This comprehensive directory contains more than 2,000 biographical entries for individuals involved in American ceramic art from 1870 to 1970. It includes art/studio potters, pottery owners and managers, decorators, designers, sculptors, china painters, teachers, administrators, arts and crafts enthusiasts, and key figures active in government-sponsored ceramic work programs. This guide is a companion to the author's book Alternative American Ceramics. An essential resource for museums, galleries, collectors, libraries, and auction houses.

This is a comprehensive study of American art/studio pottery, dinnerware, and other functional wares (including china painting and ceramic decoration and design) produced without a primary profit-making motivation. Researched over a period of six years, it documents ceramics activity from the first recreational china painting enthusiasts, through varying stages of formal ceramic instruction, to the shift from ceramics as craft to art. This invaluable resource details works from non-commercial programs, including the Saturday Evening Girls, the Works Progress Administration, and many others.

PRIS DE LANCEMENT 79€ JUSQU'AU 31/12/10 ENSUITE 95€. L’art roman de l’Alsace est fortement marqué par son appartenance à l’Empire aussi bien dans ses références à des modèles d’édifices prestigieux, telles les cathédrales impériales de Spire, de Worms ou de Mayence, que par ses formes décoratives tout à fait particulières, mais surtout par la longue période durant laquelle il s’est développé, puisqu’il débute aux environs de l’an mil, et se maintient jusqu’à une époque où, en France, l’art gothique règne déjà en maître, c’est-à-dire aux environs de 1230-1240. L’itinéraire roman conçu dans cet ouvrage mènera le visiteur à travers l’Alsace, non seulement à la découverte de ses sites majeurs les plus renommés, mais aussi par des chemins détournés, à la rencontre de modestes chapelles ou fragments d’édifices de moindre importance qui n’en sont pas moins des jalons et des témoins précieux d’un art de bâtir, dont la chronologie et la vision sont vues sous un jour nouveau.

À l’occasion de cette exposition, le Louvre réunira vingt-neuf remarquables sculptures de l’artiste allemand F. X. Messerschmidt – têtes et bustes – sélectionnées au vu de leur qualité et de leur diversité. Ces oeuvres proviennent aussi bien de grandes institutions muséales telles que le Belvedere à Vienne ou le musée national de Munich, que de collections privées. L’événement s’inscrit par ailleurs dans le contexte de l’acquisition par le musée du Louvre, en 2005, d’une tête de caractère du sculpteur : L’homme de mauvaise humeur. L’exposition permettra de montrer au mieux l’évolution du style de Messerschmidt et de caractériser son esthétique, très influencée par les études sur le corps humain, la représentation des expressions et les expériences menées notamment par Mesmer et Lavater. Cet ensemble de portraits à la fois réalistes et fascinants est une illustration passionnante de l’effervescence intellectuelle et artistique dans l’Europe des Lumières. Les têtes de caractère constituent une production tout à fait extraordinaire dans l’histoire de la sculpture. Avec cette production très novatrice, Messerschmidt a brisé les carcans du portrait baroque et ouvert une nouvelle voie à la représentation des visages. L’exposition au Louvre mettra en lumière cette période si énigmatique de l’oeuvre de Messerschmidt que sont ces « têtes grimaçantes ». Celles-ci dépeignent une multitude d’expressions faciales : l’inquiétude, le trouble, le rire…. autant d’états d’âme que l’artiste traduit avec brio dans l’albâtre et le métal, avec une finesse d’exécution remarquable qui suscite encore aujourd’hui l’étonnement et le questionnement.

François Desportes, (1661-1743), élève de Nicasius Bernaert se rendit célèbre avec un Autoportrait en chasseur, qui lui permit d’être reçu à l’Académie à son retour de la Cour du roi de Pologne. Il devint peintre officiel du roi Louis XIV. Il exécuta alors les décors de la ménagerie de Versailles ainsi que diverses résidences royales (châteaux de la Muette et de Marly). Ses études sur la faune et la flore sont d’un réalisme admirable. Il est le grand peintre de la chasse, de la vénerie, des paysages et des animaux en action. Il dessina la tenture des Nouvelles Indes d’après les cartons d’Eckout qui fut tissée aux Gobelins.

