« LA COTE DU DESIGN 1980.1990.2000 » rédigée par Jean Michel Homo est un ouvrage bilingue (français-anglais) qui offre aux collectionneurs et amateurs de design le référencement et la cotation des grands classiques du design des années 80, 90 et 2000. 500 références de créateurs des années 1980 à 2000 sont proposées. De nombreuses productions à découvrir ou redécouvrir avec un regard neuf. Information pour les collectionneurs, les cotes sont données pour des produits d'occasion en état d'usage.

Giampaolo Babetto travaille sur les volumes, les formes géométriques, la profondeur et la lumière. Ses recherches donnent naissance à des bijoux d’une grande originalité : créer des œuvres complexes à partir de formes simples… Ellen Maurer Zilioli présente son travail en le resituant dans un contexte artistique. Cet ouvrage accompagne l’exposition présentée à Munich (mars - mai 2010).

Ulla et Martin Kaufmann ont développé un style et une esthétique ensemble. La technique est la base commune aux créations communes : vaisselle, bijoux et couverts. La collaboration entre Ulla et Martin Kaufmann est riche de quarante années d’expériences et d’expérimentations communes. Les deux artistes ont ainsi acquis des connaissances et qualifications uniques sur les matériaux travaillés et la connaissance de leurs propriétés. Ce livre dévoile les secrets et la beauté des pièces pensées et réalisées par Ulla et Martin Kaufmann. « ULLA + MARTIN KAUFMANN Different form » accompagne l’exposition du même nom présentée à Nürnberg (mars 2010), Hanau (août 2010) et Leipzig (novembre 2010).

« HANS-THEO BAUMANN. Art & design. 1950 – 2010 » coïncide avec l’ouverture du musée Hans Théo Baumann de Weil am Rhein. . Hans-Theo Baumann fut actif en République Fédérale d'Allemagne dès 1950. Ses inspirations se traduisent par des meubles, de la vaisselle, des objets en verre et des couverts. Son style se remarque par la clarté des lignes. Les objets qu'il a conçus sont pensés et voulus pour être fonctionnels. La présente publication donne un aperçu complet des réalisations de Hans-Theo Baumann ainsi que les nombreux champs d’exploration qui ont été les siens. Porcelaine, céramique, bois, verre, métaux, mobilier, éclairage, couvert, vaisselle, textile sont autant d’univers variés explorés et exploités par Hans-Theo Baumann. Ces différents matériaux et l’usage qu’en a fait Hans-Theo Baumann est abordé et illustré au fil des chapitres. En annexe le lecteur trouvera une biographie qui les guidera ainsi qu’un rappel des différentes firmes et compagnies avec lesquelles Hans-Theo Baumann a travaillé car toutes ses réalisations étaient crées de façon à ce qu’elles soient traitées de manière industrielle.

Ouvrage passionnant sur les tire-bouchons extensibles. Jacques Lapierre et Hans Türler se sont attelés à la délicate tache de répertorier et classer les tire-bouchons à leviers composés. Explications, photos et dessins à l’appui aident le collectionneur et le curieux à décrypter toute l’anatomie et le fonctionnement technique des tire-bouchons à leviers composés… Les différentes productions de chaque pays sont présentées par chapitres : Angleterre, Allemagne, Suisse, Belgique, Italie, Amérique, France. Jacques Lapierre et Hans Türler abordent également le délicat problème des attributions avec des fabrications inconnues. Le très grand nombre d’illustrations et de reproductions fait de cet ouvrage un outil indispensable aux collectionneurs… Cet ouvrage broché s’accompagne d’un fascicule reprenant tous les types de tire-bouchons présentés en les présentant de manière synthétique avec son nom, une illustration, ses principales caractéristiques, ainsi que le nom du fabriquant. Ce fascicule plus maniable peut être emmené lors de ventes offrant une consultation rapide et aisée. Dans ce fascicule, les tire-bouchons sont présentés de manière alphabétique.

