil de travail indispensable pour les amateurs comme pour les professionnels de l'art. Il recense  les peintres, sculpteurs, dessinateurs et graveurs de tous les temps et de tous les pays. Cette édition est le fruit de plusieurs années de travail. Reliure toile Remafil.

ATTENTION cette offre concerne un ensemble de 13 volumes (vol. 2 à 14, il manque le volume 1 à cette collection)

En 1854, le Japon, qui vit en autarcie depuis plus de deux cents ans, est confronté pour la première fois aux navires

de guerre des Etats-Unis venus le sommer de s'ouvrir pour faciliter le commerce mondial. Les samouraïs, se
préparent à la guerre, déterminés à rester isolés et hermétiques aux autres cultures.
Ils sont cependant conscients de l'immense différence de puissance entre les armées, les sciences et les
technologies des deux pays. Cette guerre n'aura pas lieu mais provoque un conflit qui divise le pays. Le shôgun, chef
suprême des samouraïs, sera renversé par des clans révolutionnaires qui redonnent à l'empereur sa légitimité.
Cependant, cet empereur ouvre son pays au reste du monde contre l'avis les clans qui l'ont conduit au pouvoir. Le
Japon va alors se transformer profondément en quelques dizaines d'années.
Ses armes et ses armées, inspirées par l'Occident, vont faire disparaître définitivement celles issues des traditions
ancestrales et séculaires. Le katana et le tachi laissent place à des sabres réglementaires qui combinent souvent
deux cultures : l'esthétique de l'Occident et les techniques traditionnelles du Japon mais aussi parfois l'inverse :
l'esthétique purement japonaise alliée à des techniques de fabrication occidentales.
L'aboutissement de cette évolution hors du commun donne naissance aux sabres les plus spectaculaires et les plus
redoutables de toute la Seconde Guerre mondiale : les shin-gunto et les kai-gunto. Ils deviennent le symbole absolu
du nationalisme et d'une philosophie martiale incompréhensible pour les Occidentaux de l'époque.
Ces sabres, très recherchés par les collectionneurs, sont aujourd'hui les témoins de cette histoire complexe et
passionnante. Un livre de référence.

Brillante approche, sensible et didactique, qu’a choisi Barbara Lecompte pour brosser ces tableaux d’Empire. L’année 1808 est pour elle un point d’ancrage, un prétexte qui lui permet d’aborder son sujet avec une subtile originalité : s’appuyant sur l’Histoire, elle compose douze tableaux – douze chapitres reprenant les mois de l’année, de janvier à décembre dans lesquels on saisit tour à tour Vivant Denon, David, Joséphine, Hubert Robert, Goya, Canova, Ingres, Murat, Girodet, Hortense, Napoléon, Benjamin Zix se livrant à des monologues dans lesquels planent les événements politiques du moment imbriqués aux grands enjeux esthétiques de l’époque. Cette introspection saisissante (au point que la lecture semble s’opérer dans l’esprit même des protagonistes) nous fait découvrir comment travaillaient les artistes officiels ; on découvre leurs manies, leurs craintes, leur orgueil, leurs déceptions, leurs rivalités, leurs espoirs, leur rage ravalée. On les voit de page en page ronger leurs jalousies vis-à-vis des maîtres de leur temps ou, au contraire, traduire l’admiration qu’ils portent à leurs
contemporains et, au passage, qu’ils aient été portés par la Révolution ou minés par elle, on entrevoit de l’intérieur quels sentiments ils nourrissent pour la figure omniprésente et dévoreuse de Napoléon. Une approche unique s’appuyant à la fois sur la rigueur de l’histoire de l’art et l’inventivité narrative.
 