Dans les années 1960, Georges de Lastic avait établi le premier catalogue raisonné de l’oeuvre de Desportes et en fit l’objet de son mémoire de l’École du Louvre en 1969. Il s’agit essentiellement d’un recollement des oeuvres données à Desportes dans les catalogues de vente, accompagnées d’oeuvres conservées en collections particulières mêlées avec un nombre important d’oeuvres mentionnées, soit près de deux mille numéros, complétés par des photographies, des notes ou documents que Georges de Lastic avait patiemment réunis. Cela constitua la base de départ des travaux de Pierre Jacky qui aboutirent à une thèse de doctorat en Sorbonne. Le catalogue raisonné – chronologique pour les peintures – est établi avec la rigueur scientifique à laquelle on est en droit de s’attendre de nos jours. À travers cette publication, nous espérons honorer la mémoire du grand historien de l’art qu’était Georges de Lastic. François Desportes, (1661-1743), élève de Nicasius Bernaert se rendit célèbre avec un Autoportrait en chasseur, qui lui permit d’être reçu à l’Académie à son retour de la Cour du roi de Pologne. Il devint peintre officiel du roi Louis XIV. Il exécuta alors les décors de la ménagerie de Versailles ainsi que diverses résidences royales (châteaux de la Muette et de Marly). Ses études sur la faune et la flore sont d’un réalisme admirable. Il est le grand peintre de la chasse, de la vénerie, des paysages et des animaux en action. Il dessina la tenture des Nouvelles Indes d’après les cartons d’Eckout qui fut tissée aux Gobelins. Il laisse plus de 1100 oeuvres reproduits dans cet ouvrage.

Il s’agit avant tout d’une histoire destinée à un large public dans le but de faire comprendre ce qu’est véritablement et sous toutes ses formes la miniature de portrait, exécutée d’abord sur vélin, puis sur ivoire et sur papier, du début du XVIe siècle, où elle apparaît pour la première fois en Angleterre, jusque dans les dernières années du XIXe siècle qui voit son extinction progressive. Loin d’être uniquement une « peinture en petit » bonne à ranger parmi les bibelots, la miniature, dotée d’une véritable spécificité, est une oeuvre à part entière. En raison précisément de ses dimensions réduites, elle a tenu un rôle majeur dans l’histoire de la société et… des sentiments. Facilement cachée, offerte ou dérobée, tenue sur soi, échangée entre amants, parents ou amis, elle fut le précieux témoignage des sentiments, l’image-souvenir indispensable lors d’une séparation, et après la mort elle est alors souvent multipliée. Montée en bijou, présente sur ou à l’intérieur d’une boîte ou dans un écrin pour échapper aux regards indiscrets, accompagnée de cheveux de l’être cher, elle fut ardemment aimée. La littérature et la peinture en témoignent abondamment. La miniature apparaît en Angleterre, à la cour des Tudors, où elle tient notamment sous le règne d’Élisabeth Ire un rôle, indispensable à la politique, de célébration de la personne royale. Liée à la littérature et à la poésie, elle acquiert un sens savant et emblématique. Elle est aussi le cadeau diplomatique échangé entre les souverains, mais sa connotation demeure toujours sentimentale. À partir de la seconde moitié du XVIIIe siècle, elle est peinte sur ivoire et connaît alors un engouement qui se répand en touchant toutes les classes de la société et que la Révolution puis les guerres napoléoniennes ne feront que généraliser. Ces rôles divers sont abondamment décrits, accompagnés d’une évocation des artistes les plus talentueux et originaux qui ont pratiqué cet art, en Angleterre, en France et dans toute l’Europe où la miniature règne en maîtresse jusqu’au milieu du XIXe siècle. Entre la fin du XVIIIe et le début du XIXe siècle, son âge d’or, elle est relayée par le physionotrace, gravure de portrait en petit, puis par la miniature sur porcelaine dure qui se développe et se perfectionne durant la première moitié du XIXe siècle. À partir de 1850 environ, la photographie remplacera peu à peu la miniature qui, avant de céder sa place, tâchera d’adopter le style de ces nouveaux portraits. Très abondamment illustré, cet ouvrage a le mérite, qui devrait intéresser également les spécialistes, de faire découvrir des oeuvres inconnues d’une grande qualité provenant de collections privées et de dévoiler quelques chefs-d’oeuvre, jusqu’à présent non encore publiés, à Paris, du musée des Arts décoratifs et de la collection de Frits Lugt (Fondation Custodia). Des musées étrangers, Cognacq- Jay ou le musée des Arts décoratifs de Bordeaux ont également été sollicités. « Pays du souvenir et des sentiments », comme l’intitule l’écrivain et historien Emmanuel de Waresquiel qui le préface, ce panorama du petit portrait dans tous ses états est accompagné de textes dus à trois spécialistes : Claude Tanner, délicate restauratrice des petits portraits sur ivoire, donne des conseils pour leur conservation et leur restauration. Fabienne Xavière Sturm, conservateur honoraire du musée de l’Horlogerie à Genève, publie avec le carnet d’atelier de Louis-Ami Arlaud-Jurine les recettes d’un des meilleurs miniaturistes genevois, et Chantal Bouchon, conservateur du cabinet des Dessins au musée des Arts décoratifs de Paris, évoque la personnalité d’un grand collectionneur et donateur, Lefebvre de Viefville.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

