Aman-Jean est né en 1858, ami de Puvis de Chavanne, de Seurat et de Mallarmé, Aman-Jean découvre le Symbolisme. Peintre sensible de la femme, réfutant totalement l'académisme et le pompiérisme, son art va s'épanouir lors d'un long séjour à Amalfi en 1895. Le peintre choisit ses modèles, jugulant ainsi l'élan du succès mondain jugé par lui inutile et favorisant l'enthousiasme des vrais amateurs et de la critique. Il créé avec Bourdelle et Besnard le salon des Tuileries, en faveur des jeunes artistes. A partir de 1902, il se rend régulièrement aux U.S.A. où il remporte un très vif succès, le Japon s'intéresse à son oeuvre et de très importants collectionneurs comme Matsukata l'achètent.

Ce catalogue a été réalisé à l'occasion de l'exposition Arman à l'Espace Fortant de France durant l'été 1995. Un peu plus de vingt statues sont décrites.

«Sortir l’esprit du brut…Tina Ausoni y parvient avec audace. Elle sculpte, non pas par simple transplantation, mais réussit ce décisif exercice de la transmutation dont parlent aussi bien Picasso que Rodin. Son travail émeut, intrigue. Il s’en dégage une incontestable puissance, une force qui va bien au-delà du simple creusement «dans l’obscurité de la matière» dont parlait Gabo. Sa technique est admirable. Ce travail passionné mérite bien une rétrospective.» Jack Lang

Réimpression sous forme de photocopie du catalogue de 1886 de Bronzes d'Art de la maison Barbedienne.

Somme de plus de vingt années de recherche et de travail sur les œuvres elles-mêmes, cet ouvrage réunit et confronte pour la première fois, en proposant une classification exhaustive des modéles et des éditions, l'ensemble des sculptures de l'un des plus grands représentants du romantisme: Antoine Louis Barye (1795-1875). Les deux catalogues qui composent ce livre analysent en effet tout l'oeuvre sculpté: tandis que le Catalogue raisonné des bronzes édités répertorie plus de trois cents numéros, faisant enfin le point sur les épreuves d'artistes, les fontes d'époque, les tirages posthumes...,Le Catalogue sommaire des oeuvres non éditées rassemble selon un ordre chronologique les créations du sculpteur, depuis les plâtres présentés à l'Ecole des beaux-arts jusqu'aux commandes publiques et princières.

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Ce livre présente les sculptures et le graphisme original de Harry Bertoia et de son fils, Val Bertoia, ainsi que les commandes exécutées à partir des années 50 jusqu`à nos jours. Allant du mobilier jusqu`à la sculpture de son, l’évolution des idées des Bertoia explorant la relation entre espace, couleur et son est documentée par plus de 500 photos.

Jean-Baptiste Bouchardon, père du sculpteur Edme Bouchardon, originaire du Puy, installé à Chaumont en 1690, s'est illustré comme architecte et sculpteur en Champagne méridionale et orientale.

Importante étude remarquablement illustrée des œuvres du bronzier Matthew Boulton actif en Grande -Bretagne au XVIII° siècle.

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Cette publication de l’experte Véronique Fromager sur l’œuvre de Rembrandt Bugatti est beaucoup plus complète que celle publiée en 1987 aux éditions de l’Amateur. Elle propose un catalogue raisonné de l’œuvre de Rembrandt Bugatti. Rembrandt Bugatti (1884- 1916) a laissé une œuvre de plus de 300 sculptures au cours d’une très courte carrière de 17 années… Connu pour ses sculptures animalières il a également façonné dans la terre ses contemporains hommes et femmes avec la sensibilité qui était sienne… des formes stylisées, fortes et d’une grande modernité. Une vie et des œuvres à découvrir dans cette importante publication.

Cet ouvrage est un catalogue raisonné qui répertorie les œuvres en bronze réalisées par Gualtiero Busato entre 1954 et 2000. Dès son plus jeune âge, il apprend ' le métier ' de sculpteur ainsi que la technique de la fonte à la cire perdue dans l’atelier de son père. Il appartient à la grande tradition des sculpteurs praticiens de leur art et met tout en œuvre pour promouvoir la sculpture. Investi dans le monde de l’art, dès 1962, il fut l’organisateur de plusieurs expositions auxquelles participèrent notamment Picasso, Richier, Marini, Manzù. En 1978, il fonda la Triennale européenne de sculpture dont il fut le président actif durant plus de 20 ans. Ses œuvres se caractérisent par une très grande puissance et une admirable qualité technique. Cette étude révèle les thèmes chers à l’artiste et son passage de l’abstrait au figuratif avec toujours beaucoup de force et une obsession pour la perfection. De nombreuses illustrations notamment des photos de l’artiste ainsi que des dessins complètent l’étude. Ouvrage qui permet de découvrir l’œuvre encore méconnue de cet artiste.

Catalogue raisonné des bronzes 2000-2010, ouvrage complet, sur une décennie de création du maître de la sculpture contemporaine en bronze. Ce volume fait suite au catalogue raisonné Busato, bronzes de 1954 à 2000 auquel il apporte quelques compléments. Ouvrage disponible sur notre site.

Le volume est publié à l'occasion d'une exposition (juin-octobre 2008, Tours) qui a le but de documenter la présence de Calder (1898-1976) en Touraine du début des années 50 jusqu'à sa mort au travers de scène de la vie privée, de la vie publique, de son travail à l'atelier à Saché, dans les usines Biémont à Tours ou sur les différents sites d'implantation de ses œuvres mais également des témoignages de la vie quotidienne à Saché, au village. L'exposition présente un ensemble important d'œuvres originales – peintures, gouaches, tapisseries, sérigraphies, lithographies, mobiles – toutes réalisées à Saché et en provenance de collections privées en Italie, Allemagne et France, ainsi bien que de la Fondation Calder de New York. L'aide de photographes européens et américains, professionnels ou amateurs, a été un élément précieux pour garder en mémoire plus de 30 ans de la vie de Calder en Touraine. Cette exposition a un caractère de témoignage de l'homme Alexandre Calder et des relations privilégiées qu'il entretenait avec ses proches ou la dimension d'amitié, de confiance, de convivialité entourée tous les instants de sa création. Le catalogue comprend, outre les images des cent vingt-deux œuvres exposées, un ensemble de contributions scientifiques de spécialistes et de proches de l'Artiste.

Jean-Baptiste Carpeaux sculpteur. Catalogue raisonné de l’œuvre édité est un magnifique catalogue consacré à l’œuvre de Jean-Baptiste Carpeaux : abondamment illustré et documenté. En introduction au catalogue raisonné, Michel Poletti et Alain Richarme retracent tout d’abord le parcours artistique de Jean-Baptiste Carpeaux (formation, voyages, expositions, commandes…). Un chapitre très intéressant est ensuite consacré à l’édition des sculptures au 19e siècle et plus précisément aux sculptures de Carpeaux. Cette précision permet de bien replacer les œuvres dans leur contexte de création et dans le milieu artistique de l’époque. Le catalogue présente ensuite les œuvres retenues. Chaque œuvre est reproduite en couleur et accompagnée d’une notice explicative détaillée permettant de replacer chaque œuvre dans son contexte de création et de production. Autant d’œuvres à redécouvrir tels que La Danse ou Ugolin ainsi que de nombreuse autres pièces tout aussi sensibles et émouvantes accompagnées de variations et variantes.
Jean-Baptiste Carpeaux sculpteur. Catalogue raisonné de l’œuvre édité accompagna l’exposition présentée en 2003 au musée des beaux-Arts J. Déchelette de Roanne ainsi qu’au musée de Carcassonne. Michel Poletti et Alain Richarme ont également rédigé d’autres magnifiques catalogues raisonnés toujours disponibles : Barye catalogue raisonné des sculptures, Busato catalogue raisonné des bronzes 1954-2000, Pierre-Jules Mêne 1810-1879 catalogue raisonné de l'œuvre sculpté, Guido Righetti 1875-1958 catalogue de l'œuvre sculpté.

