Véritable artiste, Dominique Favey Blackmore s'est formée à la sculpture auprès d'Isabelle Waldberg à l'école des Beaux-arts de Paris. Elle a ensuite, comme par évidence, étendu le champ de son d'action sculpturale au monde du bijou.
Trouvant que la technique du moulage est trop « policée » et qu'elle impose trop de distance avec l'objet final, la créatrice veut éliminer toutes les étapes intermédiaires. Elle privilégie donc l'immédiateté du geste, le modelage, le travail du plâtre direct, de la matière à cru, la cire perdue, et plus récemment le métal soudé.
La plupart de ses bijoux sont des pièces uniques. Seules quelques créations emblématiques de sa démarche font l'objet de petites éditions. Mais toutes ont la vertu d'être résolument addictives.
C'est d'une façon poétique qu'Anita Castiel journaliste dans les domaines culturels, productrice d'émissions sur France-Culture et écrivain présente l'oeuvre de Dominique Favey Blackmore.
 

Elisabeth Defner is one of Austria’s most prominent jewellery artists. Since her jewellery design studies at the Vienna Academy of Applied Arts at the beginning of the 1960s she has been working as an independent artist in Vienna, until 1976 cooperating with the jewellery artist Helfried Kodré in a workshop community. In 1967 she won the Bavarian State Award in Munich, in 1970 the Diamond-Award. Today her works are displayed in museums in eg. Vienna, Graz, Pforzheim, Cologne, Prague and Edinburgh.

For Elisabeth Defner – who since 1990 bears the second name of Jesus Guennaibim – jewellery isn’t merely an aesthetic matter, but also especially a form of complementary healthcare for body, soul and spirit. The energy radiated from the metals and stones is in holistic harmony with the forms of the jewellery and can bring about an inner transformation of the wearer. Brooches, earrings, rings or pendants are combined with moulded gingko leaves, so that the beauty of the jewellery can merge idealistically with the magical effect of the plant. Defner’s magnetic jewellery of recent years also presents itself in the context of the incorporation of the hidden power of nature, with magnetic boxes and objects like magic wands and chess pieces.

This publication presents the unique work of Elisabeth Jesus Guennaibim Defner – jewellery in a previously unknown style: a unity of man, nature and cosmos.

 

On a déjà tout dit et presque tout écrit sur la ou les DS. Voiture du siècle ? Oui mais quel siècle ? Tant il est vrai que même au XXIe, elle fait encore référence dans plusieurs domaines. En tout cas, comme les Beatles, comme Marylin Monroe, comme James Dean, elle est culte. Et en plus, trendy ou tendance, comme vous préférez. La preuve : jamais sa côte n'est montée aussi haut. Et je ne parle pas du cabriolet, accessible pour le prix d'un coquet appartement ! Mais la « DSmania » ne se limite pas aux vraies. Les jouets et miniatures DS connaissent eux aussi un engouement de plus en plus fort. De plus en plus délirant !
L'auteur est un précurseur en la matière, lui qui, depuis les années 1970, traque sans relâche tout ce qui ressemble de près ou de loin au chef-d'œuvre de Citroën. Au point que, dans les bourses d'échanges, les marchands se précipitaient à sa vue pour lui sortir tel ou tel modèle gardé "juste pour lui", bien caché sous la table et, bien sûr, à un prix en rapport avec la rareté de l'objet...
Renaud Siry a enfin accepté de nous livrer tous ses secrets, de nous raconter sa passion, qui est aussi la nôtre, bref, de tout avouer et de tout nous montrer ! Nous sommes dans les années 1960. Les pompistes nous servent et on n'a que faire du prix de l'essence, ni de la vitesse, juste limitée par le côté droit de notre compteur. C'est Noël. C'est toujours Noël d'ailleurs quand on ferme les yeux pour mieux voir et qu'on se bouche les oreilles pour mieux entendre. Sortons nos voitures de leurs boîtes. Nous n'avons plus d'âge. Le rêve commence.
 