ANTIQUES IN ITALIAN INTERIORS, VOLUME II presents a selection of magnificent Italian interiors. Following the success of the previous volume in the series (published by Verba Volant in 2005), this new book will open the doors to more private residences belonging to aristocrates and collectors. The interiors selected by art historian Roberto Valeriani and architectural photographer Mario Ciampi are located throughout the Italian peninsula. In Rome the Galleria Colonna, with its opulent halls and parlors, contains a celebrated art collection that belongs to a prestigious Roman family. Embellished with frescos dating to the seventeenth century, the princely baroque spaces boast masterpieces from the fifteenth to eighteenth century. The book passes from the affluence of the papal Rome to the opulence of Catania where Palazzo Gangi, one of the oldest baroque palaces in Sicily, was the settings for Luchino Visconti´s Il Gattopardo. The rich style and ambience of the collection of interiors in this volume demonstrates the full power of the elegance that can only be

- OUVRAGE A PARAITRE EN DECEMBRE 2010 - Giulio Ferrari dans « ITALIAN IRONWORK. MEDIEVAL - RENAISSANCE - BAROQUE - NEO CLASSICAL » présente à travers une centaine de reproductions des éléments décoratifs en fer forgé. De la période médiévale au 19e siècle, toutes les périodes sont abordées et illustrées. Ouvrage source d’inspiration, de découverte et de voyage au cœur de l’Italie.

Edgar Brandt (1880-1960) s’est illustré au début du 20e siècle par ses réalisations en fer forgé. Conception, dessin et réalisations de nombreux éléments ornementaux qui firent sa renommée dans les années 1920 notamment lors de l’Exposition de Arts Décoratifs de Paris en 1925. Textes et reproductions reprennent la vie et l’œuvre d’Edgard Brandt. EDGAR BRANDT ART DECO IRONWORK révèle le style très personnel d’Edgard Brandt : alliance de motifs ornementaux d’inspiration égyptienne et grecque, éléments géométriques et naturels. Grilles, portes, tables, vaisselle… autant de supports investis par l’artiste et reproduits dans cet ouvrage, permettant à chacun historien d’art et collectionneur d’avoir un bon aperçu de l’œuvre d’Edgard Brandt. Joan Kahr expert de l’œuvre d’Edgard Brandt est l’auteur de cet ouvrage. Cet ouvrage est vraisemblablement une réédition de celui paru en 1999.

« ART MEETS JEWELLERY. 20 Years of Galerie Slavik, Vienna. » reprend la présentation bijou depuis 1990 de la galerie viennoise Slavik. Renate Slavik a toujours été engagée dans son choix de présenter et soutenir des créateurs novateurs tant au niveau stylistique que technique, avec parfois des choix de matériaux très originaux et non conventionnels. La galerie se propose comme un lieu de réunion international pour artistes, collecteurs et professionnels de musée. Autant d’artistes, de sensibilités et d’originalité à découvrir à travers les œuvres présentées sur 20 ans. Différentes expressions du travail de création du bijou contemporain sont mises en avant.. « ART MEETS JEWELLERY. 20 Years of Galerie Slavik, Vienna. » offre un aperçu complet des 20 dernières années des bijoux contemporains internationaux de créateurs. Les œuvres de 60 artistes sont présentées dont celles de : Gijs Bakker | Anna Heindl | Miriam Hiller | Helfried Kodré |   Elisabeth J. Defner | Michael Becker | Anneliese Planteydt | Francesco Pavan | David Watkins | Stefano Marchetti | Daniel Kruger | Annamaria Zanella | Giovanni Corvaja | Jacqueline Ryan | Renzo Pasquale | Giampaolo Babetto | Okinari Kurokawa | Joaquim Capdevila | Ramon Puig Cuyas | Yasuki Hiramatsu | Isabell Schaupp.