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Alexandre Charpentier (1856¬1909) a joué un rôle essentiel dans l'émergence de l'Art Nouveau. Il a milité pour que l'art soit à la portée de tous et gagne le décor dl la vie quotidienne, au-delà des clivages entre Beaux-Arts et arts décoratifs. Touche-à-tout de génie, il expérimente une palette infinie de techniques et de matériaux : plâtre, marbre, bronze, or, argent, étain, porcelaine, grès cérame, pâte de verre, estampe en relief et en couleurs, affiche, cuir gaufré...Toujours à l'avant-garde, Charpentier expose avec les néo-impressionnistes, comme Signac et Pissarro. Pendant l'affaire Dreyfus, il se range aux côtés de Zola. Musicien, il est très lié à Debussy ; il fréquente aussi le Théâtre-Libre d'André Antoine. Célèbre de son vivant, mais éclipsé pendant un siècle, ce précurseur du design est à nouveau mis à l'honneur par ce catalogue, premier et unique ouvrage de référence sur son œuvre.

Paul Louis Cyfflé, sculpteur, doit sa célébrité à ses créations en Terre de Lorraine, pâte patiemment mise au point, dont la finesse lui a permis de mouler des sculptures à l'aspect velouté. Le réalisme des attitudes et des expressions des personnages, représentés avec une extrême précision dans le détail, caractérise son oeuvre.
Il crée ses premiers biscuits auprès des maîtres faïenciers lorrains, puis fonde sa propre manufacture à Lunéville. Avant de repartir aux Pays-Bas autrichiens, il vend ses moules aux manufactures de la région et ses créations sont éditées jusqu'à l'aube du XX° siècle.
L'ouvrage évoque la carrière de l'artiste, la place de la Terre de Lorraine dans la quête de la porcelaine au XVIII° siècle et la fabrication complexe de ces statuettes ; un point est fait sur les productions des manufactures qui ont édité ses oeuvres. Une étude de ses créations par thèmes les replace dans leur contexte, confrontant l'oeuvre originale à ses multiples copies.
 

Une hypothèse majeure est posée dans ce livre : l'oeuvre de Camille Claudel s'apparente à un miroir, tel un lieu de reflets, de conversions, de déplacements. Evocatrice d'un drame, une poétique de l'ombre l'inspire. Elle crée un nouveau pouvoir esthétique, une proximité charnelle, un espace d'accueil que révèle avec subtilité le clair-obscur. Il reste à découvrir ses sources fécondes, sa force exemplaire et son étonnante actualité. Des fragments de son histoire, de l'enfermement culturel auquel sa vocation de femme la condamne, Camille Claudel témoigne. Avec sa chair. Chair plaignante, exclusive, frustrée d'amour désintéressé et trop souffrante. La création de Camille donne corps à un désir incarné dans une présence esthétique rare. L'oeuvre, tel un exutoire, n’a de cesse de libérer les blessures d'une vie. Dans sa forme, elle en porte les marques, dans sa relation à l'espace elle en perpétue le sens. Elle y révèle une poignante humanité, l'élève à la dignité de l'art. La matière ainsi inspirée, marquée d'une histoire terrible, est la terre d'empreinte d'une indicible souffrance, comme une écriture énigmatique du désir, l'indice de son accomplissement impossible. Car la forme parle. Elle parle des ces mots enfouis restés en souffrance dans les profondeurs de la chair. Elle en expose les signes muets. Elle les extrait du monde secret où ils demeurent pour les rendre à la clarté de la conscience. Si, dans le silence de la contemplation, la forme signifie, il convient de la découvrir dans le prodige de son surgissement, quand le désir s'y exprime et nous touche par sa formidable puissance.

Au terme de dix années de travail, R. M. Paris, auteur du premier catalogue raisonné de l’œuvre de Camille Claudel, nous offre un nouveau catalogue complet enrichi des œuvres récemment découvertes et des textes ou études historiques, résultat des recherches et analyses de : Yann Le Pichon 'Les cristallisations entrecroisées de Claudel et Rodin', Jean-Jacques Lévêque 'Camille Claudel et son temps', Jean-Pierre Armangaud 'Camille Claudel et Claude Debussy'. Ce luxueux ouvrage de 624 pages, illustré de toutes les œuvres connues à ce jour dans leurs diverses versions, sera l’outil exhaustif des amateurs, des collectionneurs et de tous les chercheurs qui veulent ne rien ignorer de l’oeuvre du grand sculpteur.

Cet ouvrage est consacré à la production de la firme Copeland qui s’illustre dans sa quête de réalisation de sculptures en porcelaine de grande finesse et de grande qualité. Parian est une porcelaine de grande qualité mise au point par la firme Copeland & Garrett dans les années 1840.
L’objectif étant du pouvoir fournir des pièces de petite dimension imitant le marbre à destination d’une clientèle plus vaste et moins fortunée. Robert Copeland aborde dans un premier temps la technique de fabrication des pièces à partir de moule ainsi que le montage des pièces et des éléments rapportés. Suit un catalogue complet des pièces, statuettes, groupes, bustes et portraits.
 

Cet ouvrage retrace l'œuvre de Robert Couturier, né en 1905. D'abord influencé par Maillol, il s'impose en 1949 comme l'un des représentants de la nouvelle sculpture figurative marquée par la guerre, qui compte Alberto Giacometti et Germaine Richier. Il choisit le plâtre, matériau qui donne une grande liberté, et permet d'incorporer des sujets trouvés, dont naissent souvent ses oeuvres.

Cette publication présente le travail de Joseph Csaky, artiste sculpteur hongrois, né en 1888. Après une formation en Hongrie, il s’installe à Paris en 1908. Il travaille alors avec Jacques Doucet. En pleine période d’effervescence artistique, il se forme et travaille tour à tour l’abstraction et la figuration. Son art évolue perpétuellement passant d’une période cubiste entre 1919 et 1927, à une période de figuration réaliste entre 1928 et 1945. Période au cours de laquelle il s’intéresse à la spiritualité dans l’art. Ses recherches s’orientent ensuite entre 1945 et 1971 vers une fluidité plastique. Cet ouvrage comprend non seulement une étude approfondie et très documentée de la vie de l’artiste (photos, dessins, extraits de correspondance, d’articles de presse de l’époque…) mais également un catalogue raisonné richement illustré de son œuvre. L’auteur, Félix Marcilhac, spécialiste de cette période nous invite à découvrir et mieux comprendre cet artiste : sa vie et son œuvre. La publication du livre est concomitante avec une exposition sur Joseph CSAKY à la Galerie Félix Marcilhac.