Robert Putinier est un « périplien » sec, il a navigué autour du monde, Yémen, Sri-Lanka, Bénin, Mexique, Indonésie... Son escale bien-aimée est le Sahara, c’est là que naît Rêve de dunes (éditions Du Mont, 2005), un livre de photos émouvantes sur les peuples du désert et leurs somptueux décors naturels. De cette réalité, il en invente une autre : des paysages imaginaires obtenus en surimprimant ses images. Après une visite dans son atelier, il est question de faire un autre livre « saharien », mais une boîte à chaussures de Pandore en décide autrement ; au fond de celle-ci, une multitude de tirages noir et blanc nous attendent. Quelques trésors remontent à la surface ; images de toutes tailles – parfois cornées, parfois tâchées – négatifs, diapositives ne dorment que d’un œil. Robert Putinier saisit des instants ordinaires qui deviennent extra, les petites failles de la vie, il sait capter le fugitif instant aussitôt disparu, l’expression à la seconde près, les absurdités quotidiennes, les bizarreries. C’est ainsi qu’est né fortuitement Vies-à-vies, un recueil d’instantanés parfois sombres, cocasses, délicats, drôles, autant de micro-mondes qui se côtoient, se frôlent, se figent. À ces images, nous avons marié des mots, la célébration de cette union est ici faite.
 

Edité pour la première fois en 1911, le Benezit est vite devenu un outil de travail précieux pour des historiens d’art et des marchands d'art. Cette dernière édition de 2006 publiée en langue anglaise a nécessité 5 longues années de travail. Plus de 20.600 pages avec plus de 175.000 entrées, soit des milliers de nouvelles entrées ou mises à jour de notice depuis la dernière édition de 1999. Chaque entrée donne les informations biographiques nécessaires : nom, nationalité, dates, champ d'expertise, médias, genre et thèmes, mouvement, groupe, école... Ces informations sont suivies d'une biographie critique concise et spécifique, se concentrant sur la formation, les influences, les expositions et les travaux. Environ 11.000 signatures, monogrammes et timbres de vente sont inclus et reproduits pour aider à l'identification et l'authentification. Un éventail de valeurs et d’estimations mis à jour permet de situer la cote de chaque artiste. Une bibliographie est également proposée, elle permet d’approfondir les recherches. En fin de notice sont répertoriées les collections publiques principales présentant des œuvres de l’artiste. Le Bénézit est un outil de travail indispensable

La Sainte Anne, l’ultime chef-d’œuvre de Léonard de Vinci accompagne l’exposition présentée au musée du Louvre (mars-juin 2012). L’exposition et le catalogue sont le fruit d’une étroite collaboration avec le Centre de Recherche et de Restauration des Musées de France. Vincent Delieuvin s’est entouré de spécialistes : scientifiques et conservateurs qui selon leurs spécialités ont rédigé notices et chapitres apportant ainsi une meilleure compréhension de cette œuvre récemment restaurée. Comparaisons, études, confrontation avec des œuvres existant permettent de redécouvrir non seulement le chef-d’œuvre, mais également le travail de Léonard de Vinci. Toutes les œuvres présentées sont reproduites et accompagnées de notices très complètes rédigées par les différents spécialistes. A redécouvrir.
 

Illuminant aujourd'hui chaque coin de rue, chaque maison, chaque bureau, la lampe est devenue si banale qu'elle semblerait presque dénuée d'intérêt.
Et pourtant, du mythe de Prométhée jusqu'à la découverte d'Edison, que de chemin parcouru par la flamme apprivoisée! Cet ouvrage en retrace les avatars techniques successifs, les formes esthétiques ou purement fonctionnelles.
À travers les siècles et les continents, lampes, lanternes et chandeliers retrouvent toute leur signification utilitaire, mais aussi décorative et parfois même ludique, sans oublier le rôle central que joue le luminaire dans toutes les religions. Synthèse des valeurs mystiques du feu, sa flamme incarne à elle seule le trait d'union entre l'homme et le divin.
Enfin, le volume ouvre également la porte à une réflexion plus profonde sur l'impact social de la lumière artificielle qui permet à l'homme de poursuivre ses activités. à la tombée de la nuit
 