Marcel Coard est un ensemblier et décorateur méconnu de la période Art Déco. D'abord architecte, amateur d'art africain et océanien, son oeuvre, teintée de cubisme et d'exotisme, se ressent de ses passions diverses. Il ouvre un magasin dès la fin de la Première Guerre mondiale et reçoit des commandes de clients prestigieux, tel Jacques Doucet, auxquels il fournit des meubles simples et dépouillés, mais dont l'éventuelle sévérité des plans, des lignes droites, des longues courbes, se trouve atténuée par quelques « accidents » inattendus, tels de délicats motifs décoratifs qui évoquent souvent les sources lointaines de son inspiration. Adepte des contrastes entre bois sombres et décors aux tonalités claires et délicates, il utilise, outre des bois précieux, des plaques de lapis-lazuli, d'améthyste, de pierres d'Auvergne, des lames de miroir teinté, du galuchat, de la nacre et, l'un des premiers, du parchemin. Les sculptures africaines et océaniennes qu'il incorpore volontiers à ses décorations le poussent à conférer à quelques-uns de ses meubles une certaine rusticité. En bois massif, simplement équarri, ils rappellent ceux d'un autre adepte de l'art nègre et du cubisme, son confrère Pierre Legrain. Comme ce dernier, d'ailleurs, Marcel Coard, qui mettra fin à son activité en 1958, fait figure de solitaire et d'indépendant.

Brillante approche, sensible et didactique, qu’a choisi Barbara Lecompte pour brosser ces tableaux d’Empire. L’année 1808 est pour elle un point d’ancrage, un prétexte qui lui permet d’aborder son sujet avec une subtile originalité : s’appuyant sur l’Histoire, elle compose douze tableaux – douze chapitres reprenant les mois de l’année, de janvier à décembre dans lesquels on saisit tour à tour Vivant Denon, David, Joséphine, Hubert Robert, Goya, Canova, Ingres, Murat, Girodet, Hortense, Napoléon, Benjamin Zix se livrant à des monologues dans lesquels planent les événements politiques du moment imbriqués aux grands enjeux esthétiques de l’époque. Cette introspection saisissante (au point que la lecture semble s’opérer dans l’esprit même des protagonistes) nous fait découvrir comment travaillaient les artistes officiels ; on découvre leurs manies, leurs craintes, leur orgueil, leurs déceptions, leurs rivalités, leurs espoirs, leur rage ravalée. On les voit de page en page ronger leurs jalousies vis-à-vis des maîtres de leur temps ou, au contraire, traduire l’admiration qu’ils portent à leurs
contemporains et, au passage, qu’ils aient été portés par la Révolution ou minés par elle, on entrevoit de l’intérieur quels sentiments ils nourrissent pour la figure omniprésente et dévoreuse de Napoléon. Une approche unique s’appuyant à la fois sur la rigueur de l’histoire de l’art et l’inventivité narrative.
 

“Craquer une allumette”... ce geste simple tient un peu de la magie et émerveille encore les plus jeunes même si, de nos jours, la production du feu se fait avec d’autres moyens, certes plus modernes mais quelque peu « insipides ». Il nous est difficile aujourd’hui d’imaginer le formidable progrès qu’apporta à nos sociétés l’invention de l’allumette, il y a peu de temps en définitive. Depuis la découverte du feu, par le frottement de deux morceaux de bois ou de deux pierres, des centaines de milliers d’années se sont écoulées avant que le « feu instantané » soit à la portée de tous. C’est avec la révolution industrielle du XIXe siècle qu’une étape décisive est franchie. Le 27 avril 1827, un pharmacien anglais installé dans le Yorkshire met en vente un bâtonnet capable de faire du « feu instantané ». L’allumette à friction vient de faire ses premiers pas. L’homme dispose désormais de l’une des inventions les plus simples pour produire et transporter du feu.
Le livre Une histoire de l’allumette retrace les grandes lignes de cette ultime conquête du feu par un objet emblématique d’une rare et élégante sobriété.
 

"Historische bestecke III" est le troisième et dernier ouvrage de la série dans laquelle Jochen Amme présente sa collection. Admirable travail de classification et de présentation à découvrir. Tous les objets sont reproduits et accompagnés d'une notice explicative. Des Celtes à nos jours, autant de pièces à découvrir.