Ce livre couvre l'histoire de Goldscheider de 1885 à 1953, et inclut une copie d'un catalogue de Goldscheider du circa 1900 en noir et blanc La société a maintenu un studio d'art employant directement un certain nombre de concepteurs.tandis, qu’également des artistes extérieurs commissionnés travaillent à la conception d’œuvres. Travaillant la terre-cuite, la faïence, la porcelaine, la majolique et puis pour se diversifier dans la sculpture - le bronze, l'étain, le marbre, l'albâtre et le plâtre la compagnie de Goldscheider à reflétée les modes et le goût changeants des temps. Il y a approximativement 1200 photographies en couleur montrant le numéro de type, le titre et la description des figurines, taille, année de fabrication et artiste (si connu). Il y a des index des artistes de Goldscheider, des marques choisies de Goldscheider et des numéros de type inclus dans ce Livre.

Fondée en 1885, la manufacture viennoise de céramique Goldscheider se hissa rapidement à la tête de la céramique européenne et produisit selon différents styles : réaliste, 1900, et art déco. La production se révèle être d’un excellent niveau technique et artistique. Se créa également une collaboration avec de grands artistes et céramistes tels que Chiparus, Bosse ou Lorenzi. Le succès se brisa cependant en 1938, la famille Golscheider devant émigrer. L’entreprise Goldscheider fut vendue à un nouveau propriétaire qui ne put pas maintenir les prétentions artistiques antérieures. Les frères Goldscheider émigrés aux Etats-Unis et en Angleterre fondèrent de nouvelles manufactures. Après la guerre, Walter Goldscheider revint à Vienne reprendre la direction de son ancienne entreprise de céramique. Dans les années 50 la grande tradition céramique viennoise s’acheva par la vente à la firme allemande Carstens. Il existe dans le monde un grand nombre de collectionneurs des céramiques Goldscheider. Cependant jusqu’à présent il y a eu peu d’écrits sur ces pièces. Ceci explique la présente publication portant sur l’histoire de la manufacture et des pièces produites. L’étude rédigée par Robert E. Dechant et Filipp Goldscheider apporte des renseignements sur plus de 4000 pièces dont plus de 1600 sont reproduites. L’ouvrage "GOLDSCHEIDER WELTMARKE DER KERAMIK" comprend plus de 400 illustrations en couleur et est enrichi d’un index des artistes ainsi que d’un aperçu de toutes les marques répertoriées.

In 1938 Dora Gordine was hailed as 'possibly becoming the finest woman sculptor in the world'. For over thirty years she was widely regarded as a major presence in European sculpture; for her contribution to the inter-war art movement known as the Rappel a l'Ordre, as a prominent member of the Royal Society of British Sculptors and as a founder of the Society of Portrait Sculptors. In her heyday, from the late 1920s to the mid 1960s, she attracted the admiration and respect of prominent figures within the cultural world as diverse as the celebrated sculptor Aristide Maillol, Modernist architects such as Auguste Perret and Charles Holden, curators such as Sir Kenneth Clark and Alfred Flechtheim and writers such as Freya Stark, Sir John Pope-Hennessy and Robert Byron. She was widely admired as a creator of psychologically acute portrait heads, idiosyncratic public memorials and sensuous figure-sculptures. She also merits attention for her highly individual sense of style evident in the studio-homes she had built for herself in Paris, Singapore and London. The last of these homes, Dorich Housem, which is on the edge of Richmond Park, is the most architecturally intriguing and was designed by Gordine herself - an achievement virtually unheard of for a woman artist at the time of its construction in 1936

Georges Vigne nous fait découvrir l'ensemble de l'œuvre d'Hector Guimard et à travers sa biographie nous évoque l'ère de l'Art Nouveau. Felippe Ferré nous livre sa précieuse et magnifique collection des photographies qu'il a consacrées aux œuvres d'Hector Guimard depuis plus de trente ans. Ce livre est le résultat de leur rencontre.

Architecte décorateur, artisan de goût, Georges Hoentschel travaille au tournant du siècle dernier pour Julius Vernher, un diamantaire, le roi de Grèce, l'empereur du Japon. Il réalise les pavillons des arts décoratifs de l'Exposition universelle de 1900 à Paris et de Saint-Louis du Missouri en 1904. Céramiste et mécène, il est aussi connu pour ses collections. La première partie de l'ouvrage est consacrée à sa biographie, la seconde à son œuvre dont une vingtaine de pages à la céramique, la troisième partie se rapporte à ses collections.

Ce catalogue monographique retrace la carrière de l'artiste à travers des textes fondamentaux nourris par une très riche documentation. Il devrait rapidement devenir, pour les collectionneurs et les musées, l'ouvrage de référence concernant Alfred Janniot, l'un des plus grands sculpteurs de la période Art déco. Un dialogue entre dessins et sculptures mettra en évidence le cheminement de cette force créatrice qui inspira toute l'œuvre d'Alfred Janniot, artiste pétri de culture classique ayant su grâce à son imaginaire, imposer un regard moderne sur la mythologie gréco-romaine. Ce maître parmi les maîtres a contribué, par son talent, à la réputation aujourd'hui mondiale de la sculpture monumentale française.

A travers ses dessins, aquarelles, peintures et sculptures, Pierre-Paul Jouve a contruit sa réputation autour de sa capacité à saisir et à pénétrer aisément et profondément le caractère de chaque espèce animale. Il collaborera avec Jean Dunand, Goulden, se liera d'amitié avec Gustave Miklos, Joseph Csaky, Pierre Legrain, Marcel Coard, Eileen Gray. Le succès de Pierre-Paul Jouve, spécialiste de la peinture et de la sculpture animalière rayonnera à travers l'Atlantique.

Publié à l’occasion de l’exposition ' Les Lalanne. De la sculpture aux arts décoratifs ' présentée aux Arts Décoratifs, à Paris, du 18 mars au 4 juillet 2010. Sculpteurs inclassables, Claude et François-Xavier Lalanne sont connus pour avoir fait de la nature et des animaux le support de leurs créations. Le couple a toujours exposé ensemble, avec l’idée commune que la sculpture peut avoir une fonction. Souvent hybrides, les oeuvres qui peuplent leur univers étonnent, amusent, sont riches d’une poésie empreinte de surréalisme et guidée par le jeu des mots, des formes et des matières.Ce livre invite à entrer en images dans l’intimité des Lalanne. Une campagne photographique réalisée spécifiquement montre la mise en scène spectaculaire conçue par l’architecte Peter Marino pour l’exposition présentée aux Arts Décoratifs. Le texte replace leur travail dans l’histoire de la sculpture et des arts décoratifs, dans le droit fil d’une tradition française qui aime à associer ces deux approches, et que les Lalanne ont conduite à son apogée.

Albert Marque fut au début du 20e siècle le sculpteur par excellence de la femme et de l’enfant. Artiste possédant une grande maîtrise technique, tout en restant dans un style classique, il participe à de nombreux Salons. L’auteur nous propose de redécouvrir la vie et l’œuvre d’Albert Marque, artiste oublié de nos jours. Cet ouvrage est abondamment illustré, ce qui permet de découvrir la force plastique et gracieuse de ses œuvres. Si l’on connait l’œuvre du sculpteur, on sait rarement qu’il réalisa également une poupée d’une très grande qualité technique et esthétique. En 1915, il travaille en collaboration avec Margaine-Lacroix qui lui confie la réalisation d’une poupée. Artiste sculpteur il s’inspire de la silhouette et de l’expression d’une fillette de son temps pour modeler le corps de la poupée. C’est une poupée unique en son genre, ce n’est ni une poupée industrielle crée dans le but de séduire une multitude de petites filles, ni une œuvre issue de l’imagination d’un artiste. La réalisation de la tête et des pièces du corps fut confiée à la manufacture de Sèvres qui travailla sur des moules des sculptures d’Albert Marque. Les vêtements furent réalisés par l’atelier de Margaine-Lacroix. Une très grande variété de costumes fut confectionnée, donnant naissance à une collection de très belle qualité présentée à le galerie Margaine-Lacroix en 1915. Poupées habillées en reines de France, costumes régionaux… Le succès fut immédiat mais bref en cette période de guerre. Les poupées signées ' A. Marque ' firent leur retour dans les années 70 tout d’abord à l’occasion de mises en ventes aux Etats-Unis puis en France dans les années 80. Ces poupées de luxe atteignent aujourd’hui des sommes considérables...