Magnifique ouvrage consacré au travail d’Artemisia Gentileschi, fille d'Orazio Gentileschi, l'un des plus grands peintres de la Rome baroque. Artemisia 1593-1654 accompagne l’exposition éponyme présentée à Paris à la Fondation Dina Vierny – Musée Maillol (mars-juillet 2012). Patrizia Nitti, Roberto Contini et Francesco Solinas ont constitué un groupe de recherche sur le travail d’Artemisia. Le fruit de ces recherches est restitué sous la forme d’une exposition accompagnée d’un catalogue d’exposition. A découvrir des œuvres restaurées, retrouvées et présentées pour la première fois au public. C’est également la première exposition monographique consacrée à Artemisia. Outre le catalogue des œuvres exposées, les différents spécialistes de l’art de cette période replacent la vie de cette femme et le parcours de l’artiste dans leur contexte, mettant en avant toute une modernité artistique, picturale et sociale. Les auteurs évoquent la formation d'Artémisia ainsi que son travail à Rome, Florence, Naples, Venise et Londres. Parcours d’une femme artiste qui rencontra de grands monarques et les grands peintres de l’époque : ceux qui l’ont formée, qu’elle a côtoyés ou qu’elle a formés. Un parcours peu ordinaire à une époque où les femmes pouvaient éventuellement s’intéresser à la peinture de natures mortes ou de portraits, Artemisia s’attaqua à la peinture d’histoire… En quête de sa propre gloire et de sa liberté, elle a travaillé et gagné sa vie à la force de son pinceau. Par son talent et sa force créatrice, elle est devenue l'un des peintres les plus célèbres de son époque, l'une des plus grandes artistes de tous les temps. Les drames de sa vie personnelle ont profondément marqué sa vie et sa carrière. À l'instar de Caravage, il a fallu attendre plus de trois siècles pour qu'elle soit de nouveau reconnue et universellement appréciée.

Véritable artiste, Dominique Favey Blackmore s'est formée à la sculpture auprès d'Isabelle Waldberg à l'école des Beaux-arts de Paris. Elle a ensuite, comme par évidence, étendu le champ de son d'action sculpturale au monde du bijou.
Trouvant que la technique du moulage est trop « policée » et qu'elle impose trop de distance avec l'objet final, la créatrice veut éliminer toutes les étapes intermédiaires. Elle privilégie donc l'immédiateté du geste, le modelage, le travail du plâtre direct, de la matière à cru, la cire perdue, et plus récemment le métal soudé.
La plupart de ses bijoux sont des pièces uniques. Seules quelques créations emblématiques de sa démarche font l'objet de petites éditions. Mais toutes ont la vertu d'être résolument addictives.
C'est d'une façon poétique qu'Anita Castiel journaliste dans les domaines culturels, productrice d'émissions sur France-Culture et écrivain présente l'oeuvre de Dominique Favey Blackmore.
 

"Louis Vuitton / Marc Jacobs" est un ouvrage qui accompagne l'exposition présentée au Musée des Arts Décoratifs (9 mars-16 septembre 2012). Cette exposition présente l’histoire de deux personnalités, Louis Vuitton et Marc Jacobs (directeur artistique de la maison Louis Vuitton), et met en évidence leurs contributions à l’univers de la mode. Comment ont-ils su s’inscrire dans leur époque respective pour innover et faire avancer toute une industrie ? De quelle façon ces deux hommes, avec leur langage propre se sont-ils appropriés les phénomènes et codes culturels afin d’écrire l’histoire de la mode ?
Plutôt analyse que rétrospective, cette mise en parallèle Vuitton-Jacobs permet d’éclairer le système de la mode durant ces deux périodes charnières que sont l’industrialisation de la fin du XIXe siècle et la globalisation du début du XXIe siècle. Y sont évoqués les métiers d’art, les avancées techniques, les créations stylistiques et les collaborations artistiques. "Louis Vuitton / Marc Jacobs" raconte comment, à plus d’un siècle d’intervalle, deux personnalités ont su comprendre leur époque et s’appuyer sur les possibilités qu’elles offrent : sous le Second Empire, Louis Vuitton développe son entreprise d’« emballeur » de modes dans un Paris en pleine expansion. Marc Jacobs, directeur artistique depuis 1997, se réapproprie quant à lui les codes culturels de la marque tout en les détournant, incarnant à la perfection le modèle type du créateur contemporain.

 

On a déjà tout dit et presque tout écrit sur la ou les DS. Il est vrai que même au XXIe, elle fait encore référence dans plusieurs domaines. Les jouets et miniatures DS connaissent eux aussi un engouement de plus en plus fort. L'auteur est un précurseur en la matière :  depuis les années 1970, il traque sans relâche tout ce qui ressemble de près ou de loin au chef-d'œuvre de Citroën. Renaud Siry nous livre tous ses secrets, son expérience de collectionneur et nous transmet à travers cet ouvrage sa passion. Toutes les DS miniatures sont présentées et classées par fabriquant. De très nombreuses reproductions viennent illustrer les propos et les explications de Renaud Siry. Corgi, Matchbox, JEP, Norev, Minialuxe, Joustra.... autant de modèles à découvrir ou redécouvrir.