« NOW! JEWELS OF NORMAN WEBER » accompagne l’exposition présentée au Deutschen Goldschmiedehaus de Hanau en octobre 2010, puis à Munich et Brescia. Pour Norman Weber, le bijou est un vecteur d’expression. Cette publication d’Ellen Maurer Zilioli reprend 20 années de création. Les œuvres de Norman Weber se trouvent à mi-chemin entre orfèvrerie, design et art. Perfection technique et provocation s’incarnent dans les bijoux de Norman Weber pour donner naissance à une esthétique inhabituelle. Bien que toutes les œuvres de Norman Weber répondent à des thématiques : « mythes privés », « maison et jardin » « Portraits »… Norman Weber est toujours à la recherche d’innovation. « NOW! JEWELS OF NORMAN WEBER » invite dans un univers fantastique peuplé de compositions aux formes énigmatiques et provocantes. Véritable invitation au voyage et à l’évasion dans un univers surréaliste.

- OUVRAGE A PARAITRE EN SEPTEMBRE 2010 - Depuis ses débuts dans les années 80, Georg Dobler travaille les formes géométriques. Ses choix stylistiques étaient pour l’époque très novateurs. Au milieu des années 80, la nature investit progressivement ses œuvres. Naturalisme et géométrie se marient intimement pour faire place à des bijoux d’une grande originalité. Georg Dobler joue sur les formes, les couleurs, les matériaux et la façon de les travailler en les polissant afin de les mettre en valeur et jouer sur les lumières. En constante évolution, le milieu des années 90 est marqué par une période d’inspirations issues de la peinture abstraite. Georg Dobler est un pionnierdans la réalisation de bijoux d’inspiration abstraite, dans la mouvance d’œuvres d’artistes tel que Mondrian, Kandinsky ou malévitch. “GEORG DOBLER. Schmuck / Jewellery 1980–2010. Composition of Dreams” est une exposition présentée au musée d’Art et du Commerce d’Hambourg (novembre – décembre 2010), puis à Pforzheim, Hanau, Bielefeld et Berlin en 2011.

- OUVRAGE A PARAITRE EN SEPTEMBRE 2010 - “ HENKEL  &  GROSSE PFORZHEIM. 100 Years of Passion for Grosse and Dior” accompagne l’exposition du même nom présentée au musée du bijou de Pforzheim ( 17 septembre – 14 novembre 2010). L’entreprise située dans le sud de l’Allemagne fut fondée en 1907 par Heinrich Henkel et Florentin Grosse d’où le nom de Henkel & Grosse. Très tôt les expérimentations se portèrent sur des matériaux originaux tels que le bronze ou l’aluminium pour la confection de bijoux. Par la suite des liens et des échanges se nouèrent dans les années 30 avec les marques Lanvin, Schiaparelli puis dans les années 50 avec Dior. Depuis 1955 et pendant 50 ans Henkel & Grosse obtint la licence pour confectionner et distribuer les bijoux Dior dans le monde entier ceci, tout en conservant une ligne de création propre et indépendante. A son apogée, la firme Henkel & Grosse employait 600 personnes. Les nombreuses reproductions permettent de retracer le parcours et les réalisations Henkel & Grosse et Dior à Pforzheim.

- OUVRAGE A PARAITRE EN SEPTEMBRE 2010 - Cet ouvrage est publié à l’occasion de l’anniversaire des 300 ans de la Manufacture de Meissen. L’accent est porté sur l’intérêt artistique des porcelaines de Meissen qui sont reproduites avec beaucoup de soin. «PASSION FOR MEISSEN » n’a pas pour objectif de traiter de l’histoire de la Manufacture de Meissen mais plutôt de l’intérêt artistique des pièces produites, avec par exemple le travail du peintre Johann Gregorius Höroldt et de son atelier ou celui du sculpteur Johann Joachim Kaendler et ses collaborateurs. La collection de Said et Roswitha Marouf est à découvrir à travers 500 reproductions couleur de 200 pièces. De nombreux clichés de détails permettent de mettre l’accent sur la qualité artistique des porcelaines. Ulrich Pietsch est depuis 1994 le directeur de la collection nationale de porcelaines de Dresde. Il est de ce fait un merveilleux guide pour présenter la collection.