Résultat de plus de vingt années de recherche, ce catalogue raisonné publié par Michel Poletti et Alain Richarme est le premier ouvrage consacré à Pierre-Jules Mêne, pionnier de la Sculpture animalière au XIXe siècle. Il recense 240 modèles richement illustrés avec, pour chacun, un historique des tirages de 1838 à 1933, date à laquelle l'œuvre de Mêne tombe dans le domaine public. Les sculptures de Pierre-Jules Mêne sont classées par thème : Figures, Chasses, Chevaux, Chiens, Pâturages, Natures mortes, Objets Décoratifs etc., 14 catégories généreusement illustrées. Le livre comporte aussi une biographie de Pierre-Jules Mêne par Michel Poletti avec une étude sur la place de l'artiste dans la société sous le Second Empire. Enfin, une analyse chronologique de sa vie, de son œuvre, et des éditions par Alain Richarme permet de restituer la place de Pierre-Jules Mêne dans la sculpture animalière du Siècle d'or (1830-1930) dont il apparaît comme un des représentants majeurs.

À l’occasion de cette exposition, le Louvre réunira vingt-neuf remarquables sculptures de l’artiste allemand F. X. Messerschmidt – têtes et bustes – sélectionnées au vu de leur qualité et de leur diversité. Ces oeuvres proviennent aussi bien de grandes institutions muséales telles que le Belvedere à Vienne ou le musée national de Munich, que de collections privées. L’événement s’inscrit par ailleurs dans le contexte de l’acquisition par le musée du Louvre, en 2005, d’une tête de caractère du sculpteur : L’homme de mauvaise humeur. L’exposition permettra de montrer au mieux l’évolution du style de Messerschmidt et de caractériser son esthétique, très influencée par les études sur le corps humain, la représentation des expressions et les expériences menées notamment par Mesmer et Lavater. Cet ensemble de portraits à la fois réalistes et fascinants est une illustration passionnante de l’effervescence intellectuelle et artistique dans l’Europe des Lumières. Les têtes de caractère constituent une production tout à fait extraordinaire dans l’histoire de la sculpture. Avec cette production très novatrice, Messerschmidt a brisé les carcans du portrait baroque et ouvert une nouvelle voie à la représentation des visages. L’exposition au Louvre mettra en lumière cette période si énigmatique de l’oeuvre de Messerschmidt que sont ces ' têtes grimaçantes '. Celles-ci dépeignent une multitude d’expressions faciales : l’inquiétude, le trouble, le rire…. autant d’états d’âme que l’artiste traduit avec brio dans l’albâtre et le métal, avec une finesse d’exécution remarquable qui suscite encore aujourd’hui l’étonnement et le questionnement.

Ce nouveau catalogue raisonné comprend de nouveaux suppléments pour les sculptures ainsi que des détails supplémentaires pour de nombreux numéros. La partie consacrée à l’oeuvre graphique comprend les dessins, les sanguines, les encres, les aquarelles, les peintures et les lithographies. Ainsi l’oeuvre, dans son ensemble est répertorié. Cet outil est indispensable aux amateurs, collectionneurs, commissaires-priseurs, experts etc..... Né à Paris en 1913, mort en 2002, Moirignot trouve sa vocation dans l’admiration qu’il porte à ses oncles ivoiriers. Elève de Jean Boucher à l’école nationale des Beaux-Arts, classique par sa formation, il puise dans sa nature nerveuse les illuminations et la lumière accrochée aux aspérités de ses bronzes. Ses oeuvres graphiques ne sont pas seulement des études de sculptures mais aussi des pièces finies et travaillées pour elles-mêmes. En octobre 2010 aura lieu une exposition 'Moirignot' à l’hotel Arturo Lopez à Neuilly sur seine à l’occasion de la parution du livre. Celle-ci regroupera sculptures et oeuvres sur papier dont un grand nombre n’ayant jamais été exposées.

Isamu Noguchi (1904-1988) est considéré comme un sculpteur et un designer majeur du XXe siècle. De ses sculptures, fortement influencée par Brancusi, il glisse vers la création de lampes ou de meubles, créant ainsi un lien entre beaux-arts et arts appliqués. Ce livre, richement illustré, présente tous les aspects de son travail : sculptures, meubles, aménagements intérieurs, créations de jardins

Augustin Pajou (1730 - 1809) est l'un des artistes majeurs du XVIII° siècle français. Expert à travailler la terre cuite comme à sculpter le marbre, à modeler de petites œuvres raffinées ou à concevoir d'imposants monuments, Pajou fut également un grand dessinateur. Ce catalogue, premier ouvrage consacré à Pajou depuis 1912, propose de retrouver le cheminement esthétique de l'une des personnalités les plus en vue du Siècle des Lumières. (Ancien prix 59,46)

Etude réalisée à partir d’albums de dessins de l’artiste Augustin Pajou qui séjourna à l’Académie de France à Rome entre 1752 et 1756. Cette recherche illustrée de nombreux dessins permet de mieux appréhender la formation des artistes français au 18e siècle.

Jean-Joseph Perraud (1819-1876, Grand Prix de Rome de sculpture en 1847 a incarné en son temps le renouveau de l'académisme. Pour la première fois, un catalogue raisonné répertorie près de 150 sculptures analysées grâce à de véritables articles inédits, mettant en valeur ce sculpteur du Second Empire. J.J. Perraud s'affirme comme un sculpteur particulièrement original, dont l'oeuvre empreint à ses débuts d'un romantisme novateur incarne plus que tout autre sculpteur de son temps un néoclassicisme porteur de modernité.

Ouvrage ayant bien servi mais complet et non déchiré.

Autodidacte, Jean Peyrissac s'est consacré au dessin, à la peinture et à la sculpture.Il est resté le plus souvent dans l'éloignement du monde des arts. A chacune de ses rares expositions, son travail a retenu l'attention, mais, une fois la manifestation passée, l'artiste est retourné au silence de sa création.

Magnifique catalogue raisonné consacré à l’œuvre de James Pradier offrant une vue d’ensemble sur la production de l’artiste encore méconnu. Claude Lapaire retrace le parcours de James Pradier : de ses années d’apprentissage à Genève à son installation à Paris. Vie privée, carrière, travail, atelier, sources d’inspiration sont autant d’élément qui permettent de mieux connaître et apprécier cet artiste. Claude Lapaire replace James Pradier au sein de son époque au niveau hisorique et artistique. Il offre ensuite au lecteur un catalogue raisonné comportant plus de 500 sculptures dont plus d’une centaine reproduites et étudiées pour la première fois. Pour chaque œuvre, une notice témoigne d’une importante recherche documentaire (variantes, différentes éditions, œuvres préparatoires...). Index, bibliographie et annexes complètent cette imposante étude à destination de tous les collectionneurs d’œuvres de James Pradier, ainsi qu’à tous les amateurs et historiens d’art.