“Craquer une allumette”... ce geste simple tient un peu de la magie et émerveille encore les plus jeunes même si, de nos jours, la production du feu se fait avec d’autres moyens, certes plus modernes mais quelque peu « insipides ». Il nous est difficile aujourd’hui d’imaginer le formidable progrès qu’apporta à nos sociétés l’invention de l’allumette, il y a peu de temps en définitive. Depuis la découverte du feu, par le frottement de deux morceaux de bois ou de deux pierres, des centaines de milliers d’années se sont écoulées avant que le « feu instantané » soit à la portée de tous. C’est avec la révolution industrielle du XIXe siècle qu’une étape décisive est franchie. Le 27 avril 1827, un pharmacien anglais installé dans le Yorkshire met en vente un bâtonnet capable de faire du « feu instantané ». L’allumette à friction vient de faire ses premiers pas. L’homme dispose désormais de l’une des inventions les plus simples pour produire et transporter du feu.
Le livre Une histoire de l’allumette retrace les grandes lignes de cette ultime conquête du feu par un objet emblématique d’une rare et élégante sobriété.
 

Objets trésors, trésors cachés, sujets de passion, de désirs, de jalousies, mais aussi travaux opiniâtres, exposés, copiés, vendus, le tîfaifai n'est pas seulement une couverture légère faite de deux épaisseurs de tissu de coton cousues à la main ou à la machine mais une partie indissociable de l'art, du décor et de la vie polynésienne.
Le tîfaifai d'aujourd'hui est un art métis, syncrétique, apporté par les femmes de missionnaires et apprivoisé par les Polynésiennes, lié à une histoire relativement récente son introduction date d'environ 200 ans. Il est la version polynésienne d'un ouvrage nommé patchwork dans le monde. Les tîfaifai diffèrent par leur partie supérieure. Pour le modèle « mosaïque », tîfaifai pû en Polynésie ou encore ‘iripitià Rurutu, elle est constituée de nombreux petits morceaux de tissu de couleurs différentes, coupés de manière géométrique, soigneusement et artistiquement cousus ensemble. Pour « l'appliqué » ou « l'applique », tîfaifai pà'oti ou tîfaifai tapin, le ou les dessins généralement figuratifs, représentant surtout la flore sont coupés dans un morceau de tissu d'une ou de plusieurs couleurs et cousus sur le drap uni d'une autre couleur. Cet ouvrage sur le tîfaifai est le premier qui aborde ce sujet de façon aussi approfondie et s'y consacre entièrement sans pour autant prétendre à l'exhaustivité. C'est avant tout et surtout un livre issu de nombreuses rencontres avec les tifaifaiseuses. Elles ont accepté de se raconter, ont confié leurs souvenirs, leurs échecs, leurs déceptions comme leurs bonheurs, leurs fiertés. À travers ces échanges, en dépliant des tîfaifai, en touchant des tissus, en admirant des motifs, environnées de couleurs et de formes stylisées, nous avons approché un aspect de la société polynésienne qui touche au coeur de sa culture.
 

Ouvrage obligatoire pour tout amateur désirant identifier et connaître la valeur d'une monnaie du XX° siècle d'un des 447 pays ou colonies actuels ou disparus, référencés dans cet ouvrage. Ouvrage certes ressemblant plus à un annuaire qu'à un livre par la qualité de son papier. Mais sur lequel 60 000 types de pièces sont sommairement décrites et photographiées et dont les cotes sont données pour toutes les années de parution.

Les années 1950-60 constituent l’apogée des insignes de l’armée française. Qualités esthétique et symbolique rivalisent avec une fabrication de grande qualité par de véritables orfèvres (Arthus-Bertrand, Drago, Augis…). Pour la première fois, tous les insignes de l’ensemble des unités de l’armée de terre pendant la guerre d’Algérie sont répertoriés par deux éminents phaléristes: Jean Marchetti et Charles Janier. Insignes de l'Armée de terre - Guerre d'Algérie a demandé trois années de travail, de recherche et de compilations d’une vingtaine de collections privées.