Depuis son renouvellement en Angleterre, grâce à William Morris et aux créateurs du mouvement Arts and Crafts, jusqu’à l’émergence de l’Art nouveau en Europe continentale, le papier peint fut le lieu de toutes les attentions sur les scènes artistiques européennes. Dans le même temps, les fabricants et les dessinateurs spécialisés qu’ils sollicitaient adoptèrent progressivement une esthétique inspirée par l’Art nouveau, jusqu’à ce que ces motifs constituent une part majoritaire des collections commercialisées à partir de 1900.
Grâce à une investigation menée au sein des milliers de modèles engendrés par l’industrie du papier peint, Jérémie Cerman aborde dans cet ouvrage de nombreux aspects du phénomène : l’activité des manufactures, les pratiques des ateliers de dessin industriel, le contexte de mise en vente de ces produit. Il montre notamment comment ces articles bon marché détenaient le potentiel d’une diffusion massive du goût moderne dans les intérieurs de la Belle Époque : grâce à eux, cette esthétique vint agrémenter le quotidien de toutes catégories de la population. D’un style bien marqué par la modernité ou d’un goût parfois plus consensuel, les papiers peints répondirent dans une certaine mesure aux idéaux sociaux de l’Art nouveau.
L’auteur
Spécialiste reconnu du papier peint Art nouveau, Jérémie Cerman est l’auteur de plusieurs articles sur le sujet, publiés tant en France qu’à l’étranger (États-Unis, Angleterre, Suède, Suisse). Ce livre constitue la version remaniée de sa thèse de doctorat, lauréate en 2010 du Prix Richelieu de la Chancellerie des universités de Paris. Jérémie Cerman a également co-dirigé la publication des actes du colloque Visible et Lisible. Confrontations et articulations du texte et de l’image (Nouveau Monde éditions, 2007) et enseigné l’histoire de l’art dans les universités de Paris 1 Panthéon-Sorbonne et de Picardie Jules Verne (Amiens). Il est actuellement pensionnaire à l’Institut national d’histoire de l’art.
• Publié avec notamment le soutien du musée des Arts décoratifs, du musée du Papier peint de Rixheim et
l’Espace culturel Les 26 couleurs
• Un sujet inédit pour une période artistique très appréciée
 

À la différence de certaines régions d'Afrique qui ont vu l'établissement de grands royaumes, l'Ogooué, au Gabon, n'a jamais eu d'art de cour. Ici, l'art est toujours rituel : les objets sont destinés à des rites pratiqués au sein d'une société du type « anarchie familiale », où le clan et le lignage prédominent sur toute autre forme d'organisation.
Les objets religieux de la vallée de l'Ogooué, que nous classons aujourd'hui au titre d'oeuvres d'art, avaient une fonction au service de l'individu et de la communauté : entrer en communication avec le monde des esprits pour provoquer la guérison, déclencher la maternité, sortir vainqueur d'une bataille, provoquer la pluie. Ils permettaient un lien avec le monde invisible des divinités et esprits. Contrairement à l'interprétation et au contresens de nos premiers missionnaires, ces objets n'étaient pas vénérés pour eux-mêmes, mais du fait de la relation qu'ils permettaient d'établir avec les esprits et les mânes des ancêtres.
Pour comprendre l'art de l'Ogooué, il faut connaître le monde dans lequel s'est formée l'âme de ceux qui en sont à l'origine. Les croyances qui sous-tendent cet art religieux sont invisibles à l'observateur superficiel et, pourtant, elles font corps encore de nos jours avec la mentalité des individus. C'est pourquoi les textes et les légendes de cet ouvrage s'attachent à fournir une identité contextuelle aux objets avant de laisser parler les photographies (photos inédites d'objets principalement issus de collections privées, ainsi que photos inédites des archives des Pères du Saint-Esprit, du début du XX° s.) qui, par suggestion plus ou moins violente de la plastique, invitent à percevoir l'émotion, l'énergie, la beauté qui s'en dégagent.
Aussi l'ambition de ce livre est-elle de présenter l'art du bassin de l'Ogooué dans le cadre culturel qui lui donne tout son sens.
 

Le Corbusier (1878-1965), un des plus connus et des plus influents architectes, a également créé une vaste série d’œuvres d’intérieures et de meubles design. La chaise longue LC4 et le fauteuil LC2, créés en collaboration avec Pierre Jeanneret et Charlotte Perriand sont des classiques modernes. Alors que le nombre d’ouvrage sur ses travaux architecturaux et sur le design icône des années 20 est sans fin , il n’y a aucun catalogue raisonné sur les designs d’intérieur et les meubles du Corbusier.
L’ouvrage richement illustré « Le Corbusier Furniture and Interiors 1905-1965 », (mobilier et architecture) comble ce vide. Il s’agit d’un catalogue raisonnné avec environ 340 entrées, avec des informations détaillées sur toutes les œuvres comprenant des centaines d’images et des textes descriptif. Les designs appartenant à un projet plus important sont présentés comme un ensemble et son étudié dans le contexte. Cet essai complémentaire, également richement illustré, couvre la période principale quand Le Corbusier travaillait dans le design de meubles : les premières années jusqu’en 1917, les plus fameux designs des années 20 et 30 et le minimaliste austère des années après guerre jusqu’en 1965.Sa collaboration avec son cousin Pierre Jeanneret et avec Charlotte Perriand est également étudiée en détaillée.
 