Cet ouvrage définitif sur Préault, comprenant sa biographie par Charles W. Millard, le catalogue raisonné de son œuvre et sa correspondance, est publié à l'occasion de l'exposition qui aura lieu à Paris au musée d'Orsay du 20 février au 18 mai 1997, au château de Blois du 20 juin au 8 septembre 1997 et au musée Van Gogh d'Amsterdam du 17 octobre 1997 au 11 janvier 1998.Désolés de ne pouvoir vous donner plus d'informations sur cet ouvrage, merci de bien vouloir patienter encore quelques temps.

Toutes les sculptures chryséléphantines d’un maître méconnu de l’Art déco allemand, Ferdinand Preiss.

Anna Quinquaud (1890-1984) est la fille de Thérèse Caillaux, élève de Rodin. Premier Second Grand prix de Rome, l’artiste choisit l’Afrique plutôt que la villa Médicis. Accompagnée de ses porteurs pour toute compagnie, l’artiste s’immergea dans la découverte d’un continent qui s’avéra être pour elle une puissante source d’inspiration. C’est à contre-courant de son époque qu’elle inscrit sa relation avec le continent africain et ce sont des témoignages respectueux de sa terre d’adoption que la sculptrice rapporte : bustes et statuettes, hommages d’une retenue extrême, entre sérénité et mélancolie. Le succès est au rendez-vous (grandes expositions dans les années 30, critiques élogieuses) et les commandes officielles abondent : bas-reliefs de la fauverie du jardin des Plantes, du palais de Chaillot et du Musée d’art moderne de la ville de Paris, mais aussi sculptures monumentales des cathédrales de Dakar et de Casablanca... L’évolution de l’art vers des courants abstractionnistes, mais aussi la décolonisation, auront provisoirement raison du succès d’Anna Quinquaud. Une mise à l’écart auquel cet ouvrage splendide met un terme définitif.

Premier et seul ouvrage moderne rédigé sur le sculpteur Guido Righetti (1875-1958), il recense l’ensemble des œuvres de cet artiste parvenues jusqu’à nous. Tombé dans l’oubli à la fin de la deuxième guerre mondiale, Guido Righetti retrouve une grande notoriété en France grâce aux travaux des deux auteurs-galeristes spécialisés dans la sculpture des XIXe et XXe siècles. Il recense plus de 150 modèles dont certains ont trouvé une nouvelle jeunesse grâce aux éditions en bronze réalisées par la Galerie Univers du Bronze. Il comprend deux parties, la première regroupe par ordre alphabétique les œuvres éditées par l’Univers du Bronze, soit 90 modèles. La seconde est un catalogue sommaire de toutes les œuvres anciennes qui ont pu être identifiées dans les collections publiques ou privées, les salles de ventes… soit environ une cinquantaine d’œuvres.

C. Goldscheider, Conservateur en chef du Musée Rodin, voulant doter Auguste Rodin de l'ouvrage fondamental qui manquait à ce géant de la sculpture, a réalisé, avant sa brutale disparition, le tome I du Catalogue Raisonné et rassemblé l'ensemble des éléments pour la constitution des deux autres tomes. Le présent volume qui contient 145 oeuvres, est précédé d'une notice biographique concernant la période considérée. Cette étude se voulait, pour l'auteur, fondée sur les ouvrages écrits ou publiés du vivant de Rodin et rédigés par des témoins de sa vie, ainsi que sur de nombreux documents conservés au Musée Rodin. La partie bibliographique permet de mieux faire comprendre les difficultés et les succès remportés par le Maître qui voulait travailler d'après la nature, sans se soumettre aux lois de l'académisme.

Sous réserve de disponibilté

Pour la toute première fois, les 455 sculptures en bronze, conservées au musée Rodin, sont rassemblées et présentées sous la forme d'un catalogue raisonné. Dû à Antoinette Le Normand-Romain, directeur de l'Institut national d'histoire de l'art, conservateur général du Patrimoine chargé des sculptures au musée Rodin de 1994 à 2006, il permet au lecteur de découvrir une part essentielle du travail de l'un des maîtres de la sculpture : Auguste Rodin. Chaque œuvre fait l'objet d'une étude minutieuse. Classées par ordre alphabétique des titres des sculptures, avec numéro d'inventaire, les notices sont accompagnées d'un riche appareil technique : type de fonte, fondeur, historique, éditions successives et autres exemplaires connus dans les collections publiques tant en France qu'à l'étranger, œuvres en rapport avec celle présentée, bibliographie. Il est suivi d'un commentaire exhaustif et précis explicitant la création et l'évolution de la sculpture. D'œuvre en œuvre, de notice en notice, c'est le sculpteur que l'on apprend à découvrir ou à redécouvrir avec bonheur : l'artiste est omniprésent du processus créateur jusqu'à la recherche de nouvelles patines pour ses bronzes. Ce catalogue est augmenté d'une introduction par l'auteur qui précise les relations de Rodin, puis du musée, avec les fondeurs. Ruth Butler présente l'histoire des relations entre B. Gerald Cantor et le musée Rodin, tandis que maître Régis Cusinberche, avocat au barreau de Paris, fait le point sur les lois et la jurisprudence qui régissent les éditions de bronze.

Henri Matisse (1869-1954) et Auguste Rodin (1840-1917) : deux immenses créateurs qu'une génération sépare. Bien au-delà de la seule approche biographique, les essais ici rassemblés mettent en lumière, pour la première fois, un dialogue artistique inédit. Des questions aussi fondamentales que celle du lien entre sculpture et dessin, de la place du nu dans l'élaboration d'un langage plastique ou de l'avènement de la modernité sont à l'honneur au fil des textes et des images de ce catalogue richement illustré.

Le sculpteur Pierre Sabatier (1925-2003) a voué l'essentiel de sa carrière à l'édification d'un art monumental et collectif, en marge de tout circuit commercial. Formé après la guerre à l'École nationale supérieure des arts décoratifs
puis aux Beaux-Arts de Paris, il réalise des mosaïques et des céramiques avant de s'orienter, à la fin des années 1950, vers le métal, qui devient son matériau de prédilection. Adhérant en 1966 au mouvement « Le Mur vivant », qui milite pour l'intégration des arts dans l'architecture, il collabore avec des architectes aussi renommés que Maurice Novarina, les frères Arsène-Henry, Michel Herbert, Robert Auzelle, Henry Pottier, Pierre Dufau ou Daniel Badani. Ses oeuvres (sculptures, murs et espaces sculptés, claustras, portes) insufflent par leur expressivité et leur monumentalité du lyrisme et du caractère aux constructions modernes (immeubles de bureaux et d'habitation, universités, mairies, sièges d'entreprise, églises).
Dans les années 1980, Pierre Sabatier surprend en réalisant pour des parcs d'attractions des décors fantastiques en béton projeté dans la tradition des grotesques et de l'architecture imaginaire. Il continue également à s'exprimer à travers le métal dans de vastes programmes de construction, à la Défense notamment, en collaboration avec les architectes Jean-Paul Viguier, Berthet-Pochy ou Franck Hammoutène.
Pierre Sabatier a produit en France et à l'étranger une oeuvre abondante. Il a reçu en 1974 la médaille de bronze des arts plastiques de l'Académie d'architecture, en 1976 la médaille d'argent, puis a été nommé chevalier de la Légion d'honneur en 2002. La maquette de la façade Rochas à Paris (1974), une de ses réalisations les plus emblématiques, figure dans la collection du Musée national d'art moderne-Centre Pompidou.
 