Insignes de l'Armée de terre - Guerre d'Algérie présente 1500 insignes, dont 150 sahariens. Tous ces insignes sont certes répertoriés et classés, mais également replacés dans leur contexte historique. Chaque insigne est répertorié avec son numéro d’homologation, quand il existe, et la dénomination de son ou ses fabricants. Ouvrage abondamment illustré et documenté.
 

« La passion du savoir-faire. Collection Pierre Hénin » est un ouvrage passionnant qui retrace l'histoire d’'une collection, d'un collectionneur et d'objets. Pendant plus de 45 ans, Pierre Hénin a rassemblé des outils : plus de 10 000 objets datant du 17e au 20e siècle. Jacques-Olivier Durand et Marcel Lescroart par leur admirable travail de présentation nous permettent de découvrir cette collection. Jacques-Olivier Durand replace la collection dans son contexte humain, en abordant la personnalité de Pierre Hénin. Marcel Lescroart travaille sur les outils en nous présentant un catalogue précis, ordonné et détaillé de la collection. Ses recherches et ses connaissances lui permettent de mettre en avant la singularité de chaque pièce. Les outils sont ainsi classés par métiers. Les photographies couleur de Ray Wilson mettent en avant la diversité et l'originalité des outils présentés. Véritable musée à feuilleter, « La passion du savoir-faire. Collection Pierre Hénin » redonne vie à tous ces outils, à des métiers, à un savoir-faire, à des hommes qui les ont utilisés. Ouvrage à destination de tous: collectionneurs et spécialistes.  

Jean-Baptiste Carpeaux sculpteur. Catalogue raisonné de l’œuvre édité est un magnifique catalogue consacré à l’œuvre de Jean-Baptiste Carpeaux : abondamment illustré et documenté. En introduction au catalogue raisonné, Michel Poletti et Alain Richarme retracent tout d’abord le parcours artistique de Jean-Baptiste Carpeaux (formation, voyages, expositions, commandes…). Un chapitre très intéressant est ensuite consacré à l’édition des sculptures au 19e siècle et plus précisément aux sculptures de Carpeaux. Cette précision permet de bien replacer les œuvres dans leur contexte de création et dans le milieu artistique de l’époque. Le catalogue présente ensuite les œuvres retenues. Chaque œuvre est reproduite en couleur et accompagnée d’une notice explicative détaillée permettant de replacer chaque œuvre dans son contexte de création et de production. Autant d’œuvres à redécouvrir tels que La Danse ou Ugolin ainsi que de nombreuse autres pièces tout aussi sensibles et émouvantes accompagnées de variations et variantes.
Jean-Baptiste Carpeaux sculpteur. Catalogue raisonné de l’œuvre édité accompagna l’exposition présentée en 2003 au musée des beaux-Arts J. Déchelette de Roanne ainsi qu’au musée de Carcassonne. Michel Poletti et Alain Richarme ont également rédigé d’autres magnifiques catalogues raisonnés toujours disponibles : Barye catalogue raisonné des sculptures, Busato catalogue raisonné des bronzes 1954-2000, Pierre-Jules Mêne 1810-1879 catalogue raisonné de l'œuvre sculpté, Guido Righetti 1875-1958 catalogue de l'œuvre sculpté.

Le présent album est un outil de travail pour les architectes et les compagnons participant à la restauration du patrimoine, mais aussi pour tous ceux qui souhaitent connaître les savoir-faire anciens. Sans doute, verra-t-on de nos jours, au XXI°e siècle, des escaliers de Saint-Gilles ou des grandes abbayes du XVIII° siècle être recréés ou restaurés.
Cet ouvrage est le fruit d'un travail d'équipe. Les techniciens des Bâtiments de France,
dessinateurs au CRMH, Christel Guillot, Luis Alderete, Jean-Jacques Roman et Filipe Pina, architecte, stagiaire portugais du programme Erasmus, ont tous prodigué conseils et ana¬lyses.
Les conservateurs au Centre de recherches, Jannie Mayer, puis Marie-Agnès Férault ont suivi ce travail, le relisant et l'améliorant de leurs remarques pertinentes et constructives. Que tous ceux qui, anonymes ou non, ont participé à cet album par leur savoir-faire de dessinateur, de chercheur, de praticien du monument, les architectes en chef des Monuments historiques et les architectes des Bâtiments de France, soient ici remerciés; de même les propriétaires, affectataires, utilisateurs, conservateurs qui ont permis la réalisation de ces relevés, avec l'aide des services techniques qui ont la lourde tâche d'entretenir ces monuments et leurs escaliers.