Actuellement, il ne se passe pas un mois sans que des articles paraissent sur le phénomène économique chinois et sur les prix extravagants réalisés par les antiquités chinoises. Or, hormis les catalogues d'exposition du Grand Palais et des musées Guimet ou Cernuschi, il n'existe pour ainsi dire pas d'ouvrage sur la céramique chinoise ancienne qui soit à la fois pédagogique et pratique. C'est cet oubli que se propose de réparer ce livre. L'auteur apporte d'abord des rudiments sur des notions techniques de base : qu'est-ce que la porcelaine, quand a-t-elle été inventée, qu'est-ce qu'une marque sur un objet chinois, que penser de l'usure, comment sont constitués les émaux, etc. Dans une partie plus historique, il explique ensuite la production céramique chinoise ancienne par dynasties, chaque « fiche » se présentant comme suit : une synthèse historique qui permet de cerner le contexte de production, puis une description des styles et des genres de céramiques qui sont produites à cette époque, le propos étant toujours de relier certaines évolutions majeures de la porcelaine de Chine avec l'histoire de ce pays.
Enfin, Alexandre Hougron s'attache, avec force photographies, à l'analyse « monographique » d'un certain nombre d'objets.
Il ne s'agit pas d'un ouvrage académique d'accès difficile, mais bien plutôt d'un livre pratique au langage simple pour initier les amateurs et les curieux aux arcanes de l'art chinois, l'esthétique des objets étant à chaque fois reliée à l'histoire des hommes qui les ont faits.
L'AUTEUR
Ancien enseignant en classes préparatoires, Docteur en études cinématographiques, Agrégé de Lettres classiques et élève de l'École Normale Supérieure d'UIm, Alexandre Hougron est l'auteur d'un ouvrage de sociologie paru en 2000 aux PUF (Science-fiction et société). Devenu antiquaire en art asiatique par passion pour l'art chinois, c'est en souhaitant répondre à la demande de clients qui voulaient apprendre à mieux comprendre cet art fascinant qu'il s'est attelé à cet ouvrage.
 

Tous les détails sur l'étude, le développement, la production, l'utilisation et la restauration
du plus fameux tracteur du monde.
En 1917, Harry Ferguson invente un système d'attache directe d'une charrue portée (dépourvue de roues) à un tracteur de façon à supprimer le risque de retournement. En 1925, sa charrue est en production aux États-Unis et Ferguson se consacre alors au développement d'un tracteur comprenant un système hydraulique d'attache et de relevage qui intègre en fait le tracteur et l'outil.
Après l'échec des partenariats envisagés avec David Brown au Royaume-Uni et Ford aux États-Unis, Ferguson et la Standard Motor Company lancent la production du modèle désigné TE-20 en Angleterre. Au cours des dix années suivantes, 793 000 exemplaires de cette machine emblématique seront produits en Grande-Bretagne, en France et aux états-Unis. Avec son relevage hydraulique trois points, Ferguson a conçu son tracteur comme un ensemble complet et intégré de machines de culture et, pendant la vie du TE-20, plus de 100 outils Ferguson seront conçus en fonction du tracteur.
Ce manuel qui décrit le développement du TE-20 de Ferguson et du Système Ferguson raconte la passionnante histoire de cette machine d'apparence modeste qui en réalité a mécanisé et révolutionné l'agriculture dans le monde entier.
Illustré par de nombreuses images d'archives et de photos de tracteurs restaurés, cet ouvrage contient :
– l'entretien et la réparation, les problèmes au quotidien et la fiabilisation dans le temps
– le catalogue complet de tous les outils et équipements de la marque conçus pour équiper le TE-20
– l'anatomie du TE-20 : moteurs, transmission, direction, essieux, système hydraulique, relevage, circuit électrique et carrosserie
– la recherche, la restauration et l'utilisation du « petit gris » de nos jours
Le manuel indispensable pour tous les passionnés du "petit gris" !
 

La réédition de ce dictionnaire de référence comble un manque. Publié en 1890, cet ouvrage traite de l’ensemble des thèmes relatifs à l’ameublement et à la décoration. Il comporte de nombreuses définitions et références artistiques et constitue un support dans la connaissance et l’analyse des objets et des lieux par les amateurs et les professionnels.