Carlo Sarrabezolles (1888-1971) compte parmi les plus grands sculpteurs monumentaux de son temps. Associé à des architectes de renom, il a participé à de grands décors sculptés en France et à l'étranger, au Palais de Chaillot notamment, couronné par ses Éléments pour l'exposition internationale de 1937, ou à Lille en 1929, au beffroi de l'hôtel de ville, avec les géants Phinaért et Lydéric, utilisant la technique de ' la taille directe du béton en prise ' que l'artiste avait inventée en 1926. Une rétrospective de son travail est organisée à l'initiative du musée de La Piscine à Roubaix, du musée des Beaux-Arts de Reims, du 15 square de Vergennes à Paris, du musée Despiau-Wlérick à Mont-de-Marsan et du musée Savoisien de Chambéry. Cette exposition itinérante de deux années s'adaptera en fonction de la richesse des collections conservées sur place. La couverture du livre reprend une oeuvre emblématique de Sarrabezolles : Le Génie de la mer réalisée pour le paquebot Normandie mais qui n'y trouvera jamais sa place. Plusieurs contributions remettent en perspective son oeuvre, analysant les liens étroits qu'elle entretient avec l'architecture et la prouesse technique que constitue la taille directe du béton. L'ouvrage illustre ainsi l'extraordinaire vitalité d'un artiste qui en passant ' de l'esquisse au colossal ', a développé un oeuvre sculpté emblématique du XX° siècle.

Catalogue de l'exposition qui c'est déroulée de 1997 à 1998 dans les musées de Grenoble, Villeurbanne et Saint Etienne.

Cette première monographie consacrée au sculpteur Agathon Léonard (1841-1923) donne à redécouvrir un artiste de renom de l'époque Art nouveau. En 1900, durant l'Exposition universelle de Paris, Léonard connaît la gloire en présentant un surtout de table en biscuit réunisssant quinze magnifiques danseuses : Le jeu de l'écharpe. Fort de succés, Léonard passe ensuite contrat avec Susse Frères, fondeur éditeur à Paris, qui réalise ce chef-d'oeuvre en bronze et en fait ainsi de superbes objets d'art, diffusés dans le monde entier. L'emblémathique Jeu de l'écharpe figure au centre de cet ouvrage de référence, enrichi d'études qui embrassent la variété de l'oeuvre du sculpteur.

Daphné du Barry - au fil de son travail - a puisé son inspiration dans la grande sculpture, celle des maîtres classiques de la Renaissance au XIX° siècle pour désormais se réclamer de continuer leur œuvre dans le style qui est le sien. Au fil des pages de cette monographie sa personnalité s'affirme et c'est bien à un grand sculpteur auquel est consacré cet ouvrage.

"De cette oeuvre, l'on pourrait dire qu'elle est "une force qui 'va", sûre d'elle et de sa quête. Une oeuvre d'autant plus visible qu'elle s'est imposée dans la grande cacophonie de l'art Contemporain, au milieu de ses désordres et de ses provocations. Oeuvre stable et grave au sens le plus étymologique au coeur des aléatoires et éphémères installations. Oeuvre farouche et finalement subversive parce qu'elle transgresse à sa manière les canons imposés de la statuaire contemporaine, ignore les diktats d'une esthétique qui dénie l'humain, s'acharne à en renier sa beauté et sa grâce."

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Catalogue de l'exposition d'aquarelles et de bronzes qui c'est tenue au musée du Louvre en 1996.

Sculpteur exceptionnel, Louis-Simon Boizot (1743-1809) dirige également l'atelier de sculpture à la manufacture royale de Sèvres à l'issu d'une brillante carrière académique. Son œuvre compte aussi bien des bustes royaux de Louis XVI et de Joseph II que des bas-reliefs pour le tombeau du général républicain Hoche. Si ses activités à Sèvres le conduisent à concevoir des objets d'art minutieux et raffinés -biscuits, vases, pendules-, il n'en participe pas moins à de grandes compositions aussi prestigieuses que la colonne de la Grande-Armée, place Vendôme.

Brancusi est avec Rodin le plus grand sculpteur du XX° siècle. Il élabora dans le bois, le marbre et la pierre, une oeuvre dont les formes épurées, partant de la nature, aboutissent souvent à l'abstraction. Têtes, femmes et muses, oiseaux et animaux, ovoïdes aux contours caressants, grands élancements raffinés en composent l'essentiel.

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Cet ouvrage est consacré à la célèbre famille Bugatti : Carlo, Rembrandt, Ettore et Jean. De nombreuses illustrations de leurs œuvres respectives sont représentées.

Le catalogue des 40 sculptures de Rembrandt Bugatti de la collection d'Alain Delon, par Véronique Des Cordes grande spécialiste du Sculpteur et auteur du Catalogue raisonné paru au éditions de L'Amateur en 1987.

Né en 1884 à Milan, Rembrandt Bugatti fut un des sculpteurs les plus talentueux et les plus singuliers du vingtième siècle. Au cours d'une carrière qui dura à peine plus de 12 ans, interrompue par son tragique suicide en 1916, à l'âge de 31 ans, il a créé une œuvre prodigieuse. En son art, se mêlent un immense raffinement technique, la beauté des formes, l'intensité de l'expression et un style d'une subtile inventivité. Bien que son œuvre se trouve dans les principaux musées du monde et soit hautement appréciée des collectionneurs, Bugatti n'a que récemment commencé à bénéficier d'une ample reconnaissance dans les ouvrages majeurs concernant l'art au vingtième siècle. Fils du grand artiste de la fin du siècle, Carlo Bugatti, et frère cadet du constructeur automobile légendaire qui aura marqué son époque, Ettore Bugatti, celui qui fut audacieusement nommé Rembrandt se présente, dans l'histoire de la communauté artistique européenne avant la Première Guerre Mondiale, comme une mystérieuse personnalité. Paul Cézanne, le peintre le plus influent de l'art moderne, est célèbre pour sa référence à "Poussin refait entièrement la nature", ce par quoi il entendait la création d'un art doté de toute l'autorité de la tradition et de la composition classique, mais revivifié grâce à la puissance de l'observation directe et attentive du monde. Le projet de Bugatti n'était pas très différent. Il connaissait la splendeur des bronzes animaliers de la Renaissance et des sculptures équestres dues à des artistes comme Jean Bologne ou Verrocchio. Il connaissait les bas-reliefs antiques grecs et romains et les mythiques chevaux de Saint-Marc à Venise. Enfin, il connaissait aussi le "renouveau", au XIXe siècle, des sujets animaliers, à l'initiative de sculpteurs comme Antoine-Louis Barye et Emmanuel Frémiet ainsi que, bien sûr, de peintres comme Delacroix, Géricault et George Stubbs. Il allait enrichir cette tradition de sa propre vision, de son empathie pour des animaux et de l'exactitude de son observation. Il allait transcender le genre "art animalier" et comme artiste, résister à toute définition, autre que celle d'un artiste qui invente sa propre vision, et son propre style. Il utilisa les sujets animaliers à la fois en tant que tels mais aussi comme moyens d'expression de sentiment et de célébration de la forme esthétique. Il a gardé ses distances aussi bien vis-à-vis de l'avant-garde que des courants conservateurs de l'époque. L'œuvre originale, profondément enrichissante, parfois troublante, qu'il a créée, demeure unique dans l'histoire de l'art. OUVRAGE INDISPONIBLE DANS LE COMMERCE, LES DERNIERS EXEMPLAIRES;

Cet ouvrage est présenté à l’occasion de l’exposition proposée par la National Gallery of Victoria de Melbourne (février – avril 2009)avec pour thème : la famille Bugatti. Famille unique en son genre d’une grande créativité et dont les membres s’illustrent au cours des 19e et 20e siècles dans les domaines de l’art, du design et de l’automobile. Découverte du travail de trois générations : le mobilier de Carlo Bugatti, les sculptures animalières de son fils Rembrandt, les voitures de légende de son fils Ettore et de son petit fils Jean… Ouvrage comprenant de nombreuses reproductions ainsi qu’une étude intéressante permettant de découvrir tout le génie créateur de la famille.