Les rampes d'escalier, qui relèvent plus des arts décoratifs, sont absentes de cet album. Elles feront l'objet d'une étude spécifique de Martine Diot, dans un prochain volume.
 

Au terme de vingt-cinq années de recherches, Jean Rosen nous convie à une présentation détaillée de la production des XVIIIe et XIXe siècles, bien documentée par les archives, attestée par l’archéologie et les analyses de laboratoire, et largement illustrée par de nombreuses pièces inédites datées et signées provenant des réserves des musées et des collections particulières. Au XVIIIe siècle, ce sont souvent des faïences patronymiques, mais aussi de nombreux décors encore largement méconnus, comme la plupart des faïences dites « de La Rochelle », ou certains fonds jaune ou gris de lin. Après les faïences révolutionnaires, les beaux saladiers de commande précèdent la production courante des Manufacturiers associés dont toutes les marques sont reproduites. Peu après le milieu du XIXe siècle apparaissent les faïences « artistiques », mouvement amplifié à partir des années 1860 par l’intérêt porté localement comme dans tout le pays aux productions anciennes. À partir de 1875, Antoine Montagnon parvient à redonner à la faïence de Nevers sa splendeur d’antan, par les succès qu’il obtient aux Expositions universelles.
Riche et foisonnante spécialité incontournable de cette ville depuis plus de quatre siècles, diffusée et appréciée dans le monde entier, la faïence de Nevers, dans son extrême diversité, nous apparaît comme la manifestation directe et vivante d’un art décoratif sans complexe doté d’un charme indéniable. Elle possède en outre une qualité rare que, par-delà nos différences, nous reconnaissons entre toutes : l’authenticité.
L’auteur Jean Rosen, né dans le Nièvre en 1947, a passé son enfance à Nevers. Agrégé de l’université et docteur en histoire de l’art et archéologie, il est directeur de recherche au CNRS, au laboratoire ARTeHIS (archéologie, terre, histoire et société) de l’université de Bourgogne. Spécialiste reconnu de la faïence française du XIIIe au XIXe siècle, il a à son actif plus de 70 publications et participe régulièrement aux congrès nationaux et internationaux dans sa spécialité.
 

Cette encyclopédie est l'aboutissement de plusieurs décennies d'intimité avec le verre et le reflet d'une vision transversale de l'histoire de l'art et de ses liens avec l'histoire de la société. Elle permet au simple amateur de s'initier, comme au connaisseur et au professionnel de découvrir des aspects méconnus du verre et d'identifier des artistes, des techniques, des styles ou des dates. Elle permet également de se reconnaître dans les créations, si diverses depuis deux siècles, en distinguant ce qui mérite la dénomination d'oeuvre d'art et ce qui relève de la fabrication industrielle ou commerciale et, accessoirement, de déceler les faux ou attributions fantaisistes.

L"auteur
Yves Delaborde est historien de l'art et petit-fils d'un des verriers majeurs de l'entre-deux-guerres, Gabriel Argy-Rousseau, dont il a établi le catalogue raisonné (Editions de l'Amateur / Thames & Hudson, 1990, ouvrage en collaboration avec Janine Bloch-Dermant). Ouvrage disponible au Puits aux livres.
D'abord commissaire d'expositions (ministère de la Culture, Affaires étrangères), il a été metteur en scène, créateur du premier parcours spectacle audiovisuel (Chenonceau, 1978) et réalisateur de films documentaires sur l'art et l'architecture (Renzo Piano, François Mansart...). Il est également auteur de romans (La Bouche, Plon, 2000).
 