« DE TERRE & DE FEU. L'aventure de la céramique européenne à Limoges. » accompagne l’exposition présentée à Limoges à la galerie des Hospices (juin – septembre 2010). Cette exposition est organisée par le musée National de Porcelaine Adrien Dubouché et la Réunion des Musées Nationaux. Un parcours-présentation de 450 objets permet d’appréhender une évolution des styles et techniques au fil des époques. La période couverte va du 18e siècle à nos jours, ce qui offre une vue d’ensemble. Chacun pourra constater l’influence des grands courants stylistiques sur l’art de la céramique à travers l’étude d’un grand nombre de pièces variées de par leur forme, leur usage ainsi que leur décor. Chaque pièce est reproduite et accompagnée d’une notice explicative.

Ce catalogue accompagne une exposition monographique MAXIMILIEN LUCE NEO-IMPRESSIONNISTE présentée au Musée de Giverny (juillet - octobre 2010). Graveur, né à Paris dans un milieu d'artisans, il entreprend vers 1880 une carrière de peintre. Camille Pissarro qui partage ses convictions anarchistes lui présente en 1887 le groupe néo-impressionniste et Luce adopte alors la technique de la division des tons. Mais, loin d'avoir le regard détaché de Georges Seurat, il décrit l'univers contemporain avec passion. Il aime les effets de lumière violents, du crépuscule sur les bords de Seine aux effets inédits de l'éclairage urbain. Non moins lyriques, les tableaux du Pays noir où les flammes des hauts fourneaux embrasent la nuit. Ses oeuvres atteignent alors à une puissance colorée qui annonce le fauvisme. Fasciné par les travaux d'Haussmann, il évoque aussi l'univers des constructeurs. Plus tard, installé à Rolleboise dans les Yvelines, il trouve l'apaisement et revient à des sujets plus sereins. La période néo-impressionniste, la plus célèbre, sera privilégiée dans cette présentation qui comptera une soixantaine de tableaux, une trentaine de dessins et autant de documents. Le catalogue rassemble les contributions de Marina Ferretti Bocquillon, Aline Dardel, Bertrand Tillier et Vanessa Lecomte, ainsi qu’une bibliographie. Près de 80 oeuvres, tableaux et dessins, ainsi que des documents inédits retraceront le parcours d’un des meilleurs représentants du mouvement néo-impressionniste.

En 1737, Jean-Baptiste Fayard fonda une manufacture de faïence, à Sinceny, village situé au nord-est du département de l’Aisne, à 125 kilomètres de Paris et 31 de Saint-Quentin. La « manufacture du château » resta en activité jusqu’en 1866, tandis que de 1786 à 1887, d’autres fabriques fonctionnèrent à Sinceny et dans ses environs. Pendant 150 ans, furent produites des pièces variées et originales, de grand feu, s’inspirant des formes et des décors à la mode. Ces faïences connurent, jusqu’au milieu du XVIIIe siècle, une grande renommée, avant de s’adresser ensuite, principalement, à une clientèle plus locale. La peinture en réverbère (dit petit feu) fut même pratiquée entre la fin des années 1770 et 1784. La collection de faïences de Sinceny du musée Antoine Lécuyer se compose de pièces rares, exceptionnelles ou plus communes mais habituellement non présentées dans les musées. Couvrant la période 1740-1860 et offrant un panorama varié de la production des manufactures de Sinceny sur plus d’un siècle, elle est publiée pour la première fois en totalité dans ce catalogue.