Cet ouvrage, réalisé en collaboration avec la galerie Beaubourg de Vence à l'occasion de l'exposition organisée au Château Notre-Dame des Fleurs pendant l'été 1995, présente les oeuvres croisées de cette surprenante famille d'artistes que furent les Bugatti. Bien que le nom soit resté indissolublement lié à la marque des célèbres automobiles (Ettore et Jean), le travail d'ébéniste de Carlo et celui de sculpteur de Rembrandt témoignent autant du talent et de l'invention de leurs auteurs. Comme l'écrit Bernard Lamarche-Vadel : ' N'importe où que soit placée la caméra, dans la vie de Carlo, d'Ettore, de Rembrandt ou de Jean Bugatti, et sur leurs oeuvres, surgissent l'éclair de l'innovation, l'intelligence de la forme, l'invention de la règle technique nouvelle, dans l'écrin d'une société cosmopolite. '

Catalogue de l'exposition actuellement présentée au musée du Petit-Palais de Paris. La vie et l'oeuvre du sculpteur et céramiste Jean Joseph Carriès (1848-1894) qui travailla la cire, le plâtre, la terre et le bronze. Présente l'évolution de sa production et reconstitue sa porte monumentale en grès, de 6 mètres sur 8, conçue en collaboration avec Eugène Grasset et qui fut détruite dans les années 1930.

Célèbre sculpteur et peintre du XIX° siècle, élève de Rude qui obtint le succès après avoir reçu le prix de Rome en 1854, notamment avec Ugolin et ses enfants. Cet ouvrage répertorie ses bustes et études de genre.

A Paris, dans les années 1920, la musique d'avant-garde, la danse et l'art se libèrent. Ce mouvement est bien représenté par la sculpture enjouée de Demeter Chiparus (1886 - 1947), dont le travail à petite échelle du bronze et de l'ivoire, connu sous le nom de chryselephantine, se distingue des meilleurs sculptures de cette époque. Chiparus fut le maître incontestable de la sculpture chryselephantine.

A Paris, dans les années 1920, la musique d'avant-garde, la danse et l'art se libèrent. Ce mouvement est bien représenté par la sculpture enjouée de Demeter Chiparus (1886 - 1947), dont le travail à petite échelle du bronze et de l'ivoire, connu sous le nom de chryselephantine, se distingue des meilleurs sculptures de cette époque. Chiparus fut le maître incontestable de la sculpture chryselephantine.

Ce catalogue qui réunit l'intégralité des œuvres du sculpteur permet de pénétrer l'univers de Camille Claudel. Face à des abus d'interprétation et d'exploitation de l'œuvre, il amène également le lecteur à une meilleure compréhension des problèmes juridiques de la fonte. Des lettres inédites de l'artiste complètent cette monographie.

La vie et la carrière de Charles Cordier (Cambrai, 1827 - Alger, 1905) sont à l'image de la singularité de sa sculpture. Pionner de la polychromie des marbres sous le second Empire, figure majeure de la sculpture française de la seconde moitié du XIX° siècle qui n'avait pas fait l'objet d'une rétrospective, Cordier prôna, à travers son art, le respect de l'autre.

Catalogue raisonné de la collection des oeuvres de Dantan Jeune conservées au musée Carnavalet.

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Henri Delcambre puise son inspiration première à la source du futurisme et du cubisme pour savoir ensuite poursuivre ' son œuvre ', celle de toute une vie, marquée par l'austérité et le renoncement mais aussi par une quête sensuelle, humaine, faite de révélations esthétiques et spirituelles sous le signe d'une amitié profonde pour : Henri Laurens. L'art de Delcambre nous plonge dans un univers de formes desquelles émanent des portraits, de femmes, mi-sirènes, mi-Janus, ainsi que des animaux stylisés. Cette monographie a été réalisée à l’occasion de l’exposition présentée à la Galerie Martel-Greiner (septembre-octobre 2008).

Né en 1923, Eugène Dodeigne s'est imposé comme un des plus grands sculpteurs vivants, l'inventeur d'une œuvre originale aux lisières de l'abstraction et de la figuration. Ce livre retrace la carrière de l'artiste, présente des œuvres majeures, les analyse dans le contexte de l'évolution de la sculpture et de la peinture contemporaines. Enrichi d'une cinquantaine de photographies originales, l'ouvrage entend présenter en langage clair les enjeux majeurs de la sculpture actuelle.

Ce catalogue a été réalisé à l'occasion de l'exposition : FRATIN Objets décoratifs & Sculptures romantiques qui s'est tenue à la galerie l'Univers Du Bronze à l'automne 2000.

Le catalogue raisonné, établi par Pierette Gargallo, la fille de l'artiste, présente la totalité des sculptures, des bijoux, et les décors de monuments. Outre les photos des œuvres, de nombreuses photos d'époque sont aussi publiées. Cet ouvrage permettra à un plus large public de mieux connaître ce créateur original.

Figure majeure de la sculpture américaine de la fin du XIX° siècle, Augustus Saint-Gaudens est le fondateur de la sculpture américaine moderne. Son œuvre varié oscille entre réalisme et idéalisme, tandis que ses bas-reliefs témoignent d'une recherche de la vérité instantanée et poétique qui correspond aux innovations contemporaines en peinture. Catalogue d'une exposition de ses principales oeuvres en France - plus de 130 pièces - au musée des Augustins de Toulouse en 1999.

Ce livre très illustré constitue une approche nouvelle et approfondie de l'œuvre du sculpteur Gauguin, peu étudiée depuis le catalogue raisonné de Chirstopher Gray publié en 1963. Au regard des quelque 600 tableaux qu'il a peints, ses 160 sculptures et céramiques représentent un nombre d'oeuvres non négligeables.

Catalogue publié à l'occasion d'une exposition présentée à la galerie L'Arc en Seine, à Paris. L'auteur a voulu dans ce catalogue transmettre aux amateurs et aux collectionneurs son expérience de l'artiste, de ses œuvres aux qualités parfois inégales et de distinguer clairement les pièces réalisées en collaboration avec Alberto pour le décorateur Jean-Michel Frank de sa production personnelle.

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Cet ouvrage est consacré à la famille Guingot et leur place dans les arts lorrains sur 60ans de création artistique dans des domaines aussi variés que les arts décoratifs, la sculpture, le dessin ou la peinture… Chacun avec sa personnalité et ses réalisations : Louis s’illustrant dans le mouvement Art Nouveau à Nancy, Henri plus dans la mouvance Art déco et la sculpture et enfin Mercedes travaillant gravure et dessin figuratifs dans la période de l’après-guerre.