L’auteur, spécialiste de l’histoire de la marqueterie apporte un éclairage inédit sur la vie d’André-Charles Boulle. Il décrit l’univers dans lequel il vécut et nous montre un personnage aux nombreuses zones d’ombre. La description minutieuse des hommes de cour et d’atelier, de la vie à Versailles et au Louvre, ainsi que des événements majeurs qui ponctuèrent le XVIIe siècle, nous plonge dans un récit ou s’entrecroisent la petite et la grande histoire.

De l'An IV à la fin du Franc toutes les monnaies sont répertoriées, représentées en couleur et une cote indiquée pour six états différents. Le Franc présente les 4 881 monnaies françaises émises de 1796 à 2002  pour lesquelles 29412 cotes actualisées sont indiquées. Ce livre ne comprend donc pas les euros.

Sin and temptation, wisdom and deceit, death and damnation, but also eternity and renewal, protection and healing power – the symbolic meanings of the snake are as manifold as the myths, sagas and legends in which it plays a significant role. The snake led Adam and Eve into temptation in the Garden of Eden, the Uraeus snake was the symbol of the pharaohs in ancient Egypt, the Midgard serpent inhabited the ocean of Germanic mythology, it was the ancient symbol of the art of healing, was worshipped as the snake spirit in India and as a deity in African and Central American cultures. In all eras and in all cultures the snake has fascinated humankind and inspired the creation of striking works of art.
This publication is dedicated for the first time to the whole spectrum of the snake in jewellery, for few artists, jewellers or even the jewellery industry could resist the temptation to incorporate this creature into jewellery design. The examples span everything from Hellenistic snake bangles to the glittering art nouveau creations by Lalique and -Fouquet, from the luxurious creations by Cartier and Fabergé to the playful objects of contemporary jewellery artists, from snake motifs from Mexico and the golden snakes of the Akan in Ghana to Indian snake jewellery and Japanese snake netsukes – in jewellery the seductive power of the snake is unfailing. Let it put you under its spell!
A synonym of sin, the embodiment of deceit, an allegory of renewal – in all eras and in all cultures the snake has put mankind under its spell, fascinating and inspiring him. This publication with its seductive examples is dedicated for the first time to a very particular temptation: the snake represented in jewellery from around the world.
Exhibition at the Schmuckmuseum Pforzheim, 26.11.2011
 

Réédition à l'identique du livre paru en 2002.

Recueil de vies et d'objets excentriques, collection de textes et d'auteurs oubliés, anatomie de l'incongru, ce livre partage avec son objet l'attrait presque enfantin du merveilleux, le goût des chimères, la prédilection pour les lieux hybrides et poussièreux, la fascination pour les marges du savoir, ou plutôt pour un savoir impur, mêlé de crédulité et d'exactitude, qui trouva dans l'erreur et la confusion matière à une éblouissante création esthétique.

Par une approche stylistique, cet important ouvrage s’attache à présenter les cheminées françaises depuis l’époque gothique jusqu’à la première moitié du XXe siècle. Essentiellement en pierre et en marbre, mais aussi en bois, elles témoignent des constantes recherches des architectes, ornemanistes, tailleurs de pierre et sculpteurs pour sublimer le décor de la cheminée.

 

Désormais ouvrage de référence dans l'univers de la marque mythique, Inestimables Dinky Toys Argus 2012 va offrir de multiples avantages au collectionneur : une liste complète des modèles et ce, pour tous les pays, ainsi qu'un descriptif des caractéristiques essentielles (Couleur, publicité.), le tout classé de façon à permettre une recherche rapide et efficace.
Basé sur les relevés de ventes aux enchères de 1999 à 2011, cet ouvrage recense le prix de transactions pour la presque totalité des modèles de la marque. Outre la cote des voitures, des camions, des avions, bateaux et autres personnages, le lecteur trouvera celle de prototypes, d'essais de couleur, de plans d'étude, de boîtes et de surboîtes vides, des catalogues, des coffrets, soit autant de prix qui ne manqueront pas de surprendre tant l'amateur que le professionnel.
Illustré de plus de 1 400 photos, Inestimables Dinky Toys Argus 2012 est une source précieuse d'informations vérifiées, un guide limpide pour bien acheter et pour vendre bien, auquel s'ajoute le plaisir constant de retrouver de page en page les modèles qui ont émerveillé notre enfance.