Né à Langres en 1804, Jules Ziegler accède rapidement à la célébrité comme peintre d’histoire en décorant la vaste coupole de l’église de la Madeleine à Paris. Féru de philosophie, lettré, brillant causeur, il passe en son temps pour savant. Il rédige un traité sur les lois esthétiques, communes, selon lui, à la céramique et l’architecture, publie une étude sur la couleur et la lumière, participe aux premières expérimentations sur la photographie, dans l’effervescence des pionniers, et contribue de façon précoce à faire reconnaître la photographie comme un art. Nommé à la fin de sa vie directeur du musée de Dijon et de l’école des Beaux-arts de la ville, il s’éteint brutalement en 1856, à 52 ans. Il fonde en 1838 une manufacture de grès artistiques, et rénove l’usage du grès salé, en réussissant en à peine quatre années à redonner ses lettres de noblesse à ce matériau, employé jusque-là surtout pour l’alimentation. Sur les traces de Bernard Palissy, son guide, il invente un style de décor végétal naturaliste qui annonce l’Art nouveau. En dépit de leurs prix élevés, ses vases connaissent un grand succès, et pénètrent dans les intérieurs de la bourgeoisie et de l’aristocratie, où ils rivalisent avec la porcelaine. L’effet de mode porté par la notoriété du peintre attire bientôt sur ses créations artistiques de nombreux imitateurs, en France et en Europe, tout particulièrement en Angleterre. Ce livre présente pour la première fois l’oeuvre céramique d’un artiste qui a joué un rôle pionnier dans l’histoire de la céramique française. Hanté toute sa vie par la recherche d’une unité dans tous les arts, Ziegler incarne assez bien l’idéal des artistes romantiques de son temps. S’il n’avait pas dispersé son talent à se lancer sans cesse après de nouvelles recherches et de nouveaux styles, dans la peinture comme dans la céramique et la photographie, Ziegler serait sans doute parvenu à sortir d’un oubli auquel la peinture et la céramique ne lui ont jusqu’à présent pas permis d’échapper. Cette étude novatrice, qui s’adresse aux historiens d’art, aux amateurs et à tous les esprits curieux, a l’ambition d’y contribuer.

« LA BELLE EPOQUE DE JULES CHERET. DE L'AFFICHE AU DECOR » est publié à l’occasion de l’exposition du même nom présentée successivement au Musée des Arts Décoratifs à Paris (juin – novembre 2010), au Museum Villa Stuck à Munich (novembre – février 2012) et au Musée Toulouse Lautrec à Albi (2012). Ce magnifique catalogue est publié sous la direction de Réjane Bargiel et Ségolène Le Men. Anne-Marie Sauvage et Noriko Yoshida ont apporté leur contribution à cette importante étude. « LA BELLE EPOQUE DE JULES CHERET. DE L'AFFICHE AU DECOR » comprend une première partie consacrée à la vie et au parcours de Jules Chéret : sa formation, ses débuts, son travail d’affichiste et de décorateur… Les différentes facettes de la vie de Jules Chéret sont abordées afin de mieux saisir toute sa richesse. La seconde partie est un catalogue raisonné de l’œuvre de Jules Chéret. Catalogue agréablement présenté offrant une page d’illustrations avec en vis-à-vis les notices descriptives des œuvres présentées. Toutes les œuvres se trouvent reproduites permettant de mettre en évidence des thématiques ainsi que des variantes et variations. « LA BELLE EPOQUE DE JULES CHERET. DE L'AFFICHE AU DECOR » comporte un index et une bibliographie offrant à chacun la possibilité de découvrir ou redécouvrir l’œuvre de Jules Chéret.

« L'AGE DU SYMBOLISME EN LETTONIE. L'art de la Lettonie au tournant de siècle » accompagne l’exposition du même nom présentée au Musée de la Ville à Bruxelles (juin – septembre 2010). Cette étude permet de découvrir l’art du début du 20e siècle en Lettonie : Symbolisme et Art Nouveau ainsi que les artistes actifs à cette période. La présentation des artistes et de leurs œuvres permet d’entrevoir la richesse du patrimoine artistique letton. A découvrir.

Magnifique ouvrage consacré à l’étude du mobilier du château de Grignan qui fut la propriété de la famille des Adhémar. Le château est un exemple de l’architecture Renaissance du sud de la France. Classé monument Historique, il est également labellisé Musée de France. Il renferme une collection importante d’arts décoratifs qui vient d’être restaurée et étudiée. Conservateurs du Louvre, historiens d’art et restaurateurs se sont penchés sur l’étude de cette collection : 173 meubles et objets d’arts décoratifs du 16e au 20e siècle. Chaque objet est reproduit, présenté, décrit et restitué dans son contexte afin de mettre en avant toute la richesse de cette collection. La lecture de l’ouvrage se révèle passionnante, elle permet de voir la façon dont la collection s’est constituée au fil des générations. Diversité des goûts, choix des objets, délicatesse des décors, variété des styles et techniques sont autant d’éléments qui sont minutieusement relatés par les trois auteurs : Agnès Bos, David Brouzet et Philippe Malgouyres. « Volutes d’époques. Le mobilier du château de Grignan » est un catalogue de collection qui permet à chacun de découvrir ou redécouvrir un ensemble de très grande qualité.

Magnifique catalogue de la collection de faïences britanniques du British Museum. Les premières faïences ont été produites en Angleterre dès le 16e siècle. Le nom de « Delfware » leur a été donné d’après la similitude des productions hollandaises qui étaient alors renommées. Le British Museum possède une collection importante de pièces réalisées au 17e siècle, les premières manufactures étaient installées à Londres à proximité de la Tamise. La présentation des pièces fait ressortir l’influence des majoliques italiennes ainsi que celle des porcelaines chinoises… D’autres manufactures ont fleuri ensuite à Bristol, Liverpool, Dublin puis dans les îles britanniques et en Irlande au cours du 19e siècle. La variété des pièces et des décors mettent également en avant l’intérêt historique de certains décors et thèmes bien particuliers. Toutes les pièces présentées sont reproduites et accompagnées d’une notice descriptive. L’ouvrage très complet rédigé par Aileen Dawson comporte également en fin d’ouvrage un index ainsi que des marques et signatures permettant des attributions.

“Jewellery in the age of Queen Victoria” se consacre à la production de bijoux de l’époque victorienne. La publication comprend de très nombreuses reproductions de bijoux et parures. Charlotte GERE et RUDOE Judy s’attardent non seulement à l’aspect esthétique mais également social et sentimental du bijou. Cet ouvrage met en avant toute l’importance du bijou en tant qu’objet ainsi que toute sa portée symbolique. Le bijou et la façon de le porter sont le reflet d’une société. Les bijoux sont les reflets d’une mode et d’influences relatives à une époque. Influence de la nature, événements historiques, découvertes archéologiques, goûts de famille royale sont autant d’éléments qui se répercutent dans la production d’une époque.

Après un catalogue consacré à « Alain Richard, Luminaires et mobilier 1950-1970 », la Galerie Pascal Cuisinier présente le travail de l’éditeur : Meubles TV qui dès les années 50 a édité les premiers meubles de jeunes créateurs–designers : Janine Abraham, Gaetan Frontisi, Pierre Guariche, André Monpoix, Pierre Paulin, Alain Richard et André Simard. La présente publication accompagne l’exposition présentée à la galerie (17 avril – 31 mai 2010) mettant ainsi en avant le travail de ces jeunes créateurs alors inconnus. « Meubles TV. Editeur d’avant-garde 1952-1959 » retrace l’aventure, dans la période d’après-guerre d’un éditeur de mobilier et du travail de créateurs désireux de modernité stylistique (lignes épurées et rectilignes) et technique (recours à de nouveaux matériaux, production de masse). De très nombreuses reproductions, ainsi que des dessins offrent un aperçu visuel de la variété et de la modernité de ces productions.

Nouvelle édition 2010 de « La Cote des Peintres » : ouvrage indispensable aux collectionneurs et amateurs d’art. La Cote des Peintres est le plus important répertoire de noms et de cotes existant. Dans cette nouvelle édition, l’auteur, J-A Akoun a collecté des renseignements sur plus de 79 800 artistes. La présentation claire fait apparaître d’un simple coup d'œil la cote moyenne d'un peintre, toutes époques et tous pays confondus. Les enchères record, très éloignées du prix moyen, sont signalées au cas par cas ; pour tel ou tel artiste, les tendances à la hausse, à la baisse ou à l'instabilité sont précisées. Le « Akoun 2010 » est un précieux outil de travail et de recherche aussi bien pour les professionnels que pour les amateurs. Nouvelle édition et retour au format originel, plus agréable à consulter.

Catalogue raisonné des œuvres de Pascin, répertoriant à la fois les peintures, aquarelles, pastels, dessins et céramiques. Pascin (1885–1930) fut un grand peintre et un dessinateur exceptionnel. Originaire de Bulgarie, Julius Mordecai Pincas prit le nom de Pascin lors de son installation à Paris. Influencé d'abord par le Fauvisme, puis par le Cubisme dont il se détourne très vite, il s'affirme rapidement en tant que dessinateur. Actif à Paris mais également aux Etats-Unis, sa renommée est internationale. Ce cinquième volume du catalogue raisonné de l’œuvre graphique de Pascin puise sa richesse dans ses carnets de dessins qui recueillaient à la fois ses impressions et ses sources d’inspiration. Toutes ces émotions ont été consignées au fil du temps, des voyages, des rencontres. Pascin nous invite dans son jardin secret où, pour vaincre sa solitude, il s’entoure d’une multitude insolite et hétéroclite. Le très grand nombre d’œuvres : peintures, aquarelles, pastels, dessins et céramiques reproduits dans ce livre témoignent d’une grande sensibilité de l’artiste. La vivacité et la spontanéité du trait ne peuvent laisser indifférent

Cette étude fait suite au « Catalogue des Salons et expositions à Lyon (1786-1918) ». Les trois premiers volumes répertoriaient les Salons qui s’étaient tenus à Lyon et les artistes y ayant participé. Reflet de la vie artistique lyonnaise entre la fin du 18e siècle et le début du 20e siècle. Suivent deux volumes couvrant la période de 1919 à 1945 : période d’activité artistique intense de l’entre-deux guerre que cette publication met en avant. « Salons à Lyon (1919-1945) », comprend un catalogue des exposants accompagné de la liste de leurs œuvres. 40 000 œuvres sont répertoriées et 6 000 noms. Véritable outil de travail à destination des chercheurs et amateurs d’art, ce dictionnaire propose une entrée par nom d’artiste, avec pour chacun état-civil et renseignement de l’adresse, puis la liste des œuvres présentées lors des différentes expositions. A la suite de ce dictionnaire, le lecteur trouvera de précieuses annexes : un répertoire des artistes présentés lors d’expositions ou rétrospectives durant cette période, un index des collections et prêteurs, une bibliographie descriptive ainsi qu’un index complémentaire pour la période 1786-1918. Dominique Dumas, bibliothécaire au musée des Beaux-arts de Lyon, spécialiste de la vie artistique lyonnaise a réuni une somme considérable d’informations, offrant à travers son introduction et son répertoire des artistes un aperçu de la vie artistique lyonnaise de 1919 à 1945.

Cet ouvrage présente la réimpression des 'Catalogues des Salons'. Ces documents constituent dans leurs différentes sections (peinture, dessin, sculpture, architecture, gravure et arts décoratifs) une référence et une source d'informations indispensables à toute personne s'intéressant à l’art et aux artistes du XIX° siècle. Un index très complet répertorie tous les artistes actifs durant cette période ainsi que les œuvres qu’ils ont présentées lors des Salons. Véritable paysage de l’art de cette période. Le dix-neuvième volume retranscrit les livrets de 1899 à 1901.

Magnifique livre consacré aux sabres des Hussards : des premiers sabres réalisés sous Louis XIV à la fin du 17e siècle, jusqu’ à nos jours. Cet objet facilement reconnaissable à la forme courbe de sa lame, dévoile de nombreux autres aspects jusqu’alors méconnus : histoire, accessoires, production, modèles, procédés de réalisation…. Michel Pétard a travaillé non seulement sur des documents d’archives mais également sur des collections publiques et privées afin de retracer l’histoire et l’évolution des sabres des Hussards. La confrontation de ces deux sources sabre et archives a donné naissance à l’histoire qu’il nous propose. La présentation des sabres des Hussards est claire, précise et détaillée avec de très nombreuses reproductions de pièces et documents d’archives permettant à Michel Pétard d’étayer et d’illustrer ses propos. Ouvrage très accessible même pour les amateurs. Les collectionneurs de sabres trouveront en annexe des informations précieuses : poinçons, cotes, caractéristiques techniques…

Ce livre réunit toutes les connaissances utiles aux collectionneurs et aux professionnels, de l’antiquaire au conservateur restaurateur. Il est aussi l’ouvrage de référence complétant les études d’histoire des arts et des techniques du feu. La notion d’expertise, qui fait référence à la connaissance acquise par la confrontation avec les objets, implique une véritable enquête sur les moyens techniques d’une époque, sur ses aspirations esthétiques, sur ses inventions et ses emprunts d’où naissent les relations entre authentiques, copies, faux et contrefaçons. La première section de l’ouvrage présente une large synthèse sur la céramique, décrivant toutes les évolutions techniques qui ont conduit à l’émergence des styles, des modes et des recherches plastiques. Une grande importance est donnée à l’étude du vocabulaire des formes et des multiples décors, tous reproduits dans de nombreuses planches décrivant par des dessins précis le profil des vases, le contour des assiettes et l’immense variété des motifs d’ornements, floraux ou symboliques. Quant à la section « Techniques de la conservation-restauration », elle explique les enjeux des phases conservatoires ou interventionnistes, de l’enlèvement des agrafes à la réintégration picturale, des mastics époxydes aux glacis polyuréthanes les plus délicats. Les interventions sont détaillées pas à pas, du moulage aux collages, de l’exécution des repeints traditionnels au récent procédé « Stratype ». Des répertoires permettent au lecteur de connaître les produits de laboratoire indispensables dans un atelier – dissolvants, colles, mastics, pigments, liants et vernis – ainsi que les outils manuels ou mécaniques, tel l’aérographe.

Cet ouvrage répertorie plus de 1200 potiers, céramistes, décorateurs, ateliers et fabriques sur une période qui s’étend du 17e siècle à nos jours. L’auteur, Jean-Claude Martin a fait le choix d’une présentation géographique. Il aborde les six départements de Provence pour en présenter les lieux de production de céramique ainsi que les acteurs. Pièces et signatures sont reproduites afin de faciliter l’identification et l’attribution des pièces. Cette publication est le fruit d’un considérable travail de recherche et de collecte d’informations de toutes sortes, aussi bien historiques qu’iconographiques. C’est le travail d’un passionné qui tente d’ordonner et présenter de manière claire la somme des données qu’il a pu recueillir. Ouvrage complémentaire de celui traitant la Côte d’Azur, et dont le rendu plus soigné.

« L'AMEUBLEMENT D'ART FRANCAIS 1850-1900 » ou les grands décorateurs Français de la seconde moitié du 19e siècle est un merveilleux ouvrage, fruit de la collaboration entre Camille Mestdagh et Pierre Lecoules. Camille Mestdagh est historienne d’art, elle a déjà soutenu plusieurs mémoires sur les grandes maisons d’ameublement de la seconde moitié du 19e siècle. Elle nous invite à découvrir la vie et le fonctionnement des ateliers d’ébénisterie parisiens entre 1850 et 1900. Pierre Lecoules, antiquaire de profession et expert apporte sa contribution à la partie technique de l’ouvrage. Leur collaboration a donné naissance à une intéressante réflexion basée sur l’étude de plusieurs maisons de renom et leur production : Dasson, Beurdeley, Sormani, Durand, Zwiener, Jansen, Millet, Krieger. Pour chacune une analyse minutieuse est faite des signatures, bois utilisés, décors spécifiques. L’analyse de Camille Mestdagh est précieuse car elle permet de comprendre non seulement la vie et le fonctionnement des ateliers… mais également les productions et caractéristiques de chaque atelier : meubles, bronzes d’ameublement… Organisation du travail, structure de l’atelier, description de l’atelier, étude de la clientèle et de ses goûts, étude des productions sont autant d’éléments qui se complètent et mettent en évidence une évolution des goûts et des styles au cours de ce demi-siècle. Amateurs d’art, professionnels du mobilier, de l’ébénisterie et du bronze d’ameublement trouveront leur bonheur au fil des chapitres et des nombreuses reproductions.

Les verreries de l'artiste francais Charles Schneider (1881-1953), maître de l'Art Déco, jouissent d'une popularité qui ne cesse de croître. Elles fascinent par leur audace singulière, associée aux formes, couleurs et décors. Deux auteurs spécialisés retracent l'histoire des Verreries Schneider sises à Epinay-sur-Seine de 1913 à 1938, en proposant une approche des diverses techniques de fabrication du verre artistique. Pour la première fois, un ouvrage consacré à cet artiste et préfacé par son petit-fils, inclut une ample sélection des deux lignes de son oeuvre, 'Schneider' et 'Le Verre Francais' à travers 528 photographies en couleur regroupant 738 objets d'art puisés dans les plus grandes collections de par le monde et pour la plupart inédits qui en font une référence incontournable.