L'ouvrage retrace la longue carrière du sculpteur Jean-Antoine Houdon, né à Versaiiles en 1741, et mort à Paris en 1828, à travers 70 chefs-d'œuvre illustrés et commentés en détail. Cette monographie, que l'on doit à des chercheurs européens et américains, fait le point de la recherche sur l'artiste et offre nombre de découvertes jusque-là inédites.

Une vie extraordinaire émane des ' portraits sculptés ' de Houdon (1741-1828). Ses contemporains s'en émerveillaient déjà: ' il ne manque plus que le moyen de faire parler ses portraits ' ; ' l'œil semble vivant : son regard poursuit le spectateur '. Le musée du Louvre possède la plus importante et la plus belle collection au monde des œuvres de cet artiste d'exception, ' le premier sculpteur du monde ' écrivait Jefferson à Washington en 1784. Sculpteur du roi et familier de la cour, portraitiste sensible de l'intimité et des enfants, cet homme emblématique du Siècle des Lumières, qui connut dès son vivant un succès retentissant, fut aussi l'ami des philosophes et des écrivains.

Né à Douai en 1847 et mort à Paris en 1919, le sculpteur Édouard Charles Marie Houssin occupa pendant presque cinquante ans les Salons officiels et réalisa, notamment dans le nord de la France, de nombreuses commandes publiques aujourd'hui disparues. Comme beaucoup d'artistes académiques de sa génération, il est tombé dans l'oubli après sa mort. Cet ouvrage vise à faire (re)découvrir la carrière et l'œuvre de cet artiste à travers un catalogue raisonné dans lequel ont été recensées près de 150 sculptures richement illustrées grâce à un fonds d'archives photographiques conservé dans la famille de l'artiste.

Jean Baptiste Hugues (Marseille 1849 - Paris 1930), Grand Prix de Rome de sculpture en 1875, appartient à cette génération d'artistes académiques injustement tombés dans l'oubli au milieu du XX° siècle. De son vivant, pourtant, il avais conquis tous les honneurs et une honnête renommée. Son œuvre, aujourd'hui encore, plaide en sa faveur : peu abondante mais variée, elle aborde avec bonheur le décor monumental et la statue de Salon, le bibelot et l'édition d'art, l'Art Nouveau, ou encore le statut de l'artiste...La longue carrière artistique de Jean-Baptiste Hugues en a fait un témoin privilégié de la III° République.

Eugène Lanceray est un des plus grands sculpteurs russes du 19e siècle. Depuis une quinzaine d’années, le britannique Geoffrey Walden Sudbury consacre son temps à l’établissement d’un catalogue raisonné de l’œuvre de Lanceray. Sur les 400 pièces que l’artiste a probablement produites, cet ouvrage en présente plus de 150 dont le cheval est à la fois le sujet et l’objet. Lanceray avait une passion pour les chevaux, il les connait, les observe et les reproduit avec beaucoup de réalisme et d’expression, en cela il est un véritable portraitiste des chevaux. Artiste animalier méconnu, cet ouvrage a pour objectif de mettre en lumière la vie et l’œuvre de cet artiste à travers des notices explicatives et de nombreuses illustrations.

Cet ouvrage est publié à l’occasion de l’exposition ' Joseph Le Guluche (1849-1915) et les terres cuites de l’Isle-Adam', exposition présentée au Musée d’Art et d’Histoire Louis Senlecq de L’Isle-Adam. Joseph Le Guluche a travaillé exclusivement pour les manufactures de L’Isle d’Adam et de Villenauxe-la-Grande dans la réalisation de sculptures en terre cuite d’édition. Cet excellent sculpteur-modeleur produisant à la commande a réalisé un très grand nombre de sculptures en terre cuite. La présente publication reproduit un très grand nombre de ses œuvres qui témoignent du soin porté aux sujets représentés : détails, finition, expression, mouvement… Toutes ces œuvres ont permis à une clientèle modeste pour qui, à l'époque, les éditions de prestige en bronze ou en marbre étaient hors de prix d'accéder à l'art. Après avoir fait la célébrité de L'Isle-Adam et de Villenauxe-la-Grande, les figurines de Joseph Le Guluche sont aujourd'hui la passion des collectionneurs. Elles constituent un ensemble sculpté unique en France. Cette étude présente pour la première fois les connaissances sur cet artiste et ses œuvres. Les différents chapitres ont été rédigés par les meilleurs spécialistes du sujet. Ils permettent de révéler les sources d’inspiration de Le Guluche, les sujets qu’il affectionnait ainsi que les goûts de l’époque.

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La sculpture française figurative de la seconde moitié du XXème siècle se divise en deux courants. D'un coté, les suiveurs de Rodin et Maillol, de l'autre ceux cherchant à redonner à la sculpture une modernité exprimant les valeurs spirituelles et l'inquiétude de l'époque. Alberto Giacometti, Germaine Richier et Moirignot poursuivent ce chemin. 2006 est l'année de la découverte pour le grand public de Moirignot grâce à trois événements majeurs : Avril 2006 rétrospective dans le cadre du Salon des Indépendants Aout-Septembre 2006 rétrospective au Sénat Décembre 2006 exposition au musée Rimbaud de Charleville. Pour le première fois 277 modèles, répertoriés, mesurés, décrits trés précisément et pratiquement tous photographiés.

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Catalogue d'exposition. Près d'une centaine d'oeuvres sont représentées avec leurs caractéristiques.

Ce catalogue a été réalisé à l'occasion de l'exposition : RIGHETTI (1875-1958) autour des années 30 qui s'est tenue à la galerie l'Univers Du Bronze à l'automne 1998.

Hugues Sambin (vers 1520 - 1601) fut tour à tour menuisier, dessinateur, ingénieur militaire, hydraulicien et architecte. Il semble avoir exercé une forme de fascination chez ses riches commanditaires de Bourgogne et de Franche-Comté. Sa pratique de menuisier offre l'occasion d'aborder dans cet ouvrage certaines questions touchant au mobilier, en particulier dans cette période charnière qui voit un renforcement de la spécialisation des meubles et notamment la naissance du 'cabinet'. (Ancien prix 18)

En 1915, E. Manuel Sandoz rencontre Théodore Haviland, qui lui commande des petites pièces pour remplir ses fours de cuisson. Sandoz invente un nouveau style d'objets utilitaires : du pichet-canard au chat-bonbonnière, du poisson-vase à l'encrier-hibou, près d'une centaine de pièces voient le jour en moins de 10 ans.

UNE REEDITION DE CE LIVRE EST ANNONCEE. Né en 1881 à Bâle, Édouard-Marcel Sandoz s'inscrit aux Beaux-arts de Paris en 1904. Dès l'âge de 25 ans, il fait ses premiers envois au salon de la Nationale ; son destin est scellé, il est - et demeurera - sculpteur animalier. Le réalisme assorti de modernité, la continuité de style accrue par l'abondance des matériaux ont permis à Sandoz de rester lui-même dans une après-guerre où se développent les bouleversements des nouvelles écoles. L'ouvrage de Félix Marcilhac comporte une étude biographique longue et fouillée, accompagnée d'un catalogue raisonné recensant 1 600 œuvres reproduites.

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Les sculptures d'Emmanuel Villanis (Lille, 1858 - Paris, 1914) sont régulièrement proposées dans des ventes aux enchères publiques ou chez les antiquaires. Pourtant, sa vie restait mal connue. Après sa formation à l'Académie des Beaux-Arts Albertina de Turin, Emmanuel Villanis s'installa à Montmartre. Artiste de son temps, il a surtout sculpté des héroïnes d'opéra, de la littérature ou de la mythologie.