- OUVRAGE A PARAITRE EN SEPTEMBRE 2010 - Toutes les facettes de l’Art nouveau sont abordées dans ce catalogue d’exposition. « JUGENDSTIL im Bayerischen Nationalmuseum München » invite à découvrir la collection du musée de Munich. Plus de 500 pièces sont présentées à travers de nombreuses reproductions et des textes explicatifs. Michael Koch invite le lecteur à découvrir des pièces d’une grande qualité technique et esthétique. De nombreux arts (mobilier, céramique, bijou…) illustrent les propos de Michael Koch. Un grand nombre d’artistes et de firmes se sont exprimés au sein du mouvement Art nouveau et son représentés dans la collection du musée de Munich : Charles Robert Ashbee | Peter Behrens | Hans Christiansen | Wilhelm Lucas von Cranach | Pierre Adrien Dalpayrat | Daum Frères Verreries de Nancy | Christopher Dresser | August Endell | Lucien Gaillard | Emile Gallé | Léopold Gautrait | Archibald Knox | Max Laeuger | René Lalique | Johann Lötz Witwe, Klostermühle bei Unterreichenstein/West Bohemia | Clément Massier | Koloman Mose | Hermann Obrist | Bernhard Pankok | Bruno Paul | Michael Powolny | Richard Riemerschmid | Rörstrand Aktie Bolag, Stockholm | François Eugène Rousseau | Franz von Stuck | Louis Comfort Tiffany | Henry van de Velde | Vereinigte Werkstätten für Kunst im Handwerk, Munich | Heinrich Vogeler | Josef Wackerle | Philippe Wolfers.

To celebrate the 90th anniversary of the founding of the Bauhaus, we are publishing a key document of modern design history: the 1939 Weißwasser VLG (Vereinigte Lausitzer Glaswerke) products catalogue featuring glass with the diamond trademark. For the first time all designs submitted to VLG by the Bauhaus artist Wilhelm Wagenfeld and other artists have been photographed and rendered “experienceable” at a glance in the context of their – and our – time.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Cet ouvrage a été réalisé par Yvonne J. Markowitz conservateur au Museum of Fine Arts de Boston et Elyse Z. Karlin, spécialiste des arts décoratifs. En opposition au naturalisme rigide des arts décoratifs européens, des artistes tels que René Lalique et Henry van de Velde, des artistes du Jugendstil allemand et de la Sécession viennoise en Autriche ont crée des ornements qui exprimaient l’esprit et la liberté de l’époque. Cette période est marquée par la fluidité des lignes, l’asymétrie des formes avec pour sources d’inspiration la nature et les formes féminines donnant aux créations force et sensualité. Cet ouvrage présente 120 pièces provenant de collections particulières américaines, dévoilant des œuvres de René Lalique, Paul-Emile Brandt, Gustave Espinasse, Pierre Charles Fabergé, Georges Fouquet, Lucien Gaillard, Vladimir Soloviev. Volume abondamment illustré.

L’auteur nous fait plonger dans la tradition de la dynastie Ming qui fut propice à l’épanouissement d’un style élégant et d’une pureté jamais égalée. Les techniques inventées par les ébénistes chinois fascinent toujours par leur ingéniosité, leur virtuosité et leur contribution à l’esthétique du meuble. Le menuisier amateur trouvera ici les plans, feuille de débit et instructions détaillées pour fabriquer de véritables meubles chinois.

Ce livre complète et approfondi le précédent volume. La démarche pédagogique proposée consiste à étudier des cas concrets de tracés et coupes de pierre. Chaque exemple est coté et fait l’objet d’un exercice de traçage à compléter. La démarche est détaillée et aboutit à une représentation en couleur de la pièce achevée.

L’attrait que connaît aujourd’hui le tournage sur bois est à l’origine de cette publication. Comme le niveau 1 dont il est le prolongement, ce livre entraîne le lecteur dans la réalisation d’une douzaine de pièces issues de techniques variées. Une démarche pédagogique, en termes simples et précis soutenus par une abondante illustration, guide le lecteur. Cet ouvrage s’adresse à des amateurs en possession des bases du tournage.

Ce livre permettra aux tourneurs débutants ou initiés de réaliser des modèles simples et utilitaires. Les techniques de réalisations, les outils, les gabarits sont décrits afin de faire de cet ouvrage un outil pédagogique qui permettra à chacun de progresser dans l'acquisition des fondamentaux du tournage.

Quatrième édition revue et corrigée de ce guide sur les barbotines populaires : pichets, assiettes, plats